Mentre le luci si spengono nello spazio all’ultimo piano della galleria berlinese di Esther Schipper, le chiacchiere dei visitatori si fanno un po’ più tranquille. Alcune persone inspirano in modo udibile. Quando le luci si riaccendono dopo pochi secondi, le voci diventano di nuovo più forti e sicure. Queste piccole rotture si ripeteranno un paio di volte quella notte, senza spiegazioni. Sono intenzionali, poiché impediscono lo spettacolo di Dominique Gonzalez-FoersterPanoramismo e settore astratto, che è accompagnato da un pezzo sonoro ambient di Julien Perez, dal trasformarsi in uno spazio eccessivamente accogliente. Offrono anche brevi momenti di riflessione.
Dominique Gonzalez-Foerster, o DGF, come è comunemente conosciuta, fa spesso delle mostre sui display, e questa assume la forma di un panorama. Un semicerchio assemblato senza soluzione di continuità è composto da dodici pannelli, i cui colori – rosso, blu, giallo – sfumano sul tappeto realizzato su misura. Sparsi qua e là ci sono cuscini che ricordano libri di grandi dimensioni, tutti con riproduzioni di copertine reali stampate su di essi, ad esempio quella di Walter Benjamin Senso unico (1928, traduzione inglese 1978), di Okwui Enwezor Il Secolo Breve (2001) e di Isabelle Graw L’amore per la pittura (2018). Questa è una lista di letture materializzata e, in effetti, lo spettacolo è concepito come una celebrazione di artisti, scrittori e pensatori.
Il panorama di DGF, a differenza dei suoi predecessori storici, non raffigura un paesaggio maestoso o una battaglia eroica. È un collage con centinaia di individui, creando un effetto un po’ come quello dei Beatles Il sergente. Pepe coperchio.1 Le immagini richiedono di essere lette. I dettagli di un disegno di Victor Hugo sono stati ingranditi in modo da essere quasi irriconoscibili, quindi sovrapposti con un dipinto dell’attrice e cantante austriaca Lotte Lenya e una foto dell’espressionista astratto Lee Krasner in occhiali da sole. Si fa riferimento ai murales di Diego Rivera. Irma Vep, il personaggio titolare di I vampiri (1915), ripreso in un film e in un recente programma televisivo di Olivier Assayas, fa diverse apparizioni. Rei Kawakubo, Hans Ulrich Obrist e Renée Green sono solo alcuni altri artisti e intellettuali, morti e vivi (molti dei quali con un legame con Berlino), rappresentati come immagini trovate ritagliate, sistemate e stampate su lino. Solo le masse che celebrano la caduta del muro di Berlino restano anonime e senza volto.
I pannelli testimoniano un horror vacui, e le figure brulicanti danno vita a molte trame. La storia dell’astrazione viene raccontata e raccontata, a cominciare da Barbara Honywood, un nome che di solito non ha posto in questa grande narrativa. È ripreso da Mark Rothko, e poi da Krasner, che è diventato sinonimo di un nuovo interesse per le artiste fino ad allora eclissato da amanti e coetanei maschi.
Panoramismo e settore astratto è la terza iterazione dei panorami basati su campioni di DGF. Il primo è stato esposto alla Secession di Vienna nel 2021 e il secondo è stato inaugurato nella primavera del 2022 alle Serpentine Galleries di Londra. Entrambi erano disposti in modo simile. L’installazione a Londra, intitolata Alienarum 5, aveva un tappeto color mandarino e appariva simile a un grembo materno, la sua configurazione psichedelica era in linea con la domanda dell’artista: “E se gli alieni fossero innamorati di noi?” (che ha chiesto in un video introduttivo per lo spettacolo, sorridendo).
Il panorama evoca un acquario o un planetario, altre forme di esposizione interessate alla creazione di mondi. I primi panorami storici furono allestiti a Londra nel 1793, ma questi ambienti pittorici artificiali arrivarono davvero a definire il secolo successivo. A metà strada tra pittura e architettura, allestimento museale e cinema, occupano uno strano posto. Col senno di poi, appaiono come un’aberrazione della storia dell’arte, un espediente. Ma dimostrano che anche i modi di vedere hanno una storia. La versione del mezzo di DGF riprende le vecchie strategie moderniste di shock, frammentazione e collage.
Gli ultimi due anni, dice l’artista, hanno cambiato la sua concezione dello spazio: ha cominciato a pensarlo come una cosa collettiva. Il suo panorama rallenta la percezione, richiede di essere letto e favorisce un piacevole coinvolgimento che dà origine a conversazioni interessanti, possibilmente. La funzione dei panorami è stata a lungo rilevata da formati narrativi più efficienti. Il cinema racconta storie, i programmi TV le raccontano in modo diverso, i videogiochi sono più bravi a creare mondi immersivi. Ma cosa sarebbe successo se il panorama avesse rivendicato una certa autonomia? Dove sarebbe finito il fare mostre? Puramente ipotetico, certo, ma chiedere ha senso considerando la pratica di un’artista che, fin dall’inizio della sua carriera, ha riflettuto profondamente sulle condizioni dell’esposizione.
DGF è nata nel 1965 e ricorda di aver visto in televisione lo sbarco sulla Luna del 1969. Nel decennio successivo, “la fantascienza è stata più importante della letteratura classica”, ha detto in occasione del suo spettacolo al Serpentine. Hans Ulrich Obrist, il curatore, ha affermato che le stanze possono portare a visioni e apparizioni, con sfacciata fiducia nel potere di creazione di comunità dell’installazione.2
All’inizio del secolo, DGF ha progettato una casa per un collezionista d’arte giapponese—una casa che sembra la sceneggiatura di un film, ha scritto un recensore le Monde al momento.3 Per un’incarnazione Y2K della casa di moda Balenciaga, ha progettato negozi. Un tale interesse per il cosmico e la creazione di mondi dioramici e panoramici è evidente in alcuni altri artisti della sua coorte di età, come Philippe Parreno e Pierre Huyghe, con cui DGF ha spesso lavorato. Tutto si è riunito in Expodromo al Musée d’art Moderne de la Ville de Paris (2007), annunciata come una tripla retrospettiva con Parreno e Huyghe, anche se DGF ha creato opere appositamente per la mostra. Nello spettacolo sparso, lo spettatore era posto al centro, non diversamente da un panorama. Tapis de lezione (2000-2007) includeva una pila di tascabili, tra cui quello di Kurt Cobain Riviste (2002) e, come cenno all’era spaziale, il romanzo di Stanislaw Lem del 1961 Solaris. Una strana confluenza di tempi e riferimenti culturali, come quella attualmente in mostra a Berlino, dove gli spettatori si imbattono in un luogo che ripiega strati storici della Berlino del ventesimo secolo in un ambiente suggestivo con Nick Cave ed Erika Mann come contemporanei. Nati troppo tardi o troppo presto, non importa: queste cifre hanno tutte un posto nel canone di DGF.
Lo spettacolo è accompagnato da Une Valise Transféministe, una raccolta di libri che l’artista ha selezionato con il filosofo Paul B. Preciado, che è stato anche coinvolto nella puntata londinese del panorama. I testi sono disposti in tre valigie: una con i libri pubblicati prima del 1900, una del Novecento e la terza contenente le pubblicazioni dal 2000. Una proiezione mostra brani scelti degli scritti. L’arrangiamento ricorda le capsule del tempo di Andy Warhol. Ricorda anche la natura frammentata del pensiero femminista, che sembra ricominciare molte cose da capo a ogni generazione: un canone frammentato ancora in produzione. E somiglia a quello di Marcel Duchamp Boîte-en-valise (1936-1941), la micro-retrospettiva delle dimensioni di una valigia che l’artista ha curato per il proprio lavoro. DGF valigie vengono visualizzati aperti, ma sembrano poter essere chiusi rapidamente e portati in un luogo sicuro, in caso di necessità. E mentre lo spettacolo è una celebrazione di altri artisti e scrittori, che trasuda fiducia nella comunità, c’è un’implicazione più oscura: sembra anche un’arca intellettuale per la sopravvivenza.
a Esther Schipper, Berlinohttps://www.estherschipper.com
fino al 23 dicembre 2022
Dominique Gonzalez-Foerster was born 1965 in Strasbourg, France. She studied at École des Beaux-Arts, Grenoble, L'École du Magasin, Centre National d'Art Contemporain de Grenoble and Institut des Hautes Études en Arts Plastiques, Paris. The artist lives and works in Paris and Rio de Janeiro. An experimental artist based in Paris, Dominique Gonzalez-Foerster has, since 1990, been exploring the different modalities of sensory and cognitive relationships between bodies and spaces, real or fictitious, up to the point of questioning the distance between organic and inorganic life. Metabolizing literary and cinematographic, architectural and musical, scientific and pop references, Dominique Gonzalez-Foerster creates "chambres" and "interiors", "gardens", "attractions" and "planets", with respect to the multiple meanings that these terms take on in the works of Virginia Woolf or Nathaniel Hawthorne, the Brontë sisters or Thomas Pynchon, Joanna Russ or Philip K. Dick. This investigation of spaces extends to a questioning of the implicit neutrality of practices and exhibition spaces. Her "mises en espace", "anticipations" and "apparitions" seek to invade the sensory domain of the viewers in order to operate intentional changes in their memory and imagination. Selected solo exhibitions include: Alienarium 5, Serpentine Galleries, London (2022); OPERA (QM.15), Bourse de Commerce - Pinault Collection, Paris (2022); VOLCANIC EXCURSION (A VISION), Secession, Vienna (2021); Martian Dreams Ensemble, Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig (2018); Costumes and Wishes for 21st Century, Dominique Gonzalez-Foerster in collaboration with Manuel Raeder and BLESS, Schinkel Pavillon, Berlin (2016). Recent group exhibitions include: Shenzen Museum of Contemporary Art and Urban Planning, Shenzen (2022); M+ Museum West Kowloon Cultural District, Hong Kong (2022); Bergen Assembly, Bergen (2022); Farbe ist Programm, Bundeskunsthalle, Bonn (2022); Programme Mire, Gare de Chêne-Bourg, Genève (2022); Video Room program, Histories cycle, Museu de arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP), São Paulo (2021); Mirrors and Windows, Sammlung Philara, Düsseldorf (2021); Inaugural exhibition, The Tower, LUMA, Arles (2021); SETTING - R. W. F. alive, mim | Raum für Kultur, Munich (2020); Enzo Mari, Triennale Milano, Milan (2020); May You Live in Interesting Times, La Biennale di Venezia, Venice (2019); Luogo e Segni, Punta della Dogana, Venice (2019); Opera as the World, Centre Pompidou-Metz, Metz (2019); Welt ohne Außen, Gropius Bau, Berlin (2018).
Philipp Hindahl is a writer and editor based in Berlin. He writes about art, architecture, and literature for magazines and newspapers.
