Anna Zemánková ha detto che creava esclusivamente fiori: a quanto pare sentiva un’affinità naturale con loro, circondandosi non solo della flora fresca ma anche delle sue controparti di plastica. Il suo ricco e colorato straripamento di disegni, dipinti e collage travolge e può persino provocare una nausea delirante nel fortuito curatore che esamina il suo considerevole archivio. Ciò che rende la sua storia così affascinante è che è iniziata piuttosto tardi, intorno all’anno 1958, quando aveva circa 50 anni. All’epoca i suoi figli trovarono in soffitta una piccola valigia piena di semplici dipinti. Quando hanno saputo che li aveva dipinti, molti decenni fa, l’hanno persuasa a riprendere il lavoro su carta, per divertimento. La loro madre stava attraversando una crisi personale e sperimentava un malcontento a lungo termine; i suoi figli avevano abbandonato da tempo il nido e non avevano più bisogno delle sue cure, mentre il rapporto con il marito era disarmonico. Stava trattenendo una quantità eccessiva di energia che doveva esplodere.
Il suo desiderio di realizzazione creativa è arrivato all’improvviso ed è iniziato solo come mezzo di autoconservazione e piacere: il meticoloso lavoro le ha portato soddisfazione e un potenziale più profondo per diventare “la sua stessa persona”. Ben presto, il diversivo divenne una necessità. Si svegliava verso le quattro del mattino e iniziava a dipingere ascoltando musica classica, incapace di creare in silenzio. La sua mano ha prima coperto i contorni dei volumi più grandi, poi si è girata per modellare le unità più piccole e, infine, è arrivata all’intreccio di piccoli dettagli. La sua precedente pratica di dentista si è manifestata nella sua meticolosità, nelle otturazioni in filigrana e negli arabeschi delle sue opere.
L’impulso creativo di Anna ha avuto origine da qualche parte nel profondo ed è stato un processo intuitivo, piuttosto che razionale: una volta che la sua mano ha disegnato una forma, quella forma ne ha istantaneamente creata un’altra. L’autore sosteneva di non poter risalire alla fonte esatta della sua immaginazione, tuttavia l’opera la incoraggiava a liberarsi dalla materia e ad armonizzare la sua anima. Sebbene questi fatti possano evocare lo spiritualismo nell’arte – le opere di Hilma af Klint potrebbero affiorare alla mente – non ha mai parlato di alcun potere divino in gioco. Essendo un’artista autodidatta, ha dovuto escogitare il proprio metodo: la fede nel suo ingegno è diventata la sua forza trainante oltre che motivo di orgoglio.
Possiamo presumere che la sua preferenza estetica fosse informata dai costumi popolari della regione di Haná, dagli erbari, dai monumenti, dall’elevata qualità del barocco, o forse anche dalle curve decorative dell’art nouveau. Tuttavia, anche un semplice sguardo ci assicura che queste piante non erano formate da materia terrestre. Spesso vibrano di una mistica minacciosa e nei suoi disegni possiamo occasionalmente osservare corpi e formazioni aliene (credeva fermamente nelle civiltà extraterrestri). A volte non è chiaro se ci troviamo faccia a faccia con oggetti di ordini di grandezza alcune volte inferiori o superiori, assistendo a tessuti e divisione di cellule, alghe, protozoi amorfi o esplosioni planetarie. Questa vegetazione mentale sfida le leggi della fisica e l’unica cosa che la lega alla Terra è che di solito cresce verso l’alto. Altrimenti, esiste nel vuoto piuttosto che nell’aria umida.
Anna era orgogliosa della sua produzione unica e non ricorrente; permutazioni della vegetazione come linguaggio, struttura interiore e soggetto del suo lavoro. Vari autori si sono occupati direttamente dei processi ontologici e del desiderio libidico di autoimpregnazione nelle loro interpretazioni del suo lavoro perché il mondo delle piante invita naturalmente a tale ragionamento. Tuttavia, la materia che ha creato è ultraterrena, più allettante e succulenta della natura stessa, a volte persino peccaminosa.
L’artista ha scoperto, persino inventato le tecniche alle sue condizioni, non avendo ricevuto alcuna educazione artistica formale. Inizialmente ha lavorato con matita e tempera, acquerello, poi con pastello secco, pastello a olio e pastelli. C’è stato un tempo in cui copriva i suoi disegni con olio da cucina per sigillarli e fornire traslucenza: non le veniva in mente che l’olio si sarebbe impregnato e avrebbe lasciato una macchia sgradevole intorno ai contorni. Ha composto collage con ritagli di carta o raso, quindi ha cucito perline e paillettes. Con un ago, ha perforato la carta e l’ha goffrata con rilievi.
Nella sua casa nella Praga dell’era comunista, ha costruito un “regno delle fiabe” privato, circondandosi di cose kitsch. Questo perché, secondo la sua famiglia, preferiva la bellezza convenzionale nel suo spazio vitale. Nella sua pratica artistica, era il contrario: sembra essere più audace nella sua espressione creativa. Spesso doveva esercitare una concentrazione quasi sovrumana per produrre decine di migliaia di punti e linee nei dettagli dei disegni, senza errori e sbavature, con l’abilità e il rigore che sarebbero stati necessari anche per il suo precedente lavoro.
a Sophie Tappeiner, Vienna
fino all’8 ottobre 2022
