Diretta da Gianfranco Brunelli e curata da Elizabeth Prettejohn, Peter Trippi, Francesco Parisi e Cristina Acidini, con la consulenza di Tim Barringer, Stephen Calloway, Charlotte Gere, Véronique Gerard Powell e Paola Refice, l’esposizione affiancherà per la prima volta ai capolavori dei Preraffaelliti i loro modelli italiani dal Medioevo al Rinascimento, ma anche opere di alcuni nostri artisti di fine Ottocento, che a loro volta subirono il fascino dei colleghi britannici. Oltre a dipinti, sculture e disegni, in mostra troveremo foto d’epoca, mobili, ceramiche, tessuti, gioielli, libri illustrati, per un’immersione completa nell’immaginario preraffaellita. 

Edward Byrne-Jones, William Morris and John Henry Dearle (designers), Morris & Co (produttore, tessuto by Robert Ellis, John Keith, John Martin, George Merritt), Arazzi del Santo Graal – L’Armamento dei Cavalieri, progettato nel 1890, tessuto nel 1898. Arazzo ad alto ordito con trama di lana e seta su ordito in cotone. Collezione privata

“Il Preraffaellismo (…) non fu un ritorno reazionario agli stili del passato ma un progetto visionario capace sia di rendere le opere che ne nacquero qualcosa di decisamente moderno, sia di restituire forza e presenza alla tradizione italiana”, si legge nella presentazione della mostra. Inizialmente interessati all’arte e all’architettura gotica veneziana, in seguito i Preraffaelliti scelsero la tradizione toscana di Giotto e Cimabue come fonte di ispirazione privilegiata, per poi passare a maestri del Rinascimento come Botticelli e Michelangelo, e infine riscoprire con entusiasmo il Cinquecento veneziano di Veronese e Tiziano. 

Tra l’antica Chiesa di San Giacomo e le ampie sale che costituirono la biblioteca del Convento di San Domenico, vedremo i grandi dell’arte italiana dialogare con artisti britannici vissuti diversi secoli dopo come Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt, John Everett Millais, ripercorrendo l’evoluzione del movimento preraffaellita e apprezzandone la capacità di reinventare la tradizione. 

Frederic Leighton, Ragazze greche raccolgono ciottoli in riva al mare, 1871. Olio su tela. Collecciòn Pérez Simòn, Mexico

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Dal 12 al 14 aprile attraverso portali spaziali e corridoi temporali, suggeriti già dal titolo no time no space, miart 2024 allargherà ulteriormente i propri confini, intrecciando passato, presente e futuro per parlare del nostro tempo, cogliendo nel mutevole e tumultuoso flusso dell’attualità ciò che nell’arte è stabile e durevole.

Gideon Rubin, Camicia blu (treccia), 2023, Olio su lino, 45.5 x 51 cm | Foto: Gideon Rubin | Courtesy Monica De Cardenas, Milano – Zuoz – Lugano

“Con 181 gallerie (il doppio rispetto al 2023) provenienti da 28 Paesi e dieci Premi che saranno assegnati nei giorni di mostra – sottolinea Roberto Foresti, vice direttore generale di Fiera Milano – la ventottesima edizione della fiera milanese ribadisce il suo ruolo di appuntamento imprescindibile per tutto il pubblico dell’arte”.
Punto di partenza di questo percorso saranno le gallerie italiane che rappresentano oltre la metà del totale degli espositori selezionati e che fanno della fiera milanese un’eccellenza di richiamo per collezionisti, curatori e artisti alla ricerca di novità, ma anche di specificità locale. Rispetto alle precedenti edizioni aumenta l’incidenza delle gallerie provenienti dall’estero, grazie a significativi nuovi ingressi all’interno della sezione principale, Established. Tra queste Helena Anrather (New York), Galerie Buchholz (Colonia, Berlino), Emanuela Campoli (Parigi, Milano), Fortes D’Aloia & Gabriel (San Paolo, Rio de Janeiro), greengrassi (Londra), Georg Kargl Fine Arts (Vienna), KOW (Berlino), Fabienne Levy (Losanna, Ginevra), Galerie Neu (Berlino), solo per citarne alcune.

Valerio Adami, Henri Matisse che lavora a un quaderno di disegni, 1966, Acrilico su tela, 300 x  200 cm | Courtesy Gió Marconi, Milano

Da ChertLüdde (Berlino) a Ciaccia Levi (Parigi,Milano), da C L E A R I N G (Bruxelles, New York, Los Angeles) ad Andrew Kreps Gallery (New York), sono numerose le conferme da parte delle gallerie internazionali che già hanno animato le ultime edizioni della fiera. Se Emergent, la sezione curata da Attilia Fattori Franchini, riservata alle gallerie impegnate nella promozione delle generazioni più recenti di artisti, accoglie quest’anno 23 realtà provenienti da tutto il mondo, il 2024 assiste alla prima edizione di Portal, curata da Julieta González e Abaseh Mirvali, che ospita dodici selezionate gallerie che propongono piccole mostre distribuite all’interno della sezione principale. Una sorta di finestra per osservare il presente attraverso prismi non convenzionali.

Tra le novità 2024 si inserisce la sezione tematica Timescape, progetto espositivo che si svilupperà nel corso del prossimo triennio e che ogni anno porterà all’attenzione del pubblico di miart opere realizzate in epoche sempre più distanti nel tempo rispetto alla tradizionale offerta cronologica della fiera, attraverso micro-esposizioni che arricchiscono miart con un approccio trans-storico e trasversale. Questo viaggio nel tempo comincerà nel 2024 con un affondo sul primo Novecento grazie al contributo di Aleandri Arte Moderna (Roma), Bottegantica (Milano), ED Gallery (Piacenza), Galleria Carlo Virgilio & C. (Roma), Galleria Gomiero (Montegrotto Terme) e Galleria Russo (Roma).

miart 2024, no time no space | Creative direction: @cabinet_milano | Photography: @charlieengman

Il legame tra miart e la città di Milano sarà infine rafforzato da una nuova edizione della Milano Art Week, la manifestazione diffusa coordinata dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano che mette in rete le principali istituzioni pubbliche e fondazioni private della città dedicate all’arte moderna e contemporanea, con un programma di mostre e attività attese dall’8 al 14 aprile.

Gazometro © Archivio storico Italgas-Heritage Lab, Fondo fotografico Il Gazometro (gasometro n. 4), Roma, secondo quarto del XX secolo

È probabilmente la loro inabitabilità a conferire a queste architetture un’intrinseca bellezza. Il Memoriale Brion ad Altivole, un complesso architettonico progettato dall’architetto Carlo Scarpa, il Lingotto di Torino di Giacomo Matté Trucco, gli Ex Seccatoi di Città di Castello che nel 1966 hanno accolto i libri alluvionati di Firenze, e ancora la Torre Branca, originariamente torre littoria, progettata da Giò Ponti, sono alcuni degli otto esempi di Architetture Inabitabili, al centro della mostra di Archivio Luce Cinecittà in programma fino al 5 maggio alla Centrale Montemartini di Roma.

Promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, organizzata e realizzata da Archivio Luce Cinecittà, curata da Chiara Sbarigia con Dario Dalla Lana, l’esposizione abbraccia 150 immagini che immortalano queste architetture per tipologia, destinazione d’uso ed epoca di costruzione. 

Palmenti di Pietragalla © Matteo Della Torre / Alamy Stock Photo 

Spiccano le foto di grandi autori italiani come Gianni Berengo Gardin, Guido Guidi, Marzia Migliora, Gianni Leone, Mark Power, Sekiya Masaaki, Steve McCurry, mentre le immagini di Francesco Jodice e di Silvia Camporesi sono state realizzate appositamente per l’appuntamento romano. 
Il catalogo, edito da Archivio Luce Cinecittà con Marsilio Arte, è arricchito dai testi inediti di otto scrittori che regalano una narrazione personale ed intima dei luoghi.
La mostra si potrà visitare dal martedì alla domenica dalle 9 alle 19. Ultimo ingresso un’ora prima della chiusura.

Philip Colbert. House of the Lobster I Courtesy Museo Archeologico Nazionale di Napoli

“Ho realizzato un sogno – racconta l’artista – e sono felice di tornare a Napoli, in un luogo del mio cuore come il Museo Archeologico Nazionale. La fantasia, che è sempre proiettata verso il futuro, diviene poesia quando incontra il passato: vorrei trasmettere questo messaggio a tutti i visitatori, in particolare ai più giovani”. L’idea della mostra è nata la scorsa estate, quando il successo delle installazioni in Piazza San Martino ha spinto Colbert a immaginare un progetto site specific che trasformasse le sue sculture in surreali messaggeri tra passato e presente. 

Philip Colbert. House of the Lobster. Allestimento al Museo Archeologico Nazionale di Napoli  © Ivan Romano Getty Images

Così sono nate le grandi tele in stile cartoon dove la lotta tra crostacei ricorda la battaglia di Isso, soggetto di un celeberrimo mosaico del MANN, i marmi postmoderni ispirati al mito di Perseo, come narrato dagli affreschi vesuviani, o le sculture in resina che ricordano  le ceramiche della Magna Grecia. “Durante la mia prima visita al MANN rimasi stupefatto dal mosaico”, ha raccontato l’artista: “Dopo aver studiato per molti anni dipinti storici con scene di battaglia, sono stato improvvisamente colpito dalla profonda influenza che mosaici come questo hanno avuto su artisti come Rubens. L’assenza di alcuni elementi, perduti con il passare del tempo, ha permeato l’opera di un senso di mistero, lasciando spazio all’immaginazione per colmare le lacune”.

Philip Colbert. House of the Lobster. Allestimento al Museo Archeologico Nazionale di Napoli  © Ivan Romano Getty Images

Al centro del percorso un mosaico marino proveniente da Pompei mostra un’aragosta, una murena e un polpo che si danno battaglia: la rappresentazione di una lotta senza tempo, secondo Colbert, che sull’onda di queste suggestioni ha creato le scene subacquee di Pompeii Series, un ciclo iniziato nel 2023 e ancora in progress. 

Philip Colbert. House of the Lobster. Allestimento al Museo Archeologico Nazionale di Napoli  © Ivan Romano Getty Images

“Man mano che la mia passione per le aragoste si sviluppava, tracciando il loro simbolismo attraverso la cultura pop e oltre, mi riportava inevitabilmente ai mosaici di Pompei, dove erano tra le prime raffigurazioni”, ha spiegato l’artista: “La collocazione dell’aragosta al centro dell’immagine, intrappolata in questo triangolo della morte, come lo interpreto io, accanto al polpo e all’anguilla, è una potente metafora visiva che ho voluto sviluppare nel mio lavoro, attraverso una narrazione che trascende il tempo e si connette con lo spettatore a livello viscerale. Il motivo della battaglia non è semplicemente una rappresentazione del conflitto, ma un riflesso delle nostre lotte interne, dei conflitti sociali e della danza perpetua tra forze opposte nella vita”.

Con House of Lobster, in mostra al MANN dal 26 gennaio al 1° aprile 2024, Colbert rende omaggio alle radici della mitologia dell’aragosta attraverso opere ispirate alla collezione di mosaici del museo provenienti dalla Casa del Fauno di Pompei, rinvenuti tra il 1830 e il 1832.  

Philip Colbert. House of the Lobster al MANN © Ivan Romano Getty Images

Marietta Robusti (la Tintoretta), Autoritratto con Jacopo Strada, 1567-68, Olio su tela,  Gemäldegalerie Alte Meister, Staatliche Kunstsammlungen Dresden

Nel caso di Marietta Robusti, alias La Tintoretta, sappiamo che aiutò il padre Jacopo in giovane età prima di diventare un pittrice a pieno titolo. Altre protagoniste, meno fortunate di lei, lavorarono nell’ombra, assistendo i loro parenti. Il loro personale stile, talvolta difficile da identificare, si fondeva talvolta con quello dei loro maestri. Fu questo il destino di Michaelina Wautier.
I documenti dimostrano invece che il marito dell’olandese Rachel Ruysch, il pittore Juriaen Pool, non solo le diede il permesso di dipingere, ma le sue nature morte superarono quelle del compagno che la supportava materialmente nel suo lavoro. Così fu la prima donna a essere inserita nella corporazione dei pittori dell’Aia. Ma fu un’eccezione dal momento che, nella maggior parte dei casi, il matrimonio – come ebbe modo di sperimentare la pittrice olandese Judith Leyster, significava rinunciare alle proprie aspirazioni professionali sottomettendosi alle autorità dei mariti.
Sebbene alcune affiancassero i propri coniugi nel laboratorio, per molte di loro i bambini e la famiglia occupavano ormai gran parte del tempo. Questo spinse altre artiste come Maria van Oosterwijk a scegliere di rimanere single.

Meno numerose, ma altrettanto straordinarie furono poi le donne pittrici senza alcun legame con l’arte, ma che impararono il mestiere tardi. Molte di loro provenivano da famiglie nobili e borghesi. Sofonisba Anguissola si formò presso il pittore Bernardino Campi. Gli sforzi del padre, finalizzati a “commercializzare”, le consentirono di ottenere successo fino a conquistare la corte reale spagnola. Se Catharina Treu fu la prima docente presso un’accademia tedesca grazie al mecenatismo del conte Palatino Carlo Teodoro, Angelika Kauffmann è presumibilmente la più conosciuta artista e insegnante donna, contando tra i riconoscimenti l’appartenenza alla Royal Academy di Londra.
Eppure queste donne non avrebbero potuto raggiungere i loro successi senza il supporto degli uomini che le circondavano.

In mostra a Basilea i visitatori incontreranno ritratti e nature morte, soggetti dominanti nella produzione delle artiste tra Cinque e Settecento. Di tanto in tanto qualcuna si cimenta nella pittura storica, il genere di rango più alto.
Non ci sono soggetti “tipicamente femminili”. I motivi sono soprattutto un riflesso dei tempi e dei luoghi particolari nei quali visse un’artista.

Rachel Ruysch, Natura morta con ramo di rose, scarabeo e ape, 1741, 24.5 x 20 cm, Olio su tela, montato su legno di rovere, Kunstmuseum Basel

Per quanto riguarda i committenti, i Paesi Bassi e la Germania videro l’ascesa di una clientela borghese, mentre l’aristocrazia rimase dominante in Italia e Spagna dove la Chiesa era ancora fonte di importanti commissioni. Le richieste incidevano anche sui formati, decisamente più piccoli in alcune parti del nord Europa. Ritratti e nature morte floreali si trovano nelle opere di artiste sia nel nord che nel sud.

Nelle cinque gallerie del Kunstmuseum Basel le diciannove artiste sono esposte in base alle origini geografiche. Se la prima galleria è dedicata alle pittrici italiane Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Marietta Robusti detta Tintoretta ed Elisabetta Sirani, una stanza più piccola accoglie le nature morte di Fede Galizia, Louise Moillon e Anne Vallayer-Coster. Seguono le olandesi Catharina van Hemessen, Michaelina Wautier e Judith Leyster, mentre la quarta sala si concentra sulla natura morta settentrionale, con opere di Rachel Ruysch, Maria van Oosterwijk, Maria Sibylla Merian e Alida Withoos. La tedesca Katharina Treu, Dorothea Therbusch e la svizzera Anna Waser, Anna Barbara Abesch e Angelika Kauffmann chiudono il percorso.

La mostra dedica un particolare excursus alle artiste attive nel mondo della stampa, nei laboratori di famiglia. Le stampe riportano dettagliate informazioni sui nomi dei produttori. Al primo piano dell’Hauptbau ritroveremo tre principali rappresentanti: Diana Scultori, figlia dell’omonima famiglia mantovana-romana di incisori, Magdalena de Passe, collaboratrice dell’impresa di suo padre Crispijn de Passe a Colonia e poi a Utrecht, e Maria Katharina Prestel che sposò il suo insegnante Johann Gottlieb Prestel.
La mostra è una coproduzione del Bucerius Kunst Forum, Amburgo, e del Museo d’arte di Basilea. Il percorso espositivo riunisce prestiti da collezioni pubbliche e private internazionali, dalla Galleria degli Uffizi di Firenze al Kunsthistorisches Museum di Vienna, dal Rijksmuseum di Amsterdam alla Staatsgalerie di Stoccarda.