JEROME REYES: PJ, la tua descrizione del Vittoria della lotta di solidarietà La mostra è immediatamente provocatoria: “Una valutazione contemporanea di uno dei contributi più rivoluzionari della Bay Area al mondo: il diritto di conoscere noi stessi”. Come sei arrivato a questa urgenza? In che modo questa premessa è opportuna e inopportuna, dato l’elenco di artisti che hai selezionato e il clima culturale generale negli Stati Uniti?

PJ GUBATINA POLICARPIO: Nel dare forma a questa mostra, sono stato influenzato dalla mia crescita a San Francisco, frequentando la Balboa High School e i distretti Excelsior e Mission. Lo spettacolo riflette quell’educazione.

La mia esperienza a San Francisco è sempre stata radicata nell’istruzione pertinente. Ho letto Toni Morrison in terza media, seguito da Carlos Bulosan, Sandra Cisneros, N. Scott Momaday, Leslie Marmon Silko e altri. Queste voci che aprono l’universo mi hanno insegnato come essere in questo nuovo paese in cui vivevo. Devi capire, mi sono trasferito negli Stati Uniti a 13 anni, già armato della conoscenza di un intero mondo che mi sono lasciato alle spalle. Un vantaggio di essere un immigrato in questo paese è che puoi costruire la tua comprensione di cosa sia “l’americanità” perché non è un tuo diritto di nascita. Puoi costruirlo, modellarlo e sfidarlo. In sostanza, Morrison e gli studi etnici sono stati i miei architetti e le mie fondamenta. Mi hanno insegnato tutto ciò di cui avevo bisogno per conoscere questo paese. Mi hanno insegnato qualcosa su me stesso. Questa mostra è un omaggio a questo.

Allo stesso tempo, ogni momento rivoluzionario dovrebbe avere una valutazione, per ricordare i momenti tranquilli che portano a eventi storici e per valutare cosa è utile e cosa scartare dei precedenti movimenti radicali. È un equilibrio tra questi impulsi gemelli.

Vista dell’installazione di Demian DinéYazhi, ​Senza titolo (Bibliografia femminista queer indigena radicale)​, 2016. Mural is a part of Dene bāhī Naabaahii mostra al Center for Contemporary Native Art, Portland Art Museum. Foto: Demian Diné Yazhi.

REY: La maggior parte degli artisti presenti nella mostra sono educatori e archivisti collaudati, con pratiche investite nella costruzione istituzionale e nella rottura, nonché nell’auto-riflessività. Descrivi perché hai scelto questi artisti, che traggono ispirazione dallo sciopero studentesco del San Francisco State College (SFSC) del 1968, e in che modo l’ambito della mostra accoglie uno spettro di spettatori che è multigenerazionale e intersezionale.

POLICARPIO: Gli artisti in questa mostra non solo hanno rigorose pratiche di studio, ma sono anche profondamente impegnati con l’educazione e la pedagogia. Si occupano sia dell’insegnamento che del disimparare. Ad esempio, insegni a Stanford e svolgi altri lavori formali e informali sia qui che in Corea del Sud. Dylan Minatore è professore e direttore di American Indian and Indigenous Studies presso la Michigan State University. Kameelah Janan Rashid è un ex insegnante di scuola superiore che continua a lavorare come sviluppatore di programmi di studio per le scuole pubbliche di New York City. Al di fuori del mondo accademico, con sede a Oakland Dignità Ribelleuna collaborazione tra gli artisti Melanie Cervantes e Jesus Barraza, e Demian Dine Yazhi’è collettivo, RISE: Sopravvivenza e responsabilizzazione indigena radicale, sono piattaforme critiche per visualizzare, organizzare e diffondere strategie ed estetica di sopravvivenza e resistenza attraverso l’arte, le pubblicazioni e la programmazione. Sadie Barnette e Patrizio Martinez estrarre il vernacolo visivo e storico delle loro città d’origine, Oakland e Los Angeles, per trascrivere e illustrare la sua complessità, sfumatura e bellezza. Le opere d’arte in questa mostra ci sfidano con nuovi modi di vedere, comprendere e conoscere. Questa è educazione radicale.

Sadie Barnette, ​Senza titolo (Malcolm X parla)​, 2018. Stampa a pigmenti d’archivio e cristalli Swarovski. Per gentile concessione dell’artista e della Charlie James Gallery, Los Angeles.

REY: Ero eccitato dall’elenco degli artisti. Il tono della struttura del progetto adotta un approccio realista e pragmatico durante il primo mandato di Trump e un’ondata di cinquant’anniversari di sinistra. Come hai deciso di affrontare questa premessa e, cosa più importante, come infondi speranza a tutti i partecipanti, spettatori e lettori?

POLICARPIO: Inizialmente non pensavo all’amministrazione Trump. Per me, valutare significa pensare criticamente a ciò che ha reso questo particolare movimento una vittoria. Quali sono stati i punti critici? Per me, la risposta è solidarietà: l’unione di molteplici lotte intrecciate e interconnesse, l’intersezionalità e la disgregazione di sistemi e istituzioni. Come sai, questo lotta è venuto fuori e dopo il movimento per i diritti civili, le proteste nonviolente e la disobbedienza civile di quel movimento con la radicalità e l’urgenza delle Black Panthers, che hanno avuto origine a Oakland nel 1966. Si trattava di disgregazione attiva, anche della violenza come tattica e strategia. Nel rivisitare questo vittoria del 1968 e del ’69, voglio che pensiamo a come un attivismo progressista, collettivo e dirompente possa esserci utile oggi. La mostra presenta un elenco di artisti nati dopo il 1969, che sono tutti molto allineati con l’ethos del movimento, ma che lottano anche con e sfidano la sua eredità, i suoi limiti e il suo futuro.

REY: Il tuo libro precedente, Tessili delle Filippine, ha un pubblico globale ed è nella collezione della Thomas J. Watson Library al Metropolitan Museum of Art. Il Vittoria della lotta di solidarietà la pubblicazione è fondamentale per la tua pratica più ampia. Alcune comunità a volte vedono la letteratura come avente un lignaggio più forte e più rintracciabile che in realtà forti lignaggi dell’arte contemporanea / visiva, come nella storia dell’America asiatica. Collochi questa sensibilità in molteplici forme nel quadro espositivo. Come stai vivendo questa esperienza, lavorando con tanti autori per realizzare un libro che vada di pari passo con la provocazione della mostra?

POLICARPIO: Volevo realizzare una pubblicazione che potesse reggersi da sola. Non volevo solo riprodurre la mostra e mostrare opere d’arte ed elencare gli artisti. Volevo un progetto parallelo premuroso. Questo mi ha portato a collaborare con Vivian Sming, di Sming Sming Books. Ho anche lavorato con il Labor Archives and Research Center, presso la J. Paul Leonard Library della San Francisco State University (SFSU), per includere immagini e volantini dell’epoca per sottolineare la giovinezza degli scioperanti. Erano così giovani! Essere uno studente in quel momento significava davvero combattere la buona battaglia. Voglio che la pubblicazione si collochi in questo contesto, che non è visibile nelle gallerie.

Volevo anche un testo multivocale. Sono entusiasta di ricevere contributi da Tongo Eisen-Martinl’acclamato poeta ed educatore di San Francisco, e Amy Sueyoshi, l’attuale decano del College of Ethnic Studies della SFSU, che fornirà una panoramica storica della necessità degli studi etnici, cinquant’anni fa, e delle sue preoccupazioni contemporanee. Che aspetto ha un college di studi etnici oggi o in futuro? I libri sono qualcosa con cui convivo; mi aprono mondi.

Biblioteca americana Pilipinx all’Asian Art Museum, 2018. Foto: Anthony Bongco.

REY: A proposito di pubblicazioni, la tua ampia Biblioteca americana Pilipinx (PAL) è un progetto migratorio e mutevole. Il suo tratto più sorprendente è che spinge la legittimità di molteplici lignaggi e generi letterari mentre accoglie una gamma divergente di pubblico. Il suo slancio ti ha persino permesso di scrivere per la rivista di bordo di Philippine Airlines e di lavorare al fianco di numerosi scrittori, come Elaine Castillo, autrice del romanzo acclamato dalla critica, L’America non è nel cuore. Come si è evoluto il PAL?

POLICARPIO: PAL è la mia collaborazione con un amico, Emmy Cattedrale. È nato da numerosi pasti, passeggiate e conversazioni, di solito mentre andavamo alle riunioni di Decolonize This Place, quando aveva sede presso Artists Space nel 2016. All’epoca vivevamo entrambi nel Queens; Emmy è ancora a Jackson Heights. C’era così tanta dissonanza tra il luogo in cui vivevamo – questa comunità polisillabica e multilingue che è uno dei luoghi più diversi di New York City, se non del mondo – e una retorica così xenofoba e anti-immigrati; è stato così stridente per noi.

Uno dei modi in cui siamo in grado di affermare la nostra presenza e la nostra storia [in this country] è attraverso i libri e la letteratura. Siamo rimasti sorpresi nel sentire persone all’interno di un circolo artistico istruito dire: “Non ho mai letto prima il lavoro di un autore filippino”. È stato scioccante per me, venendo da San Francisco, quindi Emmi e ho messo insieme le nostre raccolte di libri per creare PAL. Da allora siamo stati in mostre e residenze, a La metropolitana di Wendy a Brooklyn e il Museo d’arte asiatica a San Francisco, con rigorose componenti di programmazione pubblica. All’Asian Art Museum, le nostre parole guida, “Abbiamo sognato un luogo dove riunirci,” proveniva dal poeta, storico orale, attivista dell’International Hotel e nativo di San Francisco Al Robles (1930–2009). Con la San Francisco Public Library and Public Knowledge, un progetto del San Francisco Museum of Modern Art, abbiamo ospitato letture di Castillo, Janice Sapigao, Melissa Sipin, Malaka Gharib, Grace Talusan e, più recentemente, Gina Apostol. Con PAL, vogliamo amplificare queste voci e portarle a un pubblico il più vasto possibile. Siamo interessati a creare sfumature per contrastare la cancellazione storica e l’invisibilità: siamo qui. Siamo stati qui.

Vista dell’installazione di Biblioteca americana PilipinxMuseo d’Arte Asiatica, 2018. Al Robles, Rappin’ ​con diecimila Carabao nell’oscurità: poesie1996. Pubblicazioni Kearny Street Workshop: ​Senza nomi,​ (1985), Luogo d’inverno(1989), ​Ottobre Luce (1987). Foto: Anthony Bongco.

REY: Rendi pubblico così tanto del tuo lavoro, ma su cosa vorresti approfondire, aspetti del lavoro che gli spettatori potrebbero non vedere così tanto ma che hanno uguale importanza?

POLICARPIO: La mia pratica è una confluenza di condivisione, condivisione eccessiva e parentela intenzionale. Mi sento così fortunato non solo a conversare, ma anche ad avere legami sinceri con artisti, studiosi, curatori, scrittori e organizzatori che ammiro e rispetto. Queste relazioni si manifestano come tutoraggio, collaborazioni e amicizie, sostenute ugualmente durante pasti o caffè o interurbane, tramite messaggi diretti o e-mail di Instagram. Parte del nutrimento delle relazioni è fornire un feedback critico, inclusi consigli sulla moda, e allo stesso modo citare e pubblicizzare il loro lavoro; siamo esperti in entrambi. Queste amicizie, soprattutto in questo campo, possono essere rivoluzionarie e dovrebbero essere celebrate.

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