Ponti

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Arte e cultura, incluse tutte le produzioni artistiche, dalla musica, al cinema, alla letteratura rappresentano un potente “soft power” che contribuiscono a migliorare l’immagine di un Paese. La storia del coinvolgimento degli artisti negli Affari Esteri vanno dall’antica pratica del dono all’istituzione del programma Arts in Embassies (AIE) durante la Guerra Fredda istituito dal Dipartimento di Stato americano per creare un dialogo interculturale vitale e promuovere la comprensione reciproca attraverso le arti visive e gli scambi dinamici di artisti. Molte nazioni sostengono le istituzioni museali, favoriscono la nascita di musei per promuovere idee e valori culturali, ma anche per ottenere un’immagine più tollerante e globale o per perseguire interessi geopolitici strategici: un esempio eccellente è il Louvre di Abu Dhabi.
Il potere diplomatico dell’arte è poi insito nelle grandi manifestazioni internazionali, come le Biennali, in primis a Venezia con i diversi padiglioni degli stati esteri, mentre più recentemente l’istituzione nelle aree periferiche dell’arte, spesso precedentemente colonizzate.
E a proposito del ruolo delle Biennali e del soft power dell’arte il Museo delle Civiltà di Roma , sotto la direzione di Andrea Viliani, ha recentemente riproposto il progetto «Villa Lituania» degli artisti Nomeda & Gediminas Urbonas, a cura di Matteo Lucchetti. Tornato in Italia 16 anni dopo aver rappresentato la Lituania alla 52ª Biennale di Venezia nel 2007, vincendo la Menzione d’Onore della Giuria, «Villa Lituania» viene presentato in occasione dei quarant’anni dalla morte di Stasys Lozoraitis Sr., diplomatico residente presso la Villa dal 1939 al 1940.

Il progetto Villa Lituania

Il duo Nomeda & Gediminas Urbonas, artisti ricercatori con mostre in importanti istituzioni di base negli Stati Uniti, hanno narrato una complessa storia diplomatica da una prospettiva artistica, procedendo alla ricerca della verità storica attraverso il recupero di filmati di archivio inediti e intervistando alcuni testimoni, ma anche immaginando azioni che cerchino forme di riparazione dei rapporti tra i due Paesi. Tra queste l’azione portante di tutto il progetto attinge alla tradizione dei piccioni viaggiatori, utilizzati già 3000 anni fa da Egizi e Persiani ma impiegati anche durante i due conflitti mondiali del XX secolo per eludere i sabotaggi delle telecomunicazioni. Nel 2007 gli artisti propongono che il giardino del Consolato russo ospiti una colombaia che riceva i volatili portatori di un segno di pace provenienti dal Padiglione lituano a Venezia. Il progetto non è mai stato realizzato e i due artisti sceglieranno, d’accordo con i molti addestratori con cui sono entrati in contatto in Italia, Lituania e Polonia, di liberare simbolicamente circa mille colombi il giorno dell’apertura del Padiglione lituano a Venezia, che faranno poi ritorno ai loro luoghi d’origine nel mese successivo.

Il significato curatoriale

<Gli artisti Gediminas Urbonas – spiega Matteo Lucchetti – hanno trasformato una storia molto dolorosa per molti lituani, ovvero l’occupazione dell’ambasciata e contestualmente vedere calpestati i propri diritti. È un progetto che permette di tornare a raccontare tantissime storie che ci siamo dimenticati, non solo da un punto di vista politico, legate anche all’arte e alla cultura come alternativa diplomatica. È il senso con il quale stiamo reinterpretando il Museo delle Civiltà di Roma sotto la direzione di Andrea Villani da ormai quasi due anni. Stiamo immaginando – prosegue il curatore – il riallestimento delle collezioni nazionali che riguardano l’etnografia, la preistoria, il colonialismo: materiali di tutti quei diversi musei che sono confluiti nel tempo in un maxi contenitore all’Eur, parte della storia che abbiamo deciso di non mettere più in primo piano>. <Se però vogliamo capire il presente e interpretarlo in maniera più plurale – sottolinea Lucchetti – dobbiamo assolutamente riprendere e ispirarci a quei fantasmi finora dimenticati o nascosti. Dobbiamo immaginare un dialogo tra le culture contemporanee e il patrimonio, talvolta difficile perché frutto di colonizzazione, di queste collezioni museali al fine di raggiungere nuove sintesi e nuove forme di riparazione. Questa è un’attività diplomatica: riparare i rapporti tra Paesi, la rilettura delle tensioni passate e della loro difficile eredità può essere un gesto di diplomazia: così il museo diventa una sorta di istituto per la diplomazia culturale>.

Arte e diplomazia: la restituzione

Di recente nelle collezioni del Museo delle Civiltà sono entrate opere acquistate con fondi Pac della Direzione Generale Creatività Contemporanea, di cui sono già state vinte due edizioni: Pac 2022-23 con risorse per 146mila euro e Pac 2021 per altri 199mila euro. Con il progetto «Metodologia contemporanea: cambiare linguaggio e riscrivere storie» è entrata l’opera del video artista italo-etiope Theo Eshetu «Il ritorno della stele di Axum» che narra tutta la storia della restituzione dell’Italia della stele di Axum all’Etiopia. «Una storia che in un’epoca di grande dibattito sulle restituzioni non viene ricordata spesso, eppure rappresenta un gesto molto importante, letteralmente monumentale, dell’Italia nei confronti dell’Etiopia» afferma Lucchetti. Nel video l’artista ha ripreso tutte le operazioni, dal disallestimento della stele, al trasporto, all’installazione ad Axum, fino alla celebrazione dell’evento. <L’arte così racconta un’operazione positiva accaduta in tempi recenti che scrive un processo di riparazione culturale portato avanti dall’Italia, nonostante tutte le peripezie e le polemiche scaturite dall’operazione. Una storia che deve essere di ispirazione, ma anche un modo per ricordare le orribili vicende coloniali italiane di cui si ha ancora troppa poca coscienza collettiva> conclude Matteo Lucchetti.

Mondo – “È come se la realtà fosse sempre dietro una tenda che scosti… Ce n’è sempre un’altra… e un’altra ancora. Ma ho l’impressione, o forse è un’illusione, di fare ogni giorno qualche progresso. Questo è ciò che mi spinge ad agire, come se dovessi riuscire davvero a comprendere il nocciolo della vita”. Così Alberto Giacometti ha descritto la tensione tra immagine e realtà che percorre tutta la sua opera, al centro di una grande mostra che aprirà i battenti a Copenaghen sabato 10 febbraio. A raccontarla nelle sale dell’SMK, la Galleria Nazionale di Danimarca, saranno 90 capolavori del celebre maestro svizzero, in un progetto creato in collaborazione con la Fondation Giacometti di Parigi: un viaggio lungo l’intera carriera dell’artista, tra disegni, dipinti e, naturalmente, iconiche sculture, dove le opere più note dialogheranno con lavori raramente esposti al pubblico. 

Alberto Giacometti. The Nose. 1947. Plaster, painted metal and corde de coton, 82.5 x 37 x 71 cm. Fondation Giacometti © Succession Alberto Giacometti / Adagp, Paris, 2024

A sentir lui, Giacometti non era capace nemmeno di “copiare una testa”. Eppure, già negli anni Cinquanta era tra gli artisti più famosi al mondo. Le sue figure alte e allampanate, dalle superfici grezze, quasi organiche, hanno conquistato spettatori, critici e collezionisti disposti a spendere fortune. Fino al 2015, quando l’Homme au Doigt fu battuto all’asta per 141 milioni di dollari, diventando la scultura più costosa di sempre. 

Alberto Giacometti. Black Annette. 1962. Oil on canvas, 55 x 45.8 cm. Fondation Giacometti © Succession Alberto Giacometti / Adagp, Paris, 2024

Incurante del successo, il maestro continuò per tutta la vita a lottare per catturare il mondo così come lo vedeva, senza mai trovare pace: perennemente insoddisfatto, faceva e disfaceva, creando per ogni opera innumerevoli bozze e versioni. Fino al 27 maggio Alberto Giacometti. What Meets the Eye esplorerà a fondo la sua spasmodica ricerca, mostrando come questa ossessione per la percezione visiva abbia portato alla nascita di un linguaggio unico e straordinariamente riconoscibile. 

Alberto Giacometti. The Forest. 1950. Bronze, 57 x 61 x 49.5 cm. Fondation Giacometti © Succession Alberto Giacometti / Adagp, Paris, 2024

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Nella Sala Spadolini del Ministero della Cultura, martedì 6 febbraio, è iniziato il percorso partecipato di scrittura dei decreti attuativi riguardanti le Imprese Culturali e Creative previsti negli articoli 25, 26, 27, 29 e 30 della legge 27 dicembre 2023, n. 2006 meglio conosciuta come legge per il Made in Italy. La riunione di coordinamento tra partner istituzionali e operatori dell’industria culturale e creativa è stata presenziata dal Sottosegretario alla cultura Lucia Borgonzoni che ha sottolineato come: “Le prossime settimane saranno cruciali per l’applicazione del provvedimento, in quanto con la scrittura dei decreti, si entrerà nel dettaglio dell’articolazione dei nuovi strumenti introdotti dalla normativa, al fine di renderli quanto più efficaci possibile”.
Dopo gli interventi introduttivi dei rappresentanti istituzionali del Ministero della Cultura, del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale, del Ministero delle Imprese e del Made in Italy e della Conferenza delle Regioni e delle Province autonome, la parola è passata ai rappresentanti di categoria delle Imprese Culturali e Creative che per più di due ore hanno fatto le loro proposte utili alla stesura dei decreti.

Le proposte

Tutti gli operatori sono stati d’accordo nel ribadire che il fondo di 3 milioni di euro annui e per dieci anni messo a disposizione dalla legge sia insufficiente e che il comparto delle imprese culturali e creative necessiti di maggiori risorse. Difatti, se si dividesse il fondo annuo tra Regione e province autonome l’ammontare sarebbe poco più di 140mila euro per ente. Una goccia nel mare. Numerose le proposte fatte e tra queste alcune già note, ad esempio è stato richiesto l’estensione dell’Art Bonus alle imprese culturali e creative e la riduzione del periodo di riparto del credito di imposta da tre quote annuali a due annualità. Oltre a sostegni fiscali si vorrebbero incentivi per l’accesso al credito bancario. È stata richiesta anche la differenziazione della qualifica di imprese culturali da quelle creative, in quanto spesso le seconde sono clienti delle prime e se ne servono per realizzare prodotti e servizi. La differenziazione di qualifica sarebbe funzionale a una diversa ripartizione delle risorse. È stata richiesta anche una diversa specificazione tra imprese, enti del terzo settore e liberi professionisti e di inserire nell’albo delle imprese culturali e creative anche le botteghe storiche, gli archivi storici e le fiere di settore come, ad esempio, le manifestazioni dedicate alla moda. Si richiede anche di incentivare le filiere trasversali comprendenti il libro e il teatro o il cinema, di favorire la contaminazione tra settori e di incentivare le filiere verticali per le attività di formazione delle competenze, di produzione creativa e di commercializzazione dei prodotti e servizi.

Interessante è stata la proposta di utilizzo degli immobili pubblici dismessi in favore del Terzo settore, nell’ottica di rigenerazione urbana degli spazi abbandonati. È stata sollevata la problematica di coordinamento tra diversi albi, l’albo delle imprese culturali e creative del MiC, delle Camere di Commercio e gli albi delle imprese artigiane. Il settore della moda necessita di rafforzare la formazione al fine di favorire il ricambio generazionale, mentre il settore dei videogiochi invoca una maggiore tutela della proprietà intellettuale, le sale cinematografiche chiedono incentivi per un uso diverso degli spazi; non solo cinema, ma anche per eventi enogastronomici o editoriali.

In molti hanno chiesto azioni di capacity building, un maggiore rafforzamento dell’immagine delle imprese italiane all’estero e attività sinergiche per creare un ecosistema più strutturato. Si vorrebbero potenziare le aziende con marchi storici con più 50 anni di attività e supportare le produzioni musicali e audiovisive indipendenti, sempre più alla mercè delle piattaforme multinazionali che creano un imbuto alla distribuzione dei contenuti.

Il settore musicale ha chiesto di essere equiparato al cinema e di avere un’estensione del tax credit. Per quanto riguarda le gallerie d’arte, gli artisti e le fondazioni artistiche si richiede l’abbassamento dell’Iva al 5,5% nelle transazioni di acquisto di opere d’arte per le gallerie, gli artisti e i musei e maggiori incentivi per potenziare le competenze di settore. Inoltre, si vorrebbe intervenire sugli statuti dei musei italiani per incentivare le mostre di artisti italiani e l’acquisizione di opere, sempre con Iva agevolata.

Roma – Appena entrati nel giardino di Villa Caffarelli l’impressione, incrociando la fissità ieratica del suo sguardo, nella differenza di scala impressionante tra noi, visitatori piccolissimi, e la sorprendente stazza di tredici metri, è quella di essere sopraffatti da un gigante.
Tale doveva essere la sensazione che i sudditi di Roma avvertivano al cospetto della statua originale dell’imperatore Costantino, uno degli esempi più significativi della scultura romana tardo-antica, risalente al IV secolo d.C.
Quella che a partire dal 7 febbraio romani e non potranno ammirare gratuitamente nel giardino di Villa Caffarelli, adiacente ai Musei capitolini, è la straordinaria ricostruzione in scala 1:1 di questo Colosso riscoperto nel XV secolo presso la Basilica di Massenzio e del quale rimangono oggi la testa, il braccio destro, il polso, la mano destra, il ginocchio, lo stinco, il piede destro e quello sinistro, frammenti in marmo conservati nel cortile di Palazzo dei Conservatori.

Questa straordinaria ricostruzione rimarrà nel giardino di Villa Caffarelli almeno fino a tutto il 2025 per poi essere trasferita, con tutta probabilità, al Museo della civiltà romana che verrà riaperto.
Risultato della collaborazione tra la Sovrintendenza Capitolina, Fondazione Prada e Factum Foundation for Digital Technology in Preservation, con la supervisione scientifica di Claudio Parisi Presicce, sovrintendente capitolino ai Beni Culturali, la replica del monumento era già stata presentata per la prima volta a Milano dal 17 novembre 2022 al 27 febbraio 2023, in occasione della mostra Recycling Beauty a cura di Salvatore Settis e Anna Anguissola con Denise La Monica.

Factum Foundation all’opera nella ricostruzione del Colosso di Costantino, 2022 | Foto: © Oak Taylor-Smith Factum Foundation

“Il Colosso può essere in effetti visto come un esempio di riuso, potremmo dire di Recycling Beauty” ha spiegato Settis. E infatti è il risultato del riadattamento di una statua più antica. Secondo una recente ipotesi sarebbe stata la statua di culto di Giove Ottimo Massimo, collocata all’interno del tempio a lui dedicato sul Campidoglio, il più importante della romanità, a fungere da modello per la realizzazione del Colosso. La scultura è un acrolito, con le parti nude realizzate in marmo, montate su una struttura portante rivestita da panneggi in bronzo dorato o in preziosi marmi colorati. Il dio, seduto in trono, è avvolto in un mantello che lascia scoperti il torso, le braccia e il ginocchio.
Motivo iconografico di tradizione omerica associato quasi esclusivamente all’immagine di Giove, e successivamente degli imperatori, il ginocchio nudo scoperto richiama la massima devozione rivolta a un essere divino, invocando la richiesta di supplica.

Dopo la vittoria su Massenzio nella battaglia di Ponte Milvio del 312 d.C., Costantino diventa il padrone assoluto della parte occidentale dell’impero e di Roma. E la realizzazione del Colosso, una delle manifestazioni più impressionanti dell’arte costantiniana, risalirebbe proprio a questi anni iniziali del suo regno. La celebrazione dell’imperatore avviene dunque attraverso il reimpiego di una statua colossale già esistente attraverso la quale l’imperatore stesso si mostra come comes (compagno) degli dèi, identificando come divina la natura stessa del suo potere.

La ricostruzione della statua colossale di Costantino nei giardini di Villa Caffarelli | Courtesy Zetema

“La ricostruzione del Colosso che oggi presentiamo – ha commentato Claudio Parisi Presicce – è un risultato che parte da lontano, frutto di un lungo studio dei frammenti appartenenti alla scultura. Questa statua aiuta adesso a leggere i frammenti singoli”.

I nove frammenti in marmo pario, attualmente conservati presso i Musei capitolini, sono stati rinvenuti nel 1486 all’interno dell’abside di un edificio che solo agli inizi dell’Ottocento sarà correttamente identificato con la Basilica di Massenzio lungo la Via Sacra. Si pensava che appartenessero a una statua dell’imperatore Commodo e, data la loro eccezionale importanza, furono allestiti nel Palazzo dei Conservatori durante i lavori di ristrutturazione. Solo alla fine dell’Ottocento i frammenti sono stati identificati come ritratto colossale dell’imperatore. Un decimo frammento, parte del torace, rinvenuto nel 1951, giunge dai magazzini del Parco Archeologico del Colosseo nel cortile del Palazzo dei Conservatori.

Le prove per la resa del marmo pario sui facsimili dei frammenti | Foto: © Oak Taylor-Smith Factum Foundation

Veniamo ora al perché della collocazione della gigantesca ricostruzione del Colosso di Costantino all’interno del Giardino di Villa Caffarelli. I giardini insistono in parte sull’area occupata dal Tempio di Giove Ottimo Massimo, che un tempo ospitava la statua di Giove, la stessa probabilmente dalla quale il Colosso fu ricavato.

A fine marzo 2022 un team della Factum Foundation trascorse tre giorni nel cortile dei Capitolini per scansionare i frammenti presenti con la tecnica della fotogrammetria. Ciascuno di questo è stato modellato in 3D e posizionato sul corpo digitale della statua creata utilizzando come esempio iconografico altre sculture di culto di età imperiale in pose simili. L’operazione di ricostruzione realizzata da Factum ha tenuto conto del tipo di marmo delle parti originali, dei restauri e delle aggiunte, dei dettagli del panneggio mancante e dell’aspetto del bronzo dorato di cui era composto. Solo dopo aver ultimato il modello 3D ad altissima risoluzione si è proceduto con la ricostruzione materiale del Colosso.

La ricostruzione della statua colossale di Costantino nei giardini di Villa Caffarelli | Courtesy Zetema

Per restituire l’effetto del marmo e del bronzo sono stati scelti resina e poliuretano, insieme a polvere di marmo, foglia d’oro e gesso, mentre per la struttura interna (originariamente forse composta di mattoni, legno e barre di metallo) è stato adoperato un supporto in alluminio. Osservando il Colosso nel suo complesso ci si accorge delle “ricuciture” tra le parti rimaterializzate e le copie dei frammenti originali presenti nel cortile di Palazzo dei Conservatori.

“La seconda versione del Colosso – anticipa Adam Lowe, della Factum Foundation for Digital Technology in Preservation – sarà mostrata in Inghilterra, proprio dove Costantino faceva la guardia lungo il Vallo di Adriano prima di diventare imperatore”.
Intanto la prima è tornata a casa e veglierà a lungo su Roma.

Rai 5 rende omaggio ad Antonio Paolucci
Nel giorno della scomparsa dello studioso che ha dedicato la sua vita alla tutela, alla promozione e alla valorizzazione del patrimonio artistico e culturale italiano, Rai 5 ricorda Antonio Paolucci, tra i massimi storici dell’arte, ex ministro dei Beni culturali, ax sovrintendente del Polo museale fiorentino e già direttore dei Musei Vaticani.
Dal 5 al 9 febbraio alle 19.45 andrà in onda Museo Italia, un viaggio attraverso i luoghi più significativi del belpaese.
Il racconto, che vuole essere un invito, attraverso una selezione minima di capolavori, a cercare la bellezza nascosta talvolta a pochi metri dalle nostre case, inizia con i Capitolini di Roma, primo museo pubblico istituito per donazione sovrana quando papa Sisto IV della Rovere consegnò al popolo romano la “lupa”, “spinario”, ‘l “Ercole dorato”, emblemi della sua storia.
Il pubblico farà una sosta a Firenze, agli Uffizi, la galleria pubblica che ha dato il nome alle grandi collezioni statali del mondo, da Parigi a Washington, da Londra a San Pietroburgo. Il museo esce dai suoi confini istituzionali per guadagnare le piazze e le strade, i centri storici. Per rendere l’idea, tipicamente italiana, del “museo diffuso”, il viaggio farà tappa a Empoli, la cittadina toscana famosa per la sua cattedrale romanica, e nella Orvieto del celebre Duomo, degli affreschi di Luca Signorelli, delle collezioni etrusche.
Il percorso nell’Italia storica sulle tracce di Piero della Francesca proseguirà da Borgo San Sepolcro a Monterchi, quindi a Urbino, dentro la reggia di Federico da Montefeltro.

Su Sky Arte Segantini e i protagonisti dell’Arte povera

La settimana in tv dedicata alla bellezza comincia da Napoli. La stagione di Sette meraviglie, che accompagna il pubblico da casa, attraverso i secoli, nei luoghi più straordinari della città partenopea, invita alla scoperta di Castel Nuovo. Oggi, lunedì 5 febbraio alle 13, in compagnia di Mimmo Borrelli, entreremo all’interno dello storico castello medievale e rinascimentale, più comunemente noto come Maschio Angioino, uno dei simboli della città.
La Napoli medievale è un contesto in grande fermento. In questo periodo calcano il palcoscenico della città maestri come Giotto, Giovanni Boccaccio, Petrarca e Tommaso D’Aquino. Nella seconda metà del Duecento i francesi d’Angiò conquistano la città per farne una capitale del Mediterraneo. Castel Nuovo diventa così il simbolo del nuovo potere assieme ad altre chiese e opere d’arte legate agli influssi del gotico internazionale.
Il lunedì di Sky Arte prosegue attraverso un’indagine sull’eredità di un artista che, con il suo stile provocatorio, ha rivoluzionato per sempre il mondo della fotografia. A ripercorrerne le innovazioni sarà Helmut Newton – The Bad And The Beautiful, il documentario diretto nel 2020 dal regista Gero von Boehm, in onda su Sky Arte.

Dalla fotografia il viaggio attraverso il piccolo schermo prosegue sulla tela dell’eccentrico, solitario Giovanni Segantini, in perenne oscillazione tra divisionismo e simbolismo. A questa voce, tra le più autentiche nel panorama pittorico dell’Ottocento europeo, Sky Arte dedica il docu-film diretto da Francesco Fei, intitolato Segantini – Ritorno alla natura. La breve e intensa parabola artistica e umana del pittore, nato ad Arco di Trento nel 1858 e morto a soli 41 anni, si racconta grazie a Filippo Timi (voce e volto di Segantini in alcune ricostruzioni storiche realizzate ad hoc) e con i contributi di Gioconda Segantini, Annie-Paule Quinsac, Franco Marrocco e Romano Turrini.

Giovanni Segantini, Le due madri, 1889, Milano, GAM (Galleria d’Arte Moderna)

Nato poverissimo, orfano a cinque anni, analfabeta, rinchiuso in un riformatorio a dieci, apolide per tutta la vita, Segantini affidò alla natura un ruolo importante, come ricordano opere come La Ragazza che fa la calza, esposta alla Kunsthaus di Zurigo, e Le due madri, L’amore alla fonte della vita e L’Angelo della Vita custodite alla Galleria d’Arte Moderna di Milano. Dall’energia della natura, dal messaggio classico ed estremamente contemporaneo di Segantini, Sky Arte ci guida verso il palcoscenico dell’Arte povera. Sabato 10 febbraio alle 17 una produzione Sky Original, intitolata Arte Povera – Appunti per la storia, invita a compiere un viaggio alla scoperta dei protagonisti del movimento sovversivo che ha fortemente influenzato lo sviluppo dell’arte contemporanea.
È il 23 novembre 1967 quando un giovane Germano Celant pubblica sulla rivista Flash art il manifesto “Arte Povera, appunti per una guerriglia”, criticando il processo consumistico che ha reso l’artista un mero produttore di oggetti. Celant chiama così a raccolta gli artisti che prediligono il processo al prodotto, adoperando materiali prima esclusi dal processo artistico e puntando all’essenzialità. Il documentario ripercorre la nascita del movimento attraverso il racconto di artisti, galleristi e critici, da Giulio Paolini a Giuseppe Penone, da Michelangelo Pistoletto a Giorgio Colombo. Particolarmente significativa sarà la conversazione con Germano Celant realizzata durante l’allestimento della retrospettiva di Jannis Kounellis del 2019 presso la Fondazione Prada a Cà Corner a Venezia.

Edvard Munch, Stormy Landscape, 1902–03, Olio su tela, 95 x 74 cm, Collezione privata I Courtesy Museum Barberini Potsdam

Su Arte tv un viaggio tra musica e pittura
In una delle sale del Museo Barberini di Potsdam, la giovane cantante islandese Laufey si esibisce circondata da capolavori di Monet, Munch e Signac. La si potrà seguire in questo suo viaggio che unisce musica e pittura grazie a Laufey: Sounds like Art, in onda su Arte tv.