Ponti

“Il capolavoro rubato. Immagini come Time MachineS” compie un viaggio digressivo attraverso la storia dell’arte dal XV secolo ai giorni nostri, come testimoniano le collezioni d’arte dell’Accademia di Belle Arti. Nel processo, affronta le teorie della rappresentazione pittorica del XVII secolo, come quelle di Samuel van Hoogstraten, così come le considerazioni dell’odierna teoria dei media che sono una conseguenza della trasformazione tecnologica e come questa si è riflessa nella generazione delle immagini.

Il titolo della mostra deriva da una commistione del romanzo poliziesco di EA Poe La lettera rubata su una lettera rubata che passa inosservata in bella vista e la novella di Honoré de Balzac Il capolavoro sconosciuto (Le Chef-d’oeuvre inconnu), che esplora l’immaginazione e i limiti della rappresentabilità: “Lo scopo dell’arte non è copiare la natura, ma esprimerla!” proclama nella novella il vecchio maestro Frenhofer. Inoltre, la novella presenta figure come Peter Paul Rubens, Nicolas Poussin e François Porbus, tutti rappresentati nella collezione della Galleria dei dipinti. Le questioni di rappresentazione, appropriazione, mimesi e inganno (ottico) giocano un ruolo in entrambe le narrazioni, sebbene in termini opposti, insieme alla questione di come definire la “padronanza” quando si tratta di afferrare la realtà.

Oltre a questi temi, le sale successive della mostra mettono in scena la metafora del paesaggio marino e la sua rappresentazione politico-territoriale: la nave e il mare. Il periodo al culmine delle concezioni auliche e borghesi della società, le implicazioni della proto-industrializzazione per i rapporti di classe e le condizioni di vita giocano qui un ruolo chiave insieme alle relative figure ambigue di esclusione e satire di status. Entrano in gioco i nudi e le raffigurazioni di Maria, così come i poli contrastanti della trascendenza dionisiaca e apollinea o gotica.

Tipologie, transizioni fluide e costituzioni soggettive sono esposte e messe in discussione su un palcoscenico ricco di correlazioni sorprendenti e giustapposizioni radicali in uno spirito di vedere l’arte attraverso il prisma di “somiglianze familiari” e corrispondenze o connessioni nonostante tutti i condizionamenti storici prodotti e stabiliti nei secoli. Allo stesso tempo, la mostra segna l’inizio di una serie di tentativi di utilizzare la presentazione museale per porre domande sui compiti di mediazione tra arte antica e nuova nei musei e per continuare un dibattito che va avanti da alcuni anni attorno ai concetti di il transistorico, il “metabolico” e il “museo radicale”.

Artisti partecipanti:
Albrecht Altdorfer, Philips Angel van Middelburg, Cornelis Bega, Johann Christian Friedrich, Wilhelm Beyer, Abraham van Beyeren, Quirin Boel, Hieronymus Bosch, Alessandro di Mariano Filipepi detto il Botticelli, Dieric Bouts, Jacques Callot, Daniel Chodowiecki, Joos van Cleve, Lucas Cranach il Vecchio, Albrecht Dürer, Anthony van Dyck, Antonio da Fabriano, Barent Fabritius, pittore fiorentino, Jan Fyt, Jan van Goyen, Hans Baldung Grien, Joris van der Haagen, Samuel van Hoogstraten, Jan van Huysum, Johann Kupetzky, Johann Baptist von Lampi il Giovane, Claude Gelée, detto Lorrain, Maestro delle Forelands Austriache, Maestro dell’Adorazione Von Groote, Maestro della Leggenda di Santa Caterina (Cerchio), Maestro dei Paesi Bassi, Martin van Meytens, Michael van Mierevelt, Jan Miense Molenaer , Monogrammist HP, Jacobea Maria van Nikkelen, Adriaen van Ostade, Rembrandt Harmensz. van Rijn, Peter Paul Rubens, Jacob van Ruisdael, Rachel Ruysch, Roelant Savery, Jacopo del Sellaio, Laurenz Spenning, attribuiti, Pierre Subleyras, David Teniers the Younger, Anna Dorothea Therbusch, Wigerus Vitringa, Simon de Vlieger, Cornelis van der Voort, attribuito a Rogier van der Weyden, Franz Zächerle, Reinier Nooms, detto Zeeman.
Martin Beck, Anna-Sophie Berger / Teak Ramos, Marcel Broodthaers, Lili Dujourie, VALIE EXPORT, Rodney Graham, Ulrike Grossarth, Albert Paris Gütersloh, Marcello Maloberti, Willem Oorebeek, Jeroen de Rijke / Willem de Rooij, Klaus Scherübel, Allan Sekula, Paul Sietsema, Laurence Sturla.

in A…kademie der bildenden Künste Wien Kunstsammlungen, Vienna
fino al 29 gennaio 2023

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Pierre-Auguste Renoir, The blonde baigneuse, 1882. Turin, Giovanni and Marella Agnelli Art Gallery

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La mostra “Je suis la chaise” – che prende in prestito il titolo dell’omonima mostra di Michael Krebber alla Galerie Chantal Crousel nel 2007 – esplora i diversi simboli e le diverse interpretazioni date a questo oggetto generico e di uso quotidiano. La sedia è qui vista da vari artisti come una forma da decostruire o ricostruire, come un’estensione del corpo umano o addirittura come un’allegoria sociale.
La sedia ha sin dalla sua origine nell’antico Egitto la funzione principale di simboleggiare il rango e il potere del suo occupante e proprietario. Questa origine simbolica è contenuta nell’etimologia stessa della parola francese risalente al XIII secolo:chaiere— che significa sedia, sedile, trono. Una sedia è un oggetto incarnato: vuoto segna l’assenza, ma quando viene utilizzato diventa un tutt’uno con il corpo che sostiene. È anche un invito alla quiete, alla riflessione individuale o collettiva, come una pausa nel tempo. Questa mostra si propone di mettere in discussione la forma, la funzione, nonché il simbolismo della sedia, invitandoci a riconsiderarla grazie all’interpretazione spesso irriverente o altamente simbolica degli artisti.

Artisti partecipanti:
Allora & Calzadilla
Abramo Cruzvillegas
BENEDIRE
David Doard
Francesco di Goya
Wade Guyton
Mona Hatum
Thomas Hirschhorn
Klara Liden
René Magritte
Jean-Luc Moulene
Ken Okiishi
Rick Owens & Michèle Lamy
Hamish Perach
Anri Sala
Wolfgang Tillmans
Rirkrit Tiravanja
Oscar Tuazón
Heimo Zobernig

in Galerie Chantal Crousel, Parigi
fino al 4 febbraio 2023

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Lucian Freud, Large Interior, W9, 1973, Oil on canvas, 91 x 91.4 cm, The Devonshire Collections, Chatsworth. © The Lucian Freud Archive. All Rights Reserved 2022 / Bridgeman Images

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Il lavoro di Aiello attinge da film, libri, database online e oggetti trovati per formare un repertorio audiovisivo profondamente personale, intimo e alienante allo stesso tempo. Costruisce narrazioni esplorando le ambiguità fondamentali – sia il comfort che l’oppressione – delle strutture sociali e reali, e gli effetti di queste strutture sull’esperienza e sulla soggettività.
“Traffic” pone Aiello come una testimone acuta, una voyeur e persino un’intrusa, sovrapponendo, doppiando e filtrando deliberatamente materiale trovato attraverso il suo sguardo, il suo corpo e la sua mente, dissolvendo i confini: tra soggetto e oggetto di osservazione, tra l’artista e le posizioni dello spettatore. “Traffico”, tuttavia, supera di gran lunga l’universo personale di Aiello, poiché le scene, le immagini oi testi effimeri e banali vengono estratti per il loro valore all’interno di un tessuto socio-economico più ampio. Partendo da narrazioni e luoghi apparentemente disparati, eppure intrecciati, l’installazione porta alla luce meccanismi di traduzione e circolazione che sono il risultato di compressioni linguistiche, spazio-temporali, oltre che materiche.
Un elemento centrale dell’installazione è Distinti saluti (2022), un video che mostra filmati accidentali da un angolo a Reinickendorf, Berlino. Con la fotocamera del suo telefono, Aiello ha catturato il traffico che si verificava all’incrocio visibile dal suo appartamento. Oltre ai suoni della strada, l’artista ha soprannominato il suono dei propri passi. Sul pavimento del suo studio, Aiello ha ricostruito con cura e in modo imperfetto l’andatura e il ritmo del camminare di ogni persona, eseguendo la sua versione casalinga di una colonna sonora foley, una comune tecnica di post-produzione cinematografica, la cui necessità è aumentata con l’aumento della diffusione internazionale di Hollywood film, poiché le tracce vocali sovraincise in più lingue hanno comportato la conseguente perdita di alcuni effetti sonori originali. Il video è in dialogo con l’intervento architettonico che suddivide lo spazio espositivo in quattro sezioni – sospeso sopra il suolo e lasciando aperta la parte inferiore e quindi visibili i piedi dei visitatori – l’opera incorpora la presenza e i movimenti degli spettatori nella sua funzione audiovisiva , esperienza spaziale. L’appiattimento della differenza e della distanza qui pone le basi per la coesistenza sonora e l’intreccio di molti ritmi.
In questa mostra, il traffico è implicito al di là del movimento delle persone e verso lo scambio di merci e informazioni trasmesse attraverso un sistema economico. L’effetto del capitalismo globalizzato sul linguaggio e sulla percezione permane in otto collage di Distinti saluti (caso (Feste) Kiste), Distinti saluti (Rimaniamo), Distinti saluti (per favore non farlo), Distinti saluti (Egregi Signori), Distinti saluti (entrambi nel panico), Distinti saluti (prodotti della concorrenza più economici), Distinti saluti (Caro Rolf) e Distinti saluti (Caro signor Handy), (2022). Sui separatori di cartelle trovati, Aiello ha sistemato ritagli di pagine di un obsoleto manuale della RDT per scrivere lettere commerciali in inglese. Le opere centrano le particolarità del linguaggio – una gamma di scambi, espressioni e tonalità – applicate a diverse occasioni e urgenze per gli uomini d’affari nella Repubblica Democratica Tedesca socialista (e quindi i testi esistono come ipotetici mediatori tra blocchi socio-economici e politici divergenti). Alcune delle lettere selezionate da Aiello si concentrano sul commercio di materiali cinematografici e ricordano la natura mutevole della materialità e dell’economia del film, qui ruotando attorno all’importazione di pellicole negative sonore ORWO Film in India. I collage emanano la natura dei testi come reliquie in un mondo completamente cambiato e accelerato.
Egregi Signori (2022) è una fotografia scattata da Aiello, sempre dal suo appartamento di Berlino, dalla stessa stanza da cui è stato ripreso il filmato dell’incrocio. Il suo aspetto voyeuristico, invadendo la privacy di un uomo non identificato e senza camicia, flirta sia con empatia che con dominio, e quindi intensifica un’attenzione inquieta che attraversa “Traffico”, a metà tra la cura, la rivendicazione e la testimonianza.

in Kevin Space, Vienna
fino al 28 gennaio 2023

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