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A young genius in twentieth-century Vienna. Egon Schiele at the center of a major exhibition in Tokyo – World

Posted on 6 Gennaio 2023 by tommaso

World – The rock star of the paintbrush in Vienna at the end of the century is ready to deliver to the country of the Rising Sun his unscrupulous art that has always been hand-in-hand with the scream of scandal.
From 26 January to 9 April Egon Schiele will be at the center of a major exhibition at the Tokyo Metropolitan Art Museum, which will present to the public a series of masterpieces on loan from the Leopold Museum in Vienna, an authentic Mecca of the art of the painter from Tulln, a treasure trove of the most complete collection in the world of works by illustrious protagonist of Austrian Expressionism: 43 paintings, over 200 watercolours, drawings and graphic works, photographs.

Egon Schiele, Self-portrait with alchechengi, 1912, Oil on canvas, 39.8 x 32.2 cm, Vienna, Leopold Museum

Egon Schiele from the collection of the Leopold Museum. Young genius in Vienna 1900, this is the title of the itinerary curated by Hans-Peter Wippinger, director of the Leopold Museum and Diethard Leopold, son and biographer of the museum’s founder, will welcome the first educational studies that the painter made as an adolescent alongside the famous self-portraits, presented as explorations of the identity of a young artist. A particular focus will also be on the unmistakable paintings, disturbing paintings populated by mothers with children, gnarled and erotic nudes, landscape scenes.
For the first time the Leopold Museum will present at the Tokyo Metropolitan Art Museum as well 40 Masterpieces by Schiele ready to dialogue with about seventy works created by eminent exponents of Jugendstil and Austrian Expressionism, from Gustav Klimt to Oskar Kokoschka, from Koloman Moser to Albin Egger-Lienz, from Richard Gerstl to Anton Kolig.

The exhibition will be an opportunity to admire important flagships of the Leopold Museum, an institution closely linked to the Viennese medical student, and later doctor of ophthalmology, Rudolf Leopold. The heart of this doctor, passionate about art collecting, beat mainly for the works of Schiele and those exponents of the fine applied arts who decisively shaped the pulsating cultural life in twentieth-century Vienna.
It was 1953 when the future Dr. Leopold decided to invest the money received from the family as a prize for the high school exam in a Schiele painting instead of a Volkswagen Beetle.
The purchase of The Hermits it was only the beginning of a long adventure. In about 50 years Leopold will put together the most important collection in the world dedicated to thechild terrible of the Secession.

Egon Schiele, Woman in Underclothes and Stockings (Wally Neuzil), Detail, 1913, Vienna, Leopold Museum

Rudolf’s passion for Schiele was rooted, not least, in the artist’s almost obsessive interest in contemplating his own existence, which he expressed as much in self-portraits as in urban and terrestrial landscapes. On the other hand, it is in the eccentric gestures and facial expressions of his characters that Schiele has translated the urgency of ruthless explorations of the body by postulating self-reflection as a connection between corporeity and existential questions.
In a rigid and inhibited society, this visceral and scandalous artist has investigated the limits of the flesh and sexuality astonishing the spectators with the nudes, the bright colours, the angular lines, the daring poses, the lanky silhouettes, expressions of a deeper subjectivity .
The Secession, which also welcomed him, was already a past phenomenon for him. Change and transformation were not only characteristics of Schiele as a research artist who, during his very short creative period from 1908 to 1918, subjected his style to constant changes, but constitute aspects that shaped Viennese modernism at the beginning of the 20th century.
The exhibition will trace the life and career of the young and talented champion of the brush – killed in 1918 by the Spanish flu at the age of just 28, while delivering 340 paintings and 2800 graphic works including watercolors and drawings to the world – giving the public the first major retrospective of Egon Schiele’s work opened in Japan in nearly 30 years.

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Fotografie accattivanti del lussuoso e futuristico Henderson KJ Streamline del 1930 » Design You Trust

Posted on 6 Gennaio 2023 by tommaso

Essendo uno dei principali marchi di motociclette dell’inizio del XX secolo, Henderson ha prodotto una serie di veicoli impressionanti prima di cessare la produzione nel 1931. Tra questi c’era la Henderson Model KJ Streamline del 1930, una motocicletta nota per il suo design avanzato e le sue capacità impressionanti.

h/t: vintage.es

Alimentato da un motore a quattro cilindri in linea da 1.200 cc e 40 cavalli di potenza frenante, il KJ Streamline era in grado di raggiungere velocità di oltre 100 mph. Il suo design aerodinamico, una rarità nel mondo delle motociclette dell’epoca, fu ideato dall’americano Orley Ray Courtney, che credeva che l’industria motociclistica dovesse fornire maggiore protezione e lusso ai suoi motociclisti.

La carrozzeria della KJ, modellata a mano in acciaio con un martello pneumatico, presentava una griglia a barre verticali e una parte posteriore che assomigliava a uno speedster a coda di barca Auburn, rendendola un esempio unico e straordinario di design Art Déco. Nel complesso, l’Henderson Model KJ Streamline del 1930 testimonia lo spirito innovativo e l’attenzione ai dettagli dell’azienda.

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Monster Chetwynd “The Cat’s Whiskers” al quartier generale di Sadie Coles, Londra

Posted on 6 Gennaio 2023 by tommaso

“The Cat’s Whiskers” è composto da un gruppo di quattro sculture in vetro soffiato a mano, esposte insieme a una serie di acquerelli recenti, presso la galleria Bury Street a St James’s. Risultato di un progetto ambizioso, le sculture sono state realizzate in collaborazione con artigiani altamente qualificati presso il National Glass Centre di Sunderland, in risposta a una commissione di Glass Exchange e svelate all’inizio di quest’anno presso la Galilee Chapel della cattedrale di Durham.

Realizzati nel 2022, ciascuno dei quattro diorami in vetro si ispira alla storia locale e all’ambientazione della Cattedrale di Durham, reinventando episodi della vita di due leggendari santi della Northumbria le cui tombe si trovano nella Cappella della Galilea. Le opere raffigurano storie della vita del Venerabile Beda e di St. Cuthbert, come descritto negli scritti di Beda. Composte in vetri luminosi e dai colori vivaci, le opere rivisitano drammaticamente gli episodi miracolosi attraverso una serie di vignette oniriche e quasi psichedeliche.

In queste scene reinventate Chetwynd adatta giocosamente ed esagera la scala, il colore e il gesto per ottenere effetti drammatici, trasponendo l’inaspettata surrealtà e il gusto dei suoi ambienti performativi come diorami microcosmici. Ciascuno pullula variamente di elementi fantastici. In una scena della vita di San Cutberto, l’esorcismo di una figura che si presenta femminile raffigura un fumetto traslucido che scaturisce dalle loro labbra per rivelare una figura satanica alata scarlatta che esegue una danza maliziosa. In San Cutberto e le lontre marine– che descrive la storia di Cuthbert che emerge dalla preghiera acquatica per essere asciugato dal respiro e dalla pelliccia delle lontre – minuscole figure sono inghiottite da uno schieramento abbagliante di calamari giganti, anguille e ricci di mare; evocando contemporaneamente un senso di gioiosa assurdità e meraviglia per il mondo naturale.

Messo a confronto con la pratica più ampia di Chetwynd – che lei descrive come “realizzata con impazienza” – e performance esuberanti e in evoluzione spontanea, la realizzazione della commissione ha comportato il lavoro a stretto contatto con abili creatori per un periodo di molti mesi per produrre le quattro intricate sculture. Il processo culmina invece con il vetro che prende forma attraverso azioni rapide compiute prima che si raffreddi. In questo senso, le opere incarnano in modo autoriflessivo un’espressione contenuta di collaborazione e immediatezza, così come l’approccio multiforme alla narrazione al centro del lavoro di Chetwynd.

Per questa mostra, Chetwynd ha scelto di installare le sculture su mobili domestici, come mezzo per ricontestualizzare e familiarizzare il costrutto visivo formale dell’allestimento di una galleria. L’uso di mobili riutilizzati estende anche la ricerca dell’artista di lavorare con materiali riciclati e sostenibili.

Mostrati in dialogo con le sculture sono due gruppi di acquerelli che rappresentano una sperimentazione recentemente avviata e in corso sul rapporto tra performance e pittura. Realizzate energeticamente, le opere fungono sia da documentazione che da luogo fisso dell’azione performativa e dei suoi gesti liminali. Con personaggi tratti direttamente da spettacoli passati o dall’immaginazione, le loro scenografie fluide, spontanee e gestuali trasmettono l’atmosfera dirompente di euforia e caos che si trova nella pratica performativa dell’artista.

in Sede centrale di Sadie Coles, Londra
fino al 12 gennaio 2023

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Horror, arte contemporanea e film: in conversazione con Dan Herschlein e Chad Laird

Posted on 6 Gennaio 2023 by tommaso

Dan Herschlein [left] e Ciad Laird [right]”Horror, Contemporary Art, and Film, with Art21″, discorso dell’artista a NeueHouse, New York City, 2019. Foto: Jessica Foley.

UN nota dell’assistente curatoriale di Art21, Danielle Brock: Conoscere le ispirazioni, le influenze e i riferimenti a cui gli artisti attingono per il loro lavoro è una delle mie più grandi gioie. Ogni volta che incontro artisti, specialmente quelli che sono ispirati da argomenti di cui so relativamente poco, non vedo l’ora di cadere nella tana del coniglio e assorbire il più possibile da dove provengono le loro idee. Il film di Art21 permettere artisti per raccontare direttamente agli spettatori il loro lavoro e le loro influenze, ma a volte abbiamo bisogno di un’immersione più profonda. All’interno dei programmi pubblici di Art21, ho chiesto agli artisti di mostrarci non solo le loro opere ma anche le opere cinematografiche che li hanno ispirati. Dal mio primo incontro con Dan Herschlein, Sapevo di avere molto da imparare da lui sul genere horror. Lui, insieme a Chad Laird, professore di storia dell’arte e cinema, ha gentilmente accettato di presentare un evento che esplora l’intersezione tra horror, arte contemporanea e cinema. Herschlein ha selezionato clip di film dell’orrore, dall’adattamento televisivo della BBC del 1968 di una storia di MR James, Fischia e verrò da tea David Cronenbergil film del 1986, La moscacon Jeff Goldblum, al dramma psicologico del 2018, Ereditario. Dopo una proiezione delle clip, Laird e Herschlein hanno discusso di come i temi horror influenzino la pratica di Herschlein e riflettano la nostra condizione contemporanea. Ecco un estratto della conversazione.

Questa conversazione è stata registrata alla NeueHouse, a New York City, il 28 ottobre 2019, durante un evento organizzato da Art21.

Dan Herschlein e Chad Laird, “Horror, Contemporary Art, and Film, with Art21”, discorso d’artista a NeueHouse, New York City, 2019. Foto: Jessica Foley.

DAN HERSCHLEIN: Qualcosa di veramente importante nei film dell’orrore è che sono un po’ come i racconti popolari o le fiabe che vengono raccontate e raccontate, riformulate e riformulate. Ma non sono così diversi [from each other]; sono interpretazioni di persone diverse su storie e temi simili. Quindi, puoi prendere quello che vuoi da ognuno di loro.

CHAD LAIRD: Perché pensi di essere attratto dai momenti di sospensione, che sembrano ruotare sempre attorno allo scrutare una stanza o guardare una porta o una stecca o una finestra? Cosa ti attrae di quel tipo di sosta narrativa?

“Le persone considerano i film dell’orrore una forma d’arte quasi conservatrice, ma penso che rispecchino una struttura reale, normale, quotidiana”.
—Dan Herschlein

HERSCHLEIN: Penso che siano più legati a quando una persona deve effettivamente sedersi con un sentimento, che si tratti di tristezza o rabbia o paura o dolore di qualche tipo. La cosa che diventa iper-presente è solo la stanza in cui ti trovi, ed è estremamente banale, ma è anche la cosa peggiore di sempre. Come lo dimostri? Lo mostri in un film enfatizzando la strana illuminazione, l’angolo della prospettiva della stanza o un oggetto specifico. Penso che questo valore d’uso degli oggetti sia davvero interessante. Qual è l’utilità prescritta di un oggetto? Piace [in reference to Rope (1948) by Alfred Hitchcock]in una normale situazione sociale, questa corda appartiene a quel cassetto.

SIGNORE: Perfino la porta in quella scena non sta davvero facendo quello che dovrebbe fare. Lo sta nascondendo ma anche mostrandocelo. Sta violando la sua normale funzione, che è ciò che fanno molte di queste porte in queste clip: sono soglie che ci fanno pensare ai confini che vengono attraversati, anche [in reference to Pet Sematary (1989)] cosa c’è sotto il lenzuolo qui

Dan Herschlein e Chad Laird, “Horror, Contemporary Art, and Film, with Art21”, discorso d’artista a NeueHouse, New York City, 2019. Foto: Jessica Foley.

SIGNORE: Una cosa interessante di queste clip, in relazione al tuo lavoro, è che questo è il sito più spaventoso con cui penso che molti di noi abbiano mai avuto a che fare: essere a casa e nelle nostre stanze, soprattutto quando siamo giovani, e pensando a cosa c’è sotto il letto o cosa c’è fuori.

HERSCHLEIN: Giusto, e inoltre quando siamo giovani o soli, si tratta del nostro comportamento previsto rispetto a come sentiamo di dover comportarci o al modo in cui ci comportiamo e non capiamo perché. Penso che la casa sia uno spazio che enfatizza le regole e la qualità narrativa di quelle regole e come queste definiscono chi siamo e cosa dovremmo essere. Penso che le persone prendano i film dell’orrore come una forma d’arte quasi conservatrice, ma penso che rispecchino una struttura reale, normale, quotidiana: sei punito per essere interrogato o esaminato.

LAIRD: Questo è l’aspetto interessante della prima clip, Ereditario (2018), con questa donna che affronta il suo dolore miniaturizzandolo; lei lo sta costruendo. Molte persone pensano all’horror come a uno specchio, che è davvero semplice e riflette solo delle sfere [of experience], e questo è tutto ciò che fa. Ma mi piace il modo in cui le clip vengono messe in moto da qualcuno [in Hereditary] che sta attivamente costruendo una versione di ciò che provano e temono a casa, e penso che sia così [films] riguardano il tuo lavoro. Non è una riflessione uno a uno letterale ma [rather] una costruzione ed esplorazione. È molto più complicato.

HERSCHLEIN: Questo è un modo perfetto per dirlo. Anche il tuo riflesso sarà influenzato da ciò che pensi dovrebbe essere il tuo riflesso. Un ottimo esempio di ciò è quando dice: “Questo è come dovrebbe essere la mia vita, quindi la ricostruirò”, e poi la storia si svolge all’interno di ciò che ha costruito e in realtà non è quello che pensava.

Dan Herschlein e Chad Laird, “Horror, Contemporary Art, and Film, with Art21”, discorso d’artista a NeueHouse, New York City, 2019. Foto: Jessica Foley.

HERSCHLEIN: La parte più strana [in the clip from The Fly (1986)] è la reazione. Questi sono i momenti di realismo, penso, che diventano davvero bizzarri e sotto la tua pelle. Cosa faresti se il tuo dito esplodesse sullo specchio?

SIGNORE: ci sono molte cose [the character] potrebbe fare, e si siede semplicemente, il che penso sia interessante.

HERSCHLEIN: Giusto, è un momento in cui ci si siede e si cerca di elaborare [the event] in privato, con una porta chiusa, e cercando di nasconderlo e cancellarlo. Ad esempio, se avessi questo tipo di emergenza medica, vorresti dirlo a qualcuno, ma mi piace che non lo faccia.

LAIRD: Oppure, se qualcuno stava cercando di invadere la tua casa, potresti fare di più che chiudere il sipario.

HERSCHLEIN: Destra. Quel film [Tormented (2014)] è terribile, ma quella scena è così bella. È un momento perfetto di teatro esistenziale, in cui deve correre e chiudere le tende trasparenti per proteggersi dagli invasori di maiali. È così assolutamente ridicolo. Ma è un altro esempio di [the idea that] la tua casa dovrebbe essere questo spazio fortificato: qui è dove sei al sicuro, questo è il posto a cui appartieni, questo è ciò che dovresti fare. Nessuno dovrebbe entrare dall’esterno. Quindi, la tua reazione di panico sarebbe quella di chiudere le tende trasparenti il più velocemente possibile: deve funzionare!

Dan Herschlein e Chad Laird, “Horror, Contemporary Art, and Film, with Art21”, discorso d’artista a NeueHouse, New York City, 2019. Foto: Jessica Foley.

LAIRD: Molti di questi [clips] collega al modo in cui affronti il voyeurismo, in quanto tutti stanno guardando fuori. Nessuno dei guardoni è fuori a guardare dentro, tranne dentro cache (2005). Ma in tutte queste altre clip, è un modo di essere un voyeur in cui guardi fuori e non ricevi il tipo di significato o soddisfazione che di solito associamo al voyeurismo.

HERSCHLEIN: Non ci avevo nemmeno pensato. cache è interessante per me nel senso che solo l’atto di mostrare ai personaggi com’è la loro giornata a casa loro è sufficiente per scardinarli. Basta che tu entri in casa per sbrogliare tutto.

“Il genere horror, specialmente nei film, ha a che fare con la violazione dei confini che accettiamo come normali”.
—Chad Laird

LAIRD: Vedere com’è la propria giornata normale, in cache, riguarda il modo in cui ciò si collega a tutte le cose passate che hanno fatto, dove stanno cercando di reprimere o dimenticare allo stesso tempo. Mi fa pensare al perché 45 anni (2015) è così centrale nel modo in cui lo metti insieme, in relazione alla notte. È questa trasgressione di ciò che dovremmo ricordare, ciò che dovremmo sapere e come dovremmo pensare, e come ci relazioniamo con le persone che ci sono vicine, che potrebbero essere molto inquietanti per noi. allo stesso tempo, il che è davvero orribile.

HERSCHLEIN: Destra. Crea questo stato d’animo in cui vivono queste persone – in cui penso che molte persone vivano ogni giorno, senza i veri elementi horror di esso – dove le cose non sembrano sommarsi. Non sembrano come si immaginavano da giovani: come pensavi di dover essere, cosa pensavi di dover fare per un lavoro. Ti rendi conto che il significato dietro tutte queste cose è significativamente più complicato.

LAIRD: Pensi che tutti i diversi tipi di negatività di questo genere, in cui guardi indietro a questi modi in cui finiamo, sentendoci un po ‘alienati e soli, che ne emergano dei granelli di conforto? Dove queste stupide promesse fallite che ci vengono fatte, e ne usciamo sentendoci in questo modo, quindi ripensarci attraverso il genere dell’orrore potrebbe essere un modo in cui possiamo sentirci sollevati o confortati?

HERSCHLEIN: Giusto, perché è una sorta di convalida. Stavi parlando di paure o traumi dell’infanzia: in un film dell’orrore, puoi ricostruire o rivivere queste cose, a distanza di sicurezza. Puoi attraversarli e intellettualizzarli mentre allo stesso tempo il tuo corpo ha ancora questa risposta viscerale ad esso, ma è sicuro e puoi estrapolare da quello. Puoi iniziare a creare nuove linee guida per la tua vita. Hai solo una nuova lente per l’esame.

“Horror, Contemporary Art, and Film, with Art21”, discorso dell’artista con Dan Herschlein e Chad Laird a NeueHouse, New York City, 2019. Foto: Jessica Foley.

Domande e risposte

PARLANTE 1: Non ho mai sentito nessuno paragonare i film dell’orrore alle fiabe. Siamo cresciuti con il Grimm’ fiabee ho pensato che fossero i più divertenti di tutti [children’s] storie; ovviamente, se qualcuno li mettesse in foto, accidenti, voglio dire, sarebbe una cosa piuttosto triste. Sei sempre stato consapevole di questa connessione con le fiabe e ti tornano in mente fiabe particolari della tua infanzia?

“Le fiabe tendono a trattare il mondo normale come cattivo.”
—Chad Laird

HERSCHLEIN: Il modo in cui mi relaziono [horror movies] alle fiabe è più il mio io adulto che le guarda, ma quando ero un bambino, ero davvero interessato ai film dell’orrore e ai film di fantascienza. Ho davvero amato Alieno (1979) e Predatore (1987). Non lo penso Alieno contro predatore (2004) era ancora uscito, ma ho fatto in modo che mio padre mi raccontasse le favole della buonanotte “Alien contro Predator”, e lui avrebbe dovuto inventarsele man mano che procedeva. C’è una qualità da fan-fiction nell’horror e nella fantascienza che penso sia direttamente correlata alle fiabe, in quanto sono le storie che racconti alle persone per passare il tempo, che esprimono cose in qualche modo inconsciamente attraverso la narrazione.

LAIRD: Ci sono due collegamenti interessanti tra horror e fiabe che mi interessano. Uno è che gran parte del genere horror, specialmente nei film, ha a che fare con la violazione dei confini che accettiamo come normali. Le fiabe hanno tradizionalmente riguardato la navigazione sul confine tra l’infanzia e l’età adulta e quanto sia orribile la transizione dall’infanzia all’età adulta, di solito raccontata dalla storia di una ragazza che entra nella femminilità. La seconda cosa che trovo interessante è che le fiabe tendono a trattare il mondo normale come cattivo, cosa che fanno anche i film dell’orrore. Il mondo dell’infanzia è sicuro e protetto, e poi, quando esci e consegni il cibo alla nonna, è quel mondo normale che è davvero brutto e orribile. Alcuni degli esempi più interessanti del genere horror seguono quel tipo di struttura, dove il normale è il cattivo e farsi strada attraverso quel mondo orribile e normale è l’elemento trainante dell’orrore.

HERSCHLEIN: Inoltre, le fiabe sono solitamente raccontate dal punto di vista di un bambino. Mentre i film dell’orrore non lo sono, gli angoli di ripresa sembrano come potrebbero essere, perché molti degli angoli di ripresa provengono da un adulto nascosto, che è in basso, e ci sono molti angoli dal pavimento alla metà del muro nei film dell’orrore. Questi creano una prospettiva intrinsecamente infantile, ma l’unico modo in cui puoi accedervi di nuovo da adulto è attraverso il terrore totale.

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Invitation to the Louvre. The extraordinary journey of the treasures of Capodimonte – World

Posted on 5 Gennaio 2023 by tommaso

Collections of the Capodimonte Museum, Room 12 with the Cassetta Farnese in the center I Courtesy Museo e Real Bosco di Capodimonte

World – It will be an unprecedented meeting between the collections of the Louvre and the Capodimonte Museum, which for six months will dialogue in a single, large exhibition. The appointment is in Paris starting next 7 June, when 60 masterpieces preserved in the ancient Neapolitan palace will reach the French museum: Titian, Michelangelo, Raphael, Caravaggio will be among the protagonists of an unprecedented artistic conversation, which will revolutionize the permanent path of Louvre. From cinema to music, a rich program of events will accompany the exhibition, bringing the culture of Naples into the heart of the Ville Lumière.

Tiziano Vecellio, Danae and the Golden Shower, 1544 – 1545, Oil on canvas © Naples, Capodimonte Museum Photo Library of the Special Superintendency for the PSAE and the Museum Complex of the city of Naples

Among the fruits of the Quirinal Treaty of November 2021, the exhibition enjoys the High Patronage of the Presidency of the Italian and French Republics and is configured as a novelty on the international scene: “Naples to Paris, the Louvre invites the Capodimonte Museum it is an absolute first in the history of exhibitions”, says the director of the Neapolitan museum Sylvain Bellenger: “The subject of the exhibition is not an artist, nor a movement, nor even a country, but a museum. As we have known for some time, and more and more every day, the museum is not a simple container but an actor in history. Its collections constitute a great narration, and with the exhibition this narration is transformed into a dialogue, the works meet and tell the story of the museum, of the two museums”.

“The encounter is all the stronger – continues the director – as the invitation addressed to Capodimonte is to exhibit his masterpieces not in isolation, but in dialogue with the Italian collections of the Louvre, in the Grande Galerie, in the Salon Carré, in the Sala Salvator Rosa and the Chapelle, the most historically iconic and illustrious places in the museum”.

Jacopo de’ Barbari (attributed), Portrait of Fra’ Luca Pacioli and a pupil, circa 1500. Oil on panel, 99 x 120 cm. Museum and Real Bosco di Capodimonte I Courtesy of the MIC-Ministry of Culture, Museum and Real Bosco di Capodimonte

Three distinct moments will mark an itinerary in the name of wonder. The prestigious Grande Galerie will host the confrontation between two collections of Italian paintings among the most important in the world: pictorial jewels of Capodimonte such as the Danae by Titian and the Flagellation of Caravaggio will dialogue with the works of the same artists conserved in the Louvre, while the enigmaticAnthea of Parmigianino will meet the paintings of Correggio bringing back to life the bright season of the Emilian sixteenth century.

Michelangelo Merisi known as Caravaggio, Flagellation, 1607, Oil on canvas, 213 x 266 cm, Naples, Museo e Real Bosco di Capodimonte I Courtesy of the FEC-Cult Building Fund of the Ministry of the Interior

Not to be missed for the French public will be the canvas of Judith beheading Holofernes by Artemisia Gentileschi, the Transfiguration by Giovanni Bellini and the Crucifixion by Masaccio, three great masters absent from the collections of the Louvre. And then the Carraccis, Guido Reni, the Neapolitan school of José de Ribera and Mattia Preti will draw a complete journey into the great Italian painting.

Artemisia Gentileschi, Judith beheading Holofernes, about 1612, Oil on canvas, 126 x 159 cm, Naples, Museo e Real Bosco di Capodimonte

The second stage will lead to the Sala della Chapelle, to discover the origins and variety of the collections gathered in Capodimonte. Amazing works like the Portrait of Pope Paul III Farnese with his grandchildren by Titian, the Portrait of Giulio Clovio by El Greco, the sumptuous Farnese box set and the spectacular Fall of the Giants by Filippo Tagliolini will ferry visitors along the history of the Kingdom of Naples, giving space to the three dynasties that played a leading role in the formation of the collections of the Reggia: the Farnese, the Bourbons and the Bonaparte-Murats.

Filippo Tagliolini, The Fall of the Giants, 1787-1790. Biscuit, h.162cm. Museum and Real Bosco di Capodimonte I Courtesy of the MIC-Ministry of Culture, Museum and Real Bosco di Capodimonte

Still different treasures will be revealed in the Sala dell’Orologio, opening the doors of the Cabinet of drawings and prints of Capodimonte, which with 20,000 works is the richest in Italy after that of the Uffizi. Here we will find extremely rare pieces such as the preparatory cartoons by Raphael and Michelangelo for the Vatican decorations, to be admired in comparison with famous Renaissance drawings conserved in the Cabinet of the Louvre, from Saint Catherine by Raffaello to the cartoon for the Moderation by Giulio Romano.

Raffaello Sanzio, Moses before the burning bush, 1514. Museo e Real Bosco di Capodimonte I Courtesy of the MIC-Ministry of Culture, Museo e Real Bosco di Capodimonte

“Royal palaces transformed into museums, full of collections inherited from the greatest sovereigns, symbols of the historical ties between France and Italy, the Louvre and Capodimonte have a lot to share and a lot to tell”, explains Laurence des Cars, director of the Musée du Louvre, who a few days ago on the museum’s social channels entrusted his New Year greetings to theAnthea of Parmigianino, among the wonders of Capodimonte.

Francesco Mazzola, known as Il Parmigianino, Portrait of a young woman, also known as Antea, 1524 –1527. Oil on canvas, 136 x 86 cm. Museum and Real Bosco di Capodimonte I Courtesy of the MIC-Ministry of Culture, Museum and Real Bosco di Capodimonte

If the roots of the Musée du Louvre are linked to the French Revolution and Napoleon, the stratified events of the Kingdom of Naples are reflected in the collections of the Neapolitan palace. With one difference: the museum vocation has always been inscribed in the DNA of the Capodimonte palace, built expressly to house the art collections that Elisabetta Farnese, queen consort of Spain and granddaughter of the French king Louis XIV, gave to her son Charles of Bourbon when the latter became king of Naples. Over time, Capodimonte’s art collections were further enriched, to the point of appearing among the most prestigious in Europe, capable of representing all the schools of Italian painting and beyond.
By rediscovering its history, this unprecedented exhibition will invite French travelers – the most numerous of tourists who visit Naples and Pompeii – to include the Reggia di Capodimonte in their modern Grand Tour.

Masaccio, The Crucifixion of Christ, 1426. Tempera on canvas, 83 x 63.5 cm. Museum and Real Bosco di Capodimonte I Courtesy of the MIC-Ministry of Culture, Museum and Real Bosco di Capodimonte

Curated by Charlotte Chastel-Rousseau, of the Painting Department of the Louvre, and by Alessandra Rullo, Patrizia Piscitello and Carmine Romano of the Museo e Real Bosco di Capodimonte, Naples to Paris, the Louvre invites the Capodimonte Museum will animate Parisian cultural life from 7 June 2023 until January 2024.

Guido Reni, Atalanta and Hippomenes, 1620-1625. Oil on canvas, 191 x 264 cm. Museum and Real Bosco di Capodimonte I Courtesy of the MIC-Ministry of Culture, Museum and Real Bosco di Capodimonte

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Le donne in minigonna promuovono i sistemi informatici » Design You Trust

Posted on 5 Gennaio 2023 by tommaso

Durante gli anni ’60 e ’80, non era raro che gli inserzionisti utilizzassero donne in abiti rivelatori, in particolare minigonne, per promuovere i sistemi informatici. Queste tattiche avevano lo scopo di fare appello a un’industria dominata dagli uomini, con l’idea che le vendite di sesso fossero sfruttate per fini grotteschi.

Tuttavia, è importante notare che l’uso del computer sul posto di lavoro durante questo periodo ha portato anche cambiamenti tecnici, organizzativi e sociali significativi. La crescente convenienza dell’hardware e la crescita dei servizi di time-sharing hanno consentito alle piccole imprese di accedere ai computer mainframe. Questo spostamento ha portato a un rapido aumento della domanda di nuove qualifiche lavorative sia negli uffici che nella produzione.

Sebbene sia vero che i sistemi informatici furono inizialmente installati nei centri di calcolo negli anni ’60, gli alti costi operativi significavano che dovevano funzionare costantemente per essere redditizi.

h/t: flashback

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Zlatko Kopljar, Luc Tuymans “Mercy” alla Galerija Vartai, Vilnius

Posted on 5 Gennaio 2023 by tommaso

“Mercy” è una mostra congiunta di Zlatko Kopljar e Luc Tuymans, organizzata come una sequenza di esposizioni condivise e separate che evidenziano l’iconoclastia e la complessità analitica di questi due artisti. La mostra giustappone il recente lavoro di animazione di Tuymans, in cui l’influente pittore ha continuamente ampliato l’ambito concettuale della sua pratica, con una selezione di opere create da Kopljar negli ultimi decenni, combinando performance, scultura, video e cinema sperimentale.

Il titolo “Misericordia” è una supplica. Presuppone un bisogno urgente e una mancanza fondamentale, situando la mostra come un effetto di perdita e distacco manifestato dall’opera di Kopljar K20 Vuoto (2015) e di Tuymans Scimmie (2021), che occupano la prima sala della mostra.

K20 Vuoto è costituito da due miniature in fusione di cemento raffiguranti gli edifici del Museum of Modern Art (MoMA) di New York e della Tate Modern di Londra. Riempiendo i due edifici di cemento per nascondere i loro spazi interni e l’arte che dovrebbero mostrare, K20 Vuoto modifica il museo, trasformandolo da luogo espositivo in materiale anonimo, codice impoverito. Nell’opera i musei riappaiono come souvenir, ricordi della storia. Miniaturizzando i due musei, l’opera significa il loro futuro come passato, un’immagine sia di commemorazione che di annientamento.

Sulla parete di fronte all’ingresso è appeso un gruppo di disegni di Tuymans utilizzati per il suo film d’animazione Scimmie. Nel film, una scimmia giocattolo meccanica che regge dei piatti si muove avanti e indietro all’interno di uno spazio oscuro tremolante prima di essere consumata dal fuoco nero. La disintegrazione di Scimmie nei suoi singoli fotogrammi segue la logica della pratica pittorica di Tuymans, che dissocia fotogrammi e registrazioni fotografiche per produrre manualmente immagini superflue, esauste, i cui cromatismi diluiti e la consistenza congelata le segnano come obsolete, una muta apparenza di un tempo e di un luogo irrecuperabili. L’interesse di Tuymans per le immagini frammentarie, oscurate e svuotate deriva dalla sua nozione radicale di rappresentazione storica e, in particolare, dal suo approccio all’argomento della seconda guerra mondiale, come già dimostrato in molti dei suoi primi dipinti seminali influenzati dall’assenza, il vuoto e l’indistinto che caratterizza la catastrofe per vie di negazione, sottolineandone criticamente la totale irrappresentabilità e l’inadeguatezza dell’evidenza visiva.

Le tragiche conseguenze della seconda guerra mondiale sono evocate nella mostra dalla proiezione di Kopljar K15 (2012). K15 è una rievocazione dello storico inginocchiarsi di Willy Brandt del 1970 davanti al monumento in onore delle vittime nel ghetto di Varsavia uccise dai nazisti. Il ruolo di Brandt, cancelliere della Repubblica Federale di Germania dal 1969 al 1974, è interpretato dallo stesso Kopljar, che viene visto vestito con l’abito bianco luminescente familiare dalle sue interpretazioni cinematografiche. Lo scenario originale è stato trasferito in un ambiente notturno, conferendo all’evento ricostruito un senso di sogno e fantasia. In relazione alla guerra in Ucraina che si svolge non molto lontano dalla Lituania e considerando la storia che la Lituania condivide con la Russia e l’Ucraina, K15La riflessione di Brandt sull’atto di pentimento di Brandt diventa un cupo resoconto della realtà odierna.

Proiettata sulla parete di fondo dell’ultima sala della mostra, l’animazione di Tuymans Resa (2017) può essere descritto come un cortometraggio di guerra. Inquadrando una scena notturna vista da lontano, mostra un guerriero navale che esce dal mare sventolando una bandiera bianca. Altri guerrieri poi si uniscono a lui e poco dopo vengono tutti abbattuti da colpi di arma da fuoco di una fonte invisibile fuori dall’inquadratura. Resa è basato su un trittico del 2014 di Tuymans che impiega fotogrammi di Un giro di sabbia, un film del 1968 su un ex ufficiale della marina britannica che gestisce un’attività di contrabbando di merci dall’Africa. Sebbene il suo materiale originale sia radicato nel colonialismo britannico, Resa avvolge l’identità dei rivali in lotta e le ragioni del loro conflitto, indicando la relatività e l’inconcludenza delle immagini proiettate e, in generale, il potenziale manipolativo delle immagini nella guerra dell’informazione.

in Galeria Vartai, Vilnius
fino al 27 gennaio 2023

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Estendendosi oltre l’artigianato, nell’indagine e nell’esplorazione

Posted on 5 Gennaio 2023 by tommaso

L’educatrice di Art21 Dana Helwick nella sua classe attuale, 2018. Immagine fornita dall’autore.

io è stato introdotto per la prima volta all’idea di insegnare con l’arte e gli artisti contemporanei nel programma di laurea Art + Education presso la New York University, che “immagina uno spazio radicale in cui l’arte contemporanea e l’educazione alla giustizia sociale si incontrano”.¹ Mentre ero a scuola, ho aiutato a coordinare il Art21 Educatori programma, condotto da Jesse Hamlin e Joe Fusario. Da allora, ho insegnato in una varietà di contesti scolastici ed educativi a New York City, utilizzando artisti contemporanei come modelli creativi per artisti di tutte le età e abilità. Una delle cose per cui mi sforzo nel mio curriculum è promuovere un senso di gioco con uno scopo. Il mio obiettivo è fornire agli studenti esperienze che li sfideranno a risolvere problemi, stabilire relazioni e imparare a pensare in modo critico oltre che creativo.

Insegnare con i temi dell’arte contemporanea e degli artisti mi ha permesso di mostrare agli studenti nuovi modi di essere creativi sia con i materiali che con gli approcci. Esempi di artisti contemporanei forniscono anche informazioni sul processo creativo, che si estende oltre l’artigianato e l’indagine e l’esplorazione. A differenza di molti artisti tradizionali rappresentati nel corso della storia dell’arte, gli artisti contemporanei riflettono una più ampia diversità di esperienze, in termini di razza, genere, background, convinzioni e orientamento sessuale, ed è importante che gli studenti vedano quel tipo di diversità rappresentata nei modelli di ruolo che insegniamo in qualsiasi area disciplinare, non solo nelle arti.

Opere d’arte degli studenti dell’organizzazione no profit con sede nel Bronx, 2013. Immagine fornita dall’autore.

Nel mio primo anno dopo la scuola di specializzazione, ho lavorato come artista insegnante con un’organizzazione senza scopo di lucro nel Bronx, dove ho insegnato sia agli studenti delle scuole elementari che a quelli delle scuole superiori. Tuttavia, non ero un membro integrato della scuola o della comunità circostante, e molti dei miei studenti non avevano mai frequentato un corso d’arte prima. In questo contesto, insegnare arte utilizzando artisti contemporanei come modelli di ruolo creativi significava iniziare con attività strutturate e di formazione e guardare ad artisti come Laylah Ali, Cindy Sherman, Kehinde Wiley e Chuck Close, artisti il cui lavoro ha soddisfatto le aspettative degli studenti secondo cui l’arte è rappresentativa e basata sul disegno, la pittura e la fotografia. In passato, molti dei miei studenti potrebbero non essersi sentiti i benvenuti, invitati o in grado di guardare, capire o fare arte. Soddisfare alcune delle loro aspettative sull’arte, aiutandoli allo stesso tempo a sviluppare nuove capacità artistiche, ha creato una base di fiducia, che ha reso più accessibile l’osservazione e la realizzazione dell’arte. Costruire quella fiducia ci ha permesso di andare oltre gli aspetti tecnici del fare arte e nelle domande e nelle idee che questi artisti esplorano nel loro lavoro: temi come identità, razza, genere e narrazione, temi con cui i miei studenti potrebbero facilmente identificarsi. Questo alla fine ha aperto la strada a esplorazioni più aperte di materiali e discussioni sulle possibilità di ciò che l’arte potrebbe essere, che includeva l’osservazione di diversi tipi di artisti come Oliver Herringil cui lavoro implica performance e partecipazione del pubblico.

Oliver Herring e un partecipante della sua festa pubblica, Compito2014. Produzione ancora dal Gioco esteso episodio, Oliver Herring: Compito. © Arte21, Inc. 2014.

I partecipanti al Compito party organizzato da Oliver Herring, 2014. Produzione ancora dal Gioco esteso episodio, Oliver Herring: Compito. © Arte21, Inc. 2014.

“Gli artisti contemporanei mi hanno permesso di presentare agli studenti le possibilità di ciò che l’arte potrebbe essere”.

Nei miei prossimi anni di insegnamento, ho lavorato in una piccola scuola privata di istruzione speciale nel centro di Manhattan, al servizio degli studenti delle classi K-7. Le mie classi erano piccole e co-insegnate con un altro insegnante d’arte. Il mio studio in classe era spazioso e completamente fornito di materiali artistici e i miei studenti avevano una varietà di difficoltà di apprendimento in lettura, scrittura e matematica, oltre a sfide di attenzione, sensoriali e sociali. Ancora una volta, in questo contesto, insegnare con i temi degli artisti contemporanei mi ha permesso di introdurre gli studenti alle possibilità di ciò che l’arte potrebbe essere, oltre le loro aspettative di disegno e pittura. Allo stesso tempo, ero particolarmente interessato a creare esperienze con l’arte e gli artisti che avrebbero fornito ai miei studenti l’opportunità di comprendere meglio le capacità di apprendimento socio-emotivo. La Collaborative for Academic, Social, and Emotional Learning (CASEL) definisce l’apprendimento sociale ed emotivo (SEL) come “il processo attraverso il quale bambini e adulti comprendono e gestiscono le emozioni, fissano e raggiungono obiettivi positivi, provano e mostrano empatia per gli altri, stabiliscono e mantenere relazioni positive e prendere decisioni responsabili.”² Per molti dei miei studenti, le relazioni sociali e la regolazione emotiva erano sfide, quindi ho cercato di concentrarmi su abilità come cooperazione, empatia e compromesso nel mio curriculum.

Jamie Warren e Matt Roche sul set di una performance di Uffa Dee Doo!all’Abrons Art Center, 2015. Produzione ancora dal Primo piano di New York episodio, Benvenuti a Uffa Dee Doo! (con Matt Roche e anche Jaimie Warren). © Arte21, Inc. 2015.

Molti artisti contemporanei lavorano in collaborazione con altri, e le coppie di artisti amano Jamie Warren e Matt Roche sono diventati modelli entusiasmanti per l’apprendimento socio-emotivo nel mio curriculum. Uffa Dee Doo! è uno spettacolo di varietà adatto ai bambini e un’esperienza di performance artistica guidata da Warren e Roche. Lavorano insieme a gruppi comunitari, culturali e studenteschi per pianificare un tema per i loro spettacoli e trasformano uno spazio in un ambiente coinvolgente per la performance finale. Dopo la proiezione del film Art21 Benvenuti a Whoop Dee Doo! (con Matt Roche e anche Jaimie Warren) in classe, ho assegnato ogni livello scolastico a uno spazio diverso nell’aula artistica, che erano responsabili della trasformazione come squadra. Gli studenti hanno iniziato facendo brainstorming e disegnando le loro idee su ciò che volevano vedere nello spazio. Poi hanno presentato le loro idee e hanno dovuto lavorare insieme per elaborare un piano che funzionasse per l’intera classe. Alcune classi sono state in grado di scendere a compromessi e lavorare sullo stesso tema (come un mondo sottomarino o un centro commerciale) mentre altre hanno dovuto trovare modi creativi per combinare idee apparentemente disparate (come mostri, alieni, calcio, Illuminati e Halloween). Il risultato finale è stato un’installazione collaborativa in classe in cui gli studenti si sono sentiti potenziati vedendo se stessi, le loro idee e le loro opere d’arte rappresentate nello spazio fisico.

Installazione degli studenti, 2017. Immagine fornita dall’autore.

“Gli artisti hanno la capacità di mostrare agli studenti non solo come creare ma anche come comunicare idee”.

Ora insegno in una grande scuola charter K–5 nel Queens che promuove i valori progressivi dell’istruzione, compresa l’enfasi sulla sostenibilità ambientale, l’apprendimento esperienziale e la giustizia sociale. È una scuola di inclusione che colloca gli studenti con disabilità in aule di istruzione generale, per imparare insieme ai loro coetanei neurotipici. Inoltre, la nostra popolazione studentesca parla quarantadue lingue diverse con le loro famiglie a casa, e abbiamo un certo numero di studenti che stanno imparando l’inglese come nuova lingua a scuola. In tale contesto, insegnare con i temi degli artisti contemporanei significa che posso includere artisti nel mio curriculum che non solo assomigliano ai miei studenti, ma hanno anche esperienze di vita e background culturali che riflettono quelli della mia comunità studentesca. Ad esempio, il pittore e scultore giapponese, Yayoi Kusama, con il suo uso ossessivo di punti colorati, ha ispirato i miei studenti a considerare il fare artistico come un atto consapevole e un modo per creare spazi sicuri a scuola. Un altro esempio è l’artista di performance con sede a Chicago Nick Cave, che ha creato le sue sculture stravaganti, note come “tute sonore”, come mezzo di protezione contro le sue esperienze di razzismo come uomo di colore in America. Mostrando ai miei studenti un’ampia gamma di artisti in termini sia di mezzi che di demografia, spero di combattere le nozioni tradizionali di chi diventa un artista e di esplorare cosa significa essere un artista. Il cambiamento delle grandi narrazioni culturali sulla diversità può iniziare in classe se possiamo consentire ai giovani studenti di immaginare un futuro diverso per se stessi.

Interpretazione studentesca collettiva dell’opera di Yayoi Kusama, 2018. Immagine fornita dall’autore.

Insegnando con le materie di artisti contemporanei, in particolare con studenti di età elementare e neuro-diversi, voglio continuare a superare le aspettative dei miei studenti su cosa sia l’arte, cosa possa essere l’arte e chi diventa un artista. Voglio che i miei studenti si divertano e lavorino insieme come gli artisti dietro Uffa Dee Doo!, sperimentare nuovi materiali come Nick Cave e praticare la consapevolezza come Yayoi Kusama. Questi artisti hanno la capacità di mostrare agli studenti non solo come creare, ma anche come comunicare idee e pensare in modi nuovi e diversi. Chiunque può imparare a diventare un abile artigiano, ma fare arte significativa incoraggia gli studenti a pensare in modo critico e creativo a se stessi e al mondo che li circonda.

¹ Arte + istruzione, programmi e lauree, NYU Steinhardt, https://steinhardt.nyu.edu/programs/art-education.

² “Cos’è SEL?” Collaborazione per l’apprendimento accademico, sociale ed emotivo, https://casel.org/cosa-è-sel/.

Collaboratore

Dana Joy Helwick è un’artista visiva e performativa, educatrice, coordinatrice, improvvisatrice e una ferma sostenitrice di “tutto ciò che è divertente, sempre”. Originaria della Bay Area in California, vive e insegna a New York City dal 2011. Helwick è stata un’artista insegnante nel Bronx, un’insegnante di arte e tecnologia in una scuola K-7 di istruzione speciale a Manhattan, un grado 3–5 insegnante d’arte in una grande scuola charter nel Queens e, più recentemente, insegnante di improvvisazione presso Improvolution nel West Village. Il suo obiettivo come educatrice e come artista è giocare con uno scopo: impegnarsi con esperienze che ci incoraggiano a risolvere problemi, stabilire relazioni e praticare il pensiero critico oltre che creativo. Per otto estati, Helwick ha anche assistito nel coordinamento e nell’agevolazione del programma Art21 Educators e continua a essere un membro attivo della sua comunità di ex studenti.

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Eight photography exhibitions to see in 2023

Posted on 4 Gennaio 2023 by tommaso

Lee Jeffries. Portraits. The soul beyond the image Courtesy Carlo Maria Martini Diocesan Museum, Milan

The 2023 exhibition scene promises to be full of events, even for photography enthusiasts. Milan, Venice and Turin are some of the venues to keep an eye on in the first part of the year, when the spotlights will be on the great masters who have written the history of the art of the lens, from reportage to fashion photography. Inge Morath, Werner Bischof, Elliott Erwitt, Helmut Newton are among the protagonists of the upcoming exhibitions, alongside whom we will find leading exponents of international contemporary photography making their debut in Italy.
Here are the details of the events not to be missed.

• Timeless Time: Vincent Peters in Milan, Palazzo Reale, from 12 January to 26 February, followed by Helmut Newton and Gabriele Basilico
“A camera is not enough to take a photograph. In every shot, put all the images you’ve seen, the books you’ve read, the music you’ve listened to, the people you’ve loved,” says the German photographer Vincent Peters, soon to be the star of an ambitious project at Palazzo Reale. Famous for having portrayed the contemporary Olympus of stars and celebrities, Peters sculpts his subjects with light, placing them at the center of timeless dreamlike stories. In Milan we will see artistic shots, fashion photographs, images taken from campaigns created for magazines from all over the world, on display until the Winter Fashion Week. The photographic journey of Palazzo Reale will continue with Helmut Newton’s legacy, which in the spring will celebrate the 100th anniversary of the artist’s birth (March 24-June 25) and in the autumn with a long-awaited exhibition dedicated to Gabriel Basil on the tenth anniversary of his disappearance.

• Inge Morath: photographing from Venice onwardsfrom 18 January to 4 June at the Palazzo Grimani Museum, Venice
It was love that led Inge Morath and Lionel Burch to Venice, immediately after their marriage in 1951. And it was the bad weather of the Lagoon and Robert Capa that made her the first Magnum photographer. At the time, Morath was working for the famous reporting agency as an editorial assistant, taking care of the captions that accompanied the images of her colleagues. Bewitched by the light of Venice in the rain, she called Capa suggesting that he send a photographer. Capa replied that there was already a photographer in Venice. “It was a revelation,” Inge said later: “To make something in an instant that had stayed inside me for so long, capturing it the moment it took on the shape I felt was right. After that, there was no stopping me.” Morath subsequently returned to Laguna repeatedly, each time with renewed inspiration. We’ll find out at Palazzo Grimani in 200 shots, 80 of which have never been seen in Italy, between iconic places and unknown corners, moments of real life, enchanted atmospheres and images of a Venice that no longer exists.

Lee Jeffries. Portraits. The soul beyond the image I Courtesy Carlo Maria Martini Diocesan Museum, Milan

Lee Jeffries. Portraits. The soul beyond the imagefrom 27 January to 16 April at the Diocesan Museum “Carlo Maria Martini” Milan
Lee Jeffries began his career almost by accident when, on the eve of the 2008 London Marathon, he took a photo of a young homeless woman sitting in the doorway of a shop. Rebuked for doing it without permission, Jeffries stopped to talk to her, establishing a contact that went beyond mere curiosity by delving into the soul of the person he had in front of her. Jeffries became the photographer of the invisible, singer of humanity on the margins that populates the metropolises of the United States and Europe. In Milan we will discover his sensitive and spiritual gaze in about fifty black and white and color shots, traveling through the streets of Los Angeles and the most infamous alleys of French or Italian cities.

Werner Bischof. Unseen Colors I Courtesy MASI, Lugano

• Werner Bischoff. Unseen Colorsfrom 12 February to 2 July at the MASI in Lugano
The MASI – Museo d’Arte della Svizzera italiana will open the 2023 exhibition season with a giant of twentieth-century photography. One hundred unpublished shots taken between 1939 and the 1950s will tell the universe of Werner Bischof as in one of his travels, ranging between the places visited by the reporter and the theaters of his life: often surprising images, made up of comparisons and contrasts, of immediate and acute reflections, capable of communicating the dichotomies of the modern world and the novelties of photography with an extremely original artistic eye, to be discovered by diving into the golden age of reportage.

• Jacques Lartigue – The invention of happinessfrom February 17 at the Ferrero Foundation in Alba
Throughout his life, Lartigue presented himself as a painter. But an irrepressible impulse drove him to photograph continuously and to collect his prints in very neat albums. As a lucky man that he was, Lartigue feared that happiness could slip out of hand at any moment. Hence the obsessive desire to capture it through images. Soon on display in Alba, his shots are the brilliant tale of a utopia and at the same time the testimony of a century. “Even when Europe was crossed by the horrors of the two world wars, Lartigue will continue to preserve the purity of his photographic microcosm, continuing to fix on film only what he wants to remember”, writes the curator Denis Curti: “Stop time, save the moment from its inevitable passage. Photography becomes for Lartigue the means to resurrect life, to relive the happy moments, over and over again”. And we with him.

Elliott Erwitt. Familyfrom 4 March to 25 June in Turin, Palazzina di Caccia di Stupinigi
Ironic and empathetic, romantic and light-hearted, Elliott Erwitt tells his story in Turin in a selection of shots spanning seven decades of his career. Personally chosen by the ninety-four-year-old photographer and all in rigorous black and white, the images in the exhibition explore the universal theme of the family in a very original way, ranging from the photographer’s personal memories to characters such as the Kennedys, up to life scenes stolen from around the world . In the kitchens of the ancient Palazzina di Stupinigi, we will see again images that have written the history of photography: the child on a bicycle with his grandfather on an endless avenue in Provence and the elegant New York lady in boots with two curiously assorted dogs will flank shots from countries as far away as Mao’s China, witnesses of Erwitt’s reportages in every corner of the globe.

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Bellissime sculture in vetro in miniatura di Kiva Ford » Design You Trust

Posted on 4 Gennaio 2023 by tommaso

La passione di Kiva Ford per il vetro deriva dalla sua laurea in soffiatura scientifica del vetro. Nel corso della sua carriera, ha acquisito esperienza nella creazione di complessi strumenti in vetro per uso scientifico, collaborando con ricercatori di prestigiose istituzioni negli Stati Uniti. Le sue abilità tecniche gli hanno fatto guadagnare numerosi riconoscimenti dall’American Scientific Glassblowers Society.

Ma Kiva non è conosciuta solo nella comunità scientifica. È anche famoso per le sue splendide sculture in vetro, calici, ciondoli e vasi realizzati con vetro borosilicato lavorato a lume. Il suo lavoro è stato presentato dal New York Times, dal Corning Museum of Glass e dalla Glass Art Society. Ha anche insegnato tecniche di soffiatura del vetro in workshop e dimostrazioni in tutto il mondo. La dedizione di Kiva alla tecnica, alla forma e alla precisione è evidente in tutte le sue creazioni, ispirate alla storia, alla mitologia e al mondo naturale.

Di più: Kiva Ford, Instagram