Ponti

World – In Paris, in 1912, critics and artists snubbed him mercilessly. For Umberto Boccioni his debut at the Barnheim-Jeune Gallery was a merry-go-round of violent emotions: someone laughed, judging his paintings already outdated, others shouted scandal, still others followed with curiosity the exploits of that eccentric and somewhat vain Italian, out of place in the avant-garde bohemian environments. For British critics, on the contrary, it was love at first sight: the first international release of the Futurists was described by the British press as “the most beautiful exhibition in the world”. Then came Peggy Guggenheim, with her infallible flair and rebellious spirit: in 1958, when Futurism in Italy was still discounting ties with the fascist regime, the American patron and collector bought the sculpture with conviction. Dynamism of a running horse + case, happy to break the rules just like Boccioni. The road to America was now cleared, and it is no coincidence that several of the futurist master’s masterpieces have found a home in international museums and collections.

From 19 October140th anniversary of the artist’s birth, we will be able to admire them from the comfort of home in the documentary FORMIDABLE BOCCIONIwritten by Eleonora Zamparutti and Piero Muscarà with the direction of Franco Rado, produced by ARTE.it Originals in collaboration with ITsART and Rai Cultura and available exclusively on the ITsART platform. In the meantime, here is an overview of Boccioni’s most beautiful works preserved abroad.

Umberto Boccioni, Roman Campagna or Noon, 1903, Oil on canvas. MASI, Collection of the City of Lugano

At the MASI in Lugano, the Museum of Art of Italian Switzerland, we find the first oil painting of the budding genius: it is entitled Roman countryside or noon and it is dated 1903. Umberto was only 21 years old when he made this canvas: he recently lived in Rome and, with his friend Gino Severini, he attended the studio of the master Giacomo Balla. The MASI landscape is perfect but has nothing revolutionary about it, rather it reveals the foundations of Boccioni’s language, who will treasure the pointillist lesson to shake Italian painting from its foundations.

The street enters the house dated 1911 is kept at the Sprengel Museum in Hanover. From a whirlwind of shapes and colors, the figure of a woman from behind emerges in the foreground, leaning against the railing of a balcony in Milan, where the artist has moved. “The dominant sensation”, writes Boccioni, “is that which can be had by opening a window: all life, the noise of the street, burst simultaneously like the movement and the reality of the objects outside. The painter must not limit himself to what he sees in the window pane, as a simple photographer would do, but he reproduces what he can see outside, in every direction, from the balcony ”. Palaces, streets and construction sites come together in the vortex of the futurist vision, so powerful that it can bend its contours.

Umberto Boccioni, The road enters the house, 1911, Sprengel Museum, Hannover

Also in Germany, al Von der Heydt-Museum in Wuppertalwe can admire Simultaneous views (1912), almost a development of the Hanoverian painting: here the artist invites us to observe the street from top to bottom, in a dizzying perspective. The action takes place on superimposed levels and the deformation of the space is even more radical: the buildings curve and break down, like the figures captured in the street and the woman’s body leaning towards the void.

Instead, it is located at Londonat the Estorick Collectionoil on board Modern idol, icon of the new futurist beauty. A ban on the Venus of the past: in this painting, according to the art historian Niccolò D’Agati, the ideal woman is a cocotte with a flashy hat, who stops in front of a shop window, coloring her face with electric blue light. “In the early days of Impressionism, violet was accepted for meadows, skies, woods… Woe to see them on the face, arms, breasts of a beautiful woman”, Boccioni writes, proud of his transgression.

Umberto Boccioni, The rising city, 1910, Museum of Modern Art, New York

If al Metropolitan Museum of Art from New York we have an essay from Boccioni’s early years with two self-portraits (1904, 1905) and the guache Young man on the river bank (1902), al MoMa we relive the most fruitful season through some famous masterpieces. The rising city from 1910 “is perhaps Boccioni’s most heroic work due to the tension and the will to go beyond traditional pictorial forms”, observes the art historian Esther Coen. The artist himself defines this large painting as “titanic”, which attracts the viewer’s gaze towards the center of the canvas with “a red, glowing fireball” and a horse that moves the entire composition. Bright colors and brushstrokes charged with energy paint the landscape of a construction site on the outskirts of Milan with vibrant dynamism, the modern city that expands and ascends towards the sky.

Also at the Museum of Modern Arts in New York The laugh he transfers a universal emotion to the canvas, while the nightlife of the metropolis beats the rhythm on the canvas. It is now 1912 when Boccioni finishes this painting, and his language has further matured thanks to his stay in Paris, which gave him the opportunity to get to know Picasso and the Cubists. Witness the broken planes and the vision of the same subjects taken from different angles, while the bright colors and the movement imprinted on the whole return the sounds of a joyful, euphoric, almost delusional laugh. Great was the uproar that greeted this painting at the Free Art Exhibition in Milan, where a visitor expressed his disappointment by scarring the painting.

Umberto Boccioni, States of mind: Those who depart, 1912, Museum of Modern Art, New York

Boccioni’s research on human emotions continues in the series of Moods, which we admire at the MoMA in the second version (1912), probably the most successful. Set in a train station, the work consists of three paintings: Those who leave, Those who remain And The farewells. Here, too, there is an echo of the recent encounter with Cubism, which Boccioni re-elaborates in a rather personal way. In Those who leave the oblique lines of speed cut the faces of travelers, while the blue expresses their melancholy. In Those who remainon the contrary, the image of the companions standing on the platform is reinforced by vertical lines and on the canvas dominates the green, which in the artist’s vocabulary is the color of abandonment.

Umberto Boccioni, States of mind: Those who remain, 1912, Museum of Modern Art, New York

The farewells it represents the greetings and hugs that precede the parting: the lines are circular, the colors vivid, a vortex of reds, greens and blues interrupted by the white smoke of the locomotive. The reception, needless to say, was anything but calm: the French press shouted scandal, Boccioni’s art remained incomprehensible to most. The poet Guillaume Apollinaire, after seeing the Moodshe could only say: “I met an artist who is working on the theme of stations”.

Umberto Boccioni, States of mind: Farewells, 1912, Museum of Modern Art, New York

To the Museum of Contemporary Art of Sao Paulo in Brazil finally there is the plaster of Unique Forms of Continuity in Space (1913), the only handwritten testimony of Boccioni’s sculptural masterpiece. “Obsessed with sculpture” by his own admission, since 1912 the futurist master devoted himself body and soul to the renewal of what he now considered “a mummified art”. In Unique Shapes reinterprets the classic theme of the walking man in a futurist key, seeking a synthetic, intuitive and immediate representation of movement with brilliant intuition. Three-dimensional image of the new humanity advocated by Marinetti – the “new Icarus, half man and half machine” – Boccioni’s sculpture proclaims “the absolute and complete abolition of the finished line and the closed statue”: the figure “opens wide ”And welcomes the surrounding space, in a dynamic competition between object and environment. The bronze casting of Unique Shapes it was never made while Boccioni was alive: the metal sculptures exhibited at MoMa and MET in New York, at the Museo del Novecento in Milan and at the Tate Modern in London are dated between 1931 and 1972, while other plaster casts have gone lost in mysterious circumstances. We will find out from 19 October on ITsART in the documentary FORMIDABLE BOCCIONIalong with other excellent stories, curiosities and testimonies around the genius of Futurism.

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La Fiat 8V, o “Otto Vu”, è un’auto sportiva con motore V8 prodotta dalla casa automobilistica italiana Fiat dal 1952 al 1954. L’auto fu presentata al Salone di Ginevra del 1952. La Fiat 8V ha preso il nome perché al momento della sua fabbricazione, Fiat credeva che Ford avesse un copyright su “V8”.

h/t: vintag.es

Con 114 prodotti, l’8V non fu un successo commerciale, ma andò bene nelle corse. A parte il differenziale, l’auto non condivideva parti con le altre Fiat (ma molte parti erano prodotte dalla Siata e le usavano per le loro auto). L’8V è stato sviluppato da Dante Giacosa e dallo stilista Luigi Rapi. Il motore era un V8 originariamente progettato per una berlina di lusso, ma quel progetto fu interrotto.

Il Fiat V8 aveva una configurazione a V di 70 gradi, una cilindrata di 1.996 cc ed era dotato di due carburatori Weber 36 DCF 3 a doppio starter. Nella sua prima versione (tipo 104.000) il motore aveva un rapporto di compressione di 8,5:1 e produceva 105 CV (77 kW; 104 CV) a 5.600 giri/min, dando all’auto una velocità massima di 190 km/h (118 mph).

Il tipo migliorato 104.003 aveva una diversa fasatura dell’albero a camme per 115 CV (85 kW; 113 CV) a 6.000 giri / min; infine il tipo 104.006 con un rapporto di compressione di 8,75:1, fasatura dell’albero a camme rivista e sistema di alimentazione erogano 127 CV (93 kW; 125 CV) a 6.600 giri / min. Il motore era collegato a un cambio a quattro marce. L’auto aveva sospensioni indipendenti tutt’intorno e freni a tamburo su tutte e quattro le ruote.

“La lezione di Boccioni è stata alla base della progettazione dei miei avveniristici edifici come il Guggenheim di Bilbao. Le linee rette delle mie costruzioni, nella tensione a fendere l’aria, si sono deformate, diventando arco, parabola, appunto traiettoria”.
Parola di Frank Gehry. Anche se, l’archistar statunitense non è il primo dei moderni a essere stregato dall’arte del visionario Boccioni. Da anni, grazie all’impiego di digital animation e stampa in 3D, Matt Smith e Anders Rädén lavorano al progetto di ricostruire i gessi perduti del maestro, Forme uniche di continuità nello spazio, studiando da vicino le fotografie dell’epoca per entrare nella mente creativa dell’artista.
Dopo la sua morte, a soli 34 anni, le sculture di Boccioni vengono distrutte, fatte a pezzi da un anonimo artista ‘passatista’. Quelle che ammiriamo nei più importanti musei del mondo sono riproduzioni in bronzo.
Ma perché la scultura di Boccioni affascina ancora oggi così tanto il pubblico? Visionario, geniale, l’artista nato a Reggio Calabria non ha un luogo di origine, nessuna città gli appartiene. E lo stesso vale per i suoi capolavori immortali che oggi è possibile ammirare tra sale del Metropolitan Museum of Modern Art di New York, e in quelle dell’Estorick Collection di Londra, e, in Italia, al Museo del Novecento di Milano che vanta la più grande collezione pubblica del pittore.

FORMIDABILE BOCCIONI, Docufilm 54′, 2022 | Courtesy of ARTE.it Originals / .ITsArt / Rai Cultura

Seguendo idealmente le opere, in ordine di apparizione all’interno del documentario inedito FORMIDABILE BOCCIONI, disponibile in esclusiva su ItsART a partire dal 19 ottobre, data di nascita dell’artista, rintraccamo l’impronta dell’autorevole esponente del Futurismo nei musei italiani. Scritto da Eleonora Zamparutti e Piero Muscarà con la regia di Franco Rado, il documentario, una produzione ARTE.it Originals in collaborazione con ITsART e Rai Cultura, snocciola le opere del primo attore del Futurismo, che dedicò l’intera esistenza a inventare un nuovo linguaggio contemporaneo capace di esprimere la modernità in pittura e in scultura.
“Il Museo del Novecento di Milano – dichiara nel docufilm il direttore del Museo del Novecento, Gianfranco Maraniello – ha una collezione unica al mondo di opere d’arte futuriste dove il ruolo di Boccioni è portante. Il nuovo allestimento, arricchito dai capolavori della collezione Mattioli, tra cui alcune delle opere più significative dell’artista, rende ancora più completa e preziosa la Galleria dedicata al Futurismo”.

Se lo Studio per la Risata del 1911 è patrimonio della Galleria Nazionale di Cosenza, e il bozzetto di La città sale del 1910 si trova alla Pinacoteca Brera, ecco dove ammirare da vicino la pittura di colui che sfidò secoli di immobilità, liberando una volta per tutte quest’arte dalle forme chiuse, e dalla bellezza classica.

Rissa in Galleria (1910), Pinacoteca di Brera, Milano
Dopo un periodo trascorso a Roma, deluso dal clima artistico della capitale dove i fermenti e le novità che si agitavano in Europa non trovavano alcuna risonanza, Boccioni nel 1906 decise di trasferirsi a Parigi. Inizia così un periodo di spostamenti, da un soggiorno in Russia al trasferimento a Milano, dove si stabilisce attratto dal nuovo spirito tecnologico che anima la città e dove stringe amicizia con i fondatori del movimento futurista, firmatari del primo Manifesto già nel 1909. In Rissa in galleria, dipinto nei mesi immediatamente successivi alla firma del Manifesto Tecnico della Pittura Futurista (1910), Boccioni esaspera la tecnica divisionista per studiare i movimenti della folla e dare vita a inediti effetti di luce e di dinamismo, accentuati dall’uso di vivacissimi colori complementari.
Protagonista del quadro è una folla di persone che si accalca di fronte alla buvette di Gaspare Campari (divenuta in seguito “Gran Bar Zucca” nella Galleria Vittorio Emanuele II di Milano), per prendere parte a una zuffa tra due donne.

Autoritratto, 1908, Pinacoteca di Brera, Milano
In questa tela Boccioni si ritrae sul balcone di quella che nel 1908 era la sua abitazione di Via Castel Morrone, angolo via Goldoni. Il balcone domina il paesaggio della periferia milanese, Lo sfondo è caratterizzato da case in costruzione mentre si vede un treno percorrere il cavalcavia Acquabella, oggi demolito, anticipazione delle tematiche futuriste degli anni successivi. “Dal primo del mese mi trovo in casa di mamma, lontano da quell’antipaticissima padrona e mi trovo abbastanza bene. In quella casa ho finito l’autoritratto che mi lascia completamente indifferente”. Così scriveva il pittore il 13 maggio 1908 a proposito della sua opera.

Meriggio. Officine di Porta romana, 1909-10, Galleria d’Italia, Milano
Quando, nel 1907, Boccioni arriva a Milano porta avanti lo sviluppo del suo linguaggio espressivo. Con la crescita commerciale e industriale, con il suo evolversi in una metropoli moderna, la città è la cornice perfetta per accogliere la poetica futurista. In Officine a Porta Romana un’inedita inquadratura, dilatata in orizzontale, domina la scena nella quale sono evidenti le diagonali che conferiscono solidità alla struttura compositiva. L’esasperazione delle linee di fuga, nonché l’utilizzo della tecnica divisionista portata all’eccesso, rendono l’immagine fortemente dinamica.
Lo spettatore è investito da questa esplosione di contrasti cromatici, nuclei di colore raggrumati pieni di energia e ai quali si sovrappongono fasci di luce discendente, bilanciati dai vapori opachi delle ciminiere che sbucano in lontananza.
Questa spasmodica intensificazione cromatica caratterizza l’estrema fase divisionista di Boccioni e precede la prime scomposizioni della forma.

Umberto Boccioni, Meriggio. Officine a Porta Romana, 1910, Olio su tela, 145 x 75 cm, Collezione Intesa Sanpaolo Gallerie d’Italia – Piazza Scala, Milano

Forme Uniche della continuità dello spazio, 1913, Museo del Novecento, Milano
Emblema del dinamismo impresso dalla nuova cultura futurista, quest’opera, gioiello del Museo del Novecento, è diventata un’icona universale, riprodotta in milioni di esemplari sulle monete da 20 centesimi di euro. L’opera, il cui originale è in gesso, è simbolo della produzione scultorea futurista dell’artista, finalizzata a riprodurre la velocità e la forza del dinamismo nell’arte. La copia in bronzo è stata prodotta solo dopo la scomparsa di Boccioni per volere di Filippo Tommaso Marinetti.
L’idea non è semplicemente quella di rappresentare un uomo che cammina, ma di rendere una forma unica in un movimento che è quello della materia nella continuità spazio-temporale.

Frame da Formidabile Boccioni | © ARTE.it

Tre donne, 1909-10, Gallerie d’Italia, Milano
In questa tela, che segna l’esordio di Boccioni sulla scena milanese, l’artista ricorre alle figure della madre Cecilia, della sorella Amelia e della modella Ines per rappresentare le tre età della donna, trasformando, attraverso la luce, le tre figure statiche in un vortice dinamico che genera tra le donne legami affettivi. Seduta in posizione rilassata, il volto rigato dal tempo, il morbido chignon d’argento, la madre dell’artista, Cecilia Forlanini, sbuca da un triangolo immaginario, con sottili linee colorate che delineano il lungo e ampio vestito dove dominano le tinte verdi. Anche Amelia è sorridente. I raggi del sole si insinuano tra i capelli, il libro stretto alla mano sinistra, tra il bianco, il verde, l’azzurro, il blu e il rosa dell’abito, tratteggiati con pennellate decise e linee verticali. Un’espressione malinconica avvolge invece Ines, l’amata musa di Boccioni, dalla quale si allargano linee bianche che enfatizzano la fusione dei due corpi.

Umberto Boccioni, Tre donne, 1809-1810, Olio su tela, Milano, Gallerie d’Italia – Piazza Scala, Collezione Intesa san Paolo

Stati d’animo (prima serie), 1911, Museo del Novecento, Milano
Il Museo del Novecento conserva la prima versione del ciclo Stati d’animo, realizzato nel 1911. La seconda versione si trova oggi al MoMA. Il titolo Stati d’animo racchiude tre dipinti con i quali Boccioni ha voluto rappresentare i sentimenti delle persone che partono e che restano in una stazione ferroviaria. Addii è la tela che ritrae la confusione, nel momento in cui la gente si saluta abbracciandosi sui binari accanto alla locomotiva. Le linee sono circolari, i colori vivi.
Il secondo dipinto è dedicato a Quelli che partono, i volti tagliati dalla velocità del movimento, con i toni del blu e dell’azzurro a trasmettere il senso di malinconia tipica di ogni partenza. Quelli che restano, soggetto del terzo dipinto, è un trionfo di linee verticali, a indicare le persone che rimangono sul binario, mentre il colore verde esprime lo stato d’animo dell’abbandono.

Umberto Boccioni, Stati d’animo – Quelli che vanno, 1911, Olio su tela,  95.5 x 71cm | Courtesy of Museo del Novecento, Milano

Materia, 1912 Museo del Novecento, Milano
Materia fa parte della collezione Gianni Mattioli, perla del percorso espositivo del Museo del Novecento. La tela raffigura, a figura intera, la madre dell’artista, seduta nella sua casa frontalmente, mentre dà le spalle a un balcone che domina il paesaggio urbano retrostante. Questa scelta contribuisce a fondere in un’unica “visione simultanea” la percezione ottica di due soggetti distinti, il paesaggio metropolitano e la madre dell’artista. Le mani della donna, incrociate e giganti, caratterizzano il fuoco del ritratto. Lo scenario urbano si integra perfettamente con la figura femminile. Un flusso di energia, creata dai colori, si diffonde in ogni direzione. L’opera vuole rappresentare il moto assoluto, la forza del moto insita nell’oggetto nella sua struttura organica, elementi che poi saranno trasferiti da Boccioni nella scultura per dare vita a un insieme polimaterico che contenga la sintesi tra la figura e il suo ambiente.

Dinamismo di un cavallo in corsa + case, 1915, Collezione Peggy Guggenheim, Venezia
All’indomani della pubblicazione del suo Manifesto Tecnico della Scultura Futurista, l’11 aprile 1912, Umberto Boccioni si volse alla scultura. In piena linea con i presupposti estetici del documento che prevedevano, in una sola opera, l’impiego dil’artista associa legno, cartone e metallo parzialmente dipinti in un uso futurista dei piani, influenzato dal Cubismo di Pablo Picasso e Georges Braque.
Boccioni ricorre all’immagine del cavallo per dimostrare come la qualità della percezione visiva generi l’illusione di una fusione di forme.

Umberto Boccioni, Dinamismo di un cavallo in corsa + case, 1915, Guazzo, olio, legno, cartone, rame e ferro dipinto, 115 x 112.9 cm, Venezia, Collezione Peggy Guggenheim | Courtesy Collezione Peggy Guggenheim, Venezia (Fondazione Solomon R. Guggenheim, New York)

Elasticità, 1912 Museo del Novecento, Milano
Considerata una delle opere più significative di Boccioni, Elasticità rappresenta il moto relativo dell’oggetto in un ambiente fluido. Nell’opera è possibile cogliere tutti gli elementi figurativi tipici della pittura futurista: il moto del cavallo in primo piano e i rimandi al progresso con lo scorcio sulle fabbriche in lontananza.

Umberto Boccioni, Elasticità, 1912, Olio su tela, 100 × 100 cm | Courtesy of Museo del Novecento, Milano

Sviluppo di una bottiglia nello spazio, 1913, Museo del Novecento, Milano
Nell’opera è presente una bottiglia poggiata su un piatto. Le due figure formano una natura morta con la quale l’artista restituisce il gioco dinamico che sta alla base dei suoi lavori attraverso una visione vorticosa dei due elementi, dando movimento al tutto. Oltre all’esemplare fuso nel 1935 dal gesso originale e oggi esposto a Milano, ne esistono altri quattro, fusi in diversi momenti.

Ritratto antigrazioso, 1912, Galleria nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma
Conosciuto anche come La madre, il busto di Antigrazioso è uno dei pochi esempi superstiti delle sculture futuriste eseguite da Boccioni nel 1912 e 1913 ed esposti alla Galerie 23 di Parigi nel 1913. Questa scultura in gesso patinato, conservata alla Galleria nazionale d’Arte Moderna di Roma, rappresenta la scomposizione futurista del volto della madre di Boccioni, ripreso nel dipinto Materia. Dell’opera il Metropolitan Museum di New York conserva una fusione in bronzo del 1950-1951.
Boccioni porta a termine la sua sperimentazione attraverso la quale aveva liberato la scultura dalle forme chiuse e dalla bellezza classica.

Ritratto del maestro Busoni, 1916, Galleria nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma
L’amicizia tra Boccioni e il compositore e pianista Ferruccio Busoni risale al 1912, quando Busoni acquista La città che sale in occasione della mostra futurista presso la Galleria Sackville di Londra. A lui è dedicato il ritratto oggi conservato presso la Galleria nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma. La pennellata strutturata e la gamma cromatica impostata sui toni del verde e del blu racchiudono tutta la riflessione sul linguaggio pittorico di Cèzanne che Boccioni andava approfondendo nel periodo che precede di poco la sua prematura scomparsa. Una ricerca che segue gli studi sullo spazio già intrapresi durante la fase futurista.

Umberto Boccioni, Ritratto del Maestro Busoni, 1916, Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea

Carica di lancieri, 1915, Museo del Novecento, Milano
Come al centro di una fotografia, un serrato gruppo di lancieri procede in avanti per caricare il nemico, inarrestabile. Le linee oblique orientate nello stesso senso, al centro, si contrappongono alle linee curve di destra, mentre a sinistra e in basso prevalgono campiture circolari. A dominare la scena, al centro dell’immagine, è un gruppo ordinato di soldati che procede a cavallo verso sinistra con le lance abbassate. In basso, i soldati nemici sono addossati al bordo del dipinto, mentre sullo sfondo si intravedono stralci di carta stampata. Carica di lancieri rappresenta l’interpretazione di un’azione bellica della Prima Guerra Mondiale da parte di Umberto Boccioni e fa parte di una serie di opere che i futuristi dedicarono alla celebrazione della guerra.

Donna al caffè – compenetrazione di luci e di piani, 1912-14, Museo del Novecento, Milano
Anch’essa custodita al museo del Novecento di Milano, la tela mostra una donna seduta in un caffè, di fronte a un piatto con un cucchiaino, un bicchiere, delle zollette di zucchero.

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Mentre la moda maschile non è cambiata in modo così drammatico nel corso del 20° secolo come la moda femminile, le tendenze e gli stili della moda maschile degli anni ’80 hanno sviluppato nuovi look insieme a una rinascita di stili più vecchi.

h/t: vintag.es

Per la maggior parte, la moda degli anni ’80 per uomini maturi si è stabilizzata rispetto alla moda sgargiante degli anni ’70 e assomigliava molto agli stili classici degli uomini degli anni ’40 e ’50. L’abbigliamento sportivo pastello, gli abiti tradizionali e persino le camicie hawaiane erano tornate di moda.

La moda maschile, invece, era audace, colorata e atletica. I ragazzi degli anni ’80 indossavano strati di jeans, giacche larghe, articoli in pelle, abiti da allenamento e scarpe da ginnastica. La maggior parte degli adolescenti e dei ragazzi del college ha adottato uno dei diversi look chiave: il preparatore, il rocker, l’atleta, il tizio alla moda, il surfista o il cowboy urbano. Ognuno aveva uno stile distinto, ma tutti prendevano in prestito elementi l’uno dall’altro.

World – L’Allegory of Fertility by Luca Signorelli rediscovers the marble group of Three satyrs struggling with a snakefrom the collection of Lorenzo the Magnificent lost at the end of the fifteenth century and on loan from a private collection in Chicago.
A drawing by Filippino Lippi inspired by ancient motifs dialogues with a Roman urn, while some panels from a wedding chest in the Uffizi Galleries, depicting Stories of Esther and Ahasuerus, meet a bust of San Giovanni Battista by Benedetto da Rovezzano.
It happens at the Minneapolis Institute of Art, a museum that boasts one of the most important collections of European art overseas, and where from October 16 to January 8 the exhibition Botticelli and Renaissance Florence: Masterworks from the Uffizicreated by the Uffizi Galleries in collaboration with the Minneapolis Institute of Art, curated by Cecilia Frosinini and Rachel McGarry, will explore the relationship between Botticelli, the art of the Florentine Renaissance and classical antiquity.

Biagio D’Antonio, Justice, Botticelli and Renaissance Florence: Masterworks from the Uffizi | Courtesy of the Uffizi Galleries

Loans from the Uffizi that include works by Botticelli and his contemporary artists will encounter paintings, sculptures, prints and drawings from the American museum.
“After the difficult years of the pandemic, which saw Minneapolis at the center of an epochal revolt for social justice and after the suffering caused by Covid – reads a note – the Renaissance exhibition that attributes the role of engine to Florence in the fifteenth century for world culture, it acquires a particularly profound meaning, and sounds like a wish for recovery, especially in America and in this city “.

Part of the proceeds from the exhibition were used to restore the works of art and carry out new research, conducted over the course of over two years. These results have merged into a catalog full of contributions from leading Italian and foreign scholars on the subject. Thanks to the volume it is now possible to learn more about the artists’ workshops, the role of theater and city festivals in the iconography ofAdoration of the Magion portraits, while a revision of Botticelli’s activity has been proposed based on sources and documents reconsidered in a new light.

Botticelli and Renaissance Florence: Masterworks from the Uffizi, Roman torso, Staging | Courtesy of the Uffizi Galleries

But there is more. An important and discussed portrait today in Minneapolis has been definitively attributed to Benedetto Ghirlandaio, as well as the portrait of a religious on the roof of the Uffizi, attributed to the famous brother Domenico.

“The exhibition – comments the director of the Uffizi Galleries, Eike Schmidt – is not only a revelation for the American public, but is also characterized by its very high scientific level. Thanks to the contributions of the archaeologists and art historians involved, as well as the Opificio delle Pietre Dure, it was possible to reconsider each work and arrive at new identifications and attributions on even very famous paintings and sculptures. Perhaps one of the most exciting and revealing combinations is that betweenAllegory of Fertility by Luca Signorelli and the marble group with Three satyrs wrestling with a snake, coming from the collection of antiquities of Lorenzo the Magnificent, dispersed at the end of the fifteenth century. The work, which was in an Austrian collection in the nineteenth century, which reappeared on the market a few years ago, was bought by a private individual from Chicago. Next to it, Luca Signorelli’s monochrome takes on a new meaning and explains at a glance the whole complex topic of the relationship between the Renaissance and Antiquity ”.

Botticelli and Renaissance Florence: Masterworks from the Uffizi, Tre Satiri Installation | Courtesy of the Uffizi Galleries

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