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Il fotografo ha scattato foto delle sorelle durante il mese »Design You Trust


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Secondo una fotografa Vicky Champagne: “Mi sono sfidata a fotografare 30 sorelle diverse in 30 giorni! Volevo documentare il legame tra sorelle. Volevo mostrare le somiglianze e le differenze che le sorelle possono avere, fisicamente e nella loro personalità.

Ho documentato la relazione tra tutte le diverse sorelle ed ecco cosa è chiaro… Dicono che il sangue è più denso dell’acqua e non c’è nessun legame proprio come quello tra sorelle. Dal momento in cui sono nati, condividono tutto: l’amore dei loro genitori, i loro geni, la loro camera da letto. Crescono condividendo segreti, sogni, vacanze, risate e lacrime. Sono reciprocamente confidenti e complici. Qualunque cosa accada, sanno che possono sempre fare affidamento l’uno sull’altro. A volte possono combattere come cani e gatti, ma alla fine il loro legame è indissolubile. Perché sono sorelle. Ed è quello che fanno le sorelle. Si amano incondizionatamente, nel bene e nel male. Sono lì l’uno per l’altro, qualunque cosa accada. Ed è questo che rende il legame tra sorelle così speciale. È insostituibile.

Puoi vedere le storie di ciascuna delle sorelle sul mio account Instagram. Spero che queste immagini vi piacciano tanto quanto io mi sono divertito a catturarle”.

Di più: Instagram h/t: noirpanda

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Clara, the rhino who bewitched Europe – World



Jean-Baptiste Oudry, The rhino1749. Staatliches Museum Schwerin

World – Who is the muse immortalized by Pietro Longhi in the famous painting The Rhinoceros? Clara, the gigantic Bengal puppy, the first specimen of her species to have happened in the modern West. And who patiently posed in Paris for Jean-Baptiste Oudry’s life-size rhinoceros portrait? Always she, an authentic star of eighteenth-century Europe, the subject of an impressive number of paintings, drawings, sculptures, porcelain and even goldsmith creations. To the Rijksmuseum in Amsterdam an exhibition tells the story of Clara through the many and precious artistic testimonies of her passage in the Old Continent. “A pioneering example of visual story”, He observes the curator Gijs van der Ham, “Which highlights the extraordinary narrative power of images as early as the 18th century”. History, art, economy, colonial issues and questions about the relationships between animals and human beings are intertwined in an exhibition that arouses amazement and curiosity, just like in the days of the traveling rhino.

It was 1741 when Clara – o Miss Clara as many called her – she landed in Holland from India, where she was born. After killing her mother during a hunting trip, a Bengali noble gave it to Jan Albert Sichterman, director of the Dutch East India Company, as a sign of friendship. For over two years she Clara she lived in the Dutch village with the Sichterman family, the children’s companion in games and frantic runs around the dining table. She then she became too big and heavy for domestic life. It was sold to Douwe Jans Mout, captain of a ship of the Company, and began his European adventure, far from the water and mud in which he loved to roll, perpetually traveling, exposed every day to the gaze of crowds of onlookers as an attraction. exotic and picturesque.


Venetian painter (previously attributed to Pietro Longhi), The rhinoceros (Clara in the enclosure), 1751. Gallerie d’Italia, Palazzo Leoni Montanari

Before Clara’s arrival, the rhinoceros was considered almost in Europe a mythological creature: some identified him with the unicorn, others imagined him fighting with elephants in the arenas of ancient Rome. Even a true nature artist like Albrecht Dürer his physiognomy was not very clear: in an engraving of 1515, he represented him with an additional horn on his back and skin similar to the armor of a soldier.

In 18 years Clara traveled Europe from Amsterdam to Vienna, from Paris to Venice, from Krakow to London, offering herself generously to the voracious eyes of the patrons of the fairs or to the craving for rarity of the court audience, posing for artists of every country and docilely allowing themselves to be examined by scientists in the grip of a fever of knowledge. And while naturalists argued about the classification to be given to the animal, in religious circles one wondered if the rhinoceros was actually Behemot, the evil beast who according to the Bible “feeds on grass, can swim, loves to roll in the mud, has strong legs and a sword in the shape of a horn,” just like Clara. Common to all, the wonder in front of such a rare and bizarre being, an enthusiasm that often bordered on hysteria. And if in 1754 the Prussian princess Wilhemina of Bayreuth reported that she felt “an extraordinary attraction like a rhino” under the hypnotized gaze of the subjects of her brother Frederick the Great, still in 1776 the philosopher Jean-Jacques Rousseau he replied to an overly insistent admirer that “if he wanted to see a rhino, he would have to go to the fair, and not to his house”.


Clara, exhibition view at the Rijksmuseum, Amsterdam. Photo Olivier Middendorp

The exhibition at the Rijksmuseum accurately portrays the stages of Clara’s adventure and highlights her impact on the European collective imagination through rare and original works, many of which are on public display for the first time. Each object has a story to tell. A precious Indian miniature illustrates the tradition of rhino hunting, reserved for Mughal nobles, due to which Clara was left alone in the world, while a painting by Hendrick van Schuylenburgh shows the Dutch settlement where the rhinoceros grew up in close contact with humans. . Advertising flyers in many languages ​​announce her arrival in the cities of the Old Continent, introducing a surprising variety of works of art dedicated to her. Delicate drawings on blue paper, for example, testify to the interest of the Venetian artist Francesco Lorenzi, who portrayed Clara in every detail and from different perspectives, perhaps on behalf of the master Giambattista Tiepolo. However, no specimen of rhinoceros has ever gone to keep company with the ranks of elephants, camels and exotic animals that populate the frescoes by the Venetian painter.


Clara, exhibition view at the Rijksmuseum, Amsterdam. Photo Olivier Middendorp

Impressive is the life size realistic portrait by Clara (3 x 4.5 meters) painted in Paris by the French Jean-Baptiste Oudry, with the rhino which, although represented in profile, seems to look the viewer in the eye. Originally intended for the palace of Versailles, the painting was exhibited at the Salon du Louvre in 1750, where it caused a lot of uproar. Finally he left for Germany, bought by the Duke of Mecklenburg-Schwerin for an exorbitant price.


Pietro Longhi, The Rhinoceros, 1751. Foundation of the Civic Museums of Venice Ca ‘Rezzonico, Museum of the Venetian eighteenth century

Clara arrived in Venice during the Carnival and took his place a stone’s throw from Piazza San Marco, right in front of the Doge’s Palace. Master Pietro Longhi painted it on behalf of the patrician Giovanni Grimani, which appears in the background of the painting together with family members in masks. Locked in a cramped enclosure, the animal showed signs of nervousness and lost its horn, frightening guests and agitating businessmen: without its characterizing attribute, would the rhino still have been a profitable attraction? While in Longhi’s painting a young man waved his horn as a trophy, Clara was forced to leave quickly from Venice, where she was no longer welcome. Maria Luisa of ParmaInstead, she was so fascinated by the strange creature that she wanted it with her forever, as the pedestal of a showy clock that appears in the great portrait of the Duchess by Laurent Pecheux.


Clara, exhibition view at the Rijksmuseum, Amsterdam. Photo Olivier Middendorp

If Dürer’s precious sixteenth-century engraving exemplifies the lack of knowledge of the rhinoceros in Europe before Clara’s arrival, at the end of the exhibition an installation by the contemporary artist Rossella Biscotti expresses the disturbances aroused today by its history. Piles of Dutch bricks where the rhino’s profile is printed and tobacco leaves evoke colonial exploitation and power imbalances at the dawn of the globalized world where Clara, treated like any commodity, was quickly consumed in conditions unsuitable for her nature.

The reflections on Clara’s fate, however, are not unique to our time. Already in 1750 the German writer Cristoph Gottlieb Richter published the interesting Dialogue between a rhino and a locust. The rhinoceros is just Clara, the only example of her species known to the western public at the time. “In a radical reversal of perspective”, says the curator van der Ham, “the animal observes men and laughs at their arrogance. Tired of taking orders, of being stared at and groped constantly, he dreams of freeing himself from captivity, of returning home and finally exposing men to the gaze of rhinos who, unlike humans, would know how to look with genuinely benevolent eyes at the miracle of an unknown creature “.


Clara, exhibition view at the Rijksmuseum, Amsterdam. Photo Olivier Middendorp





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Martin Maeller “Nervous Dust” al Kunstverein Göttingen


Nella mostra “Nervous Dust” Martin Maeller esamina questioni di identità, sensibilità e vulnerabilità e affronta il rapporto tra lutto privato e pubblico. Sviluppa le sue opere da ricordi personali, mitologia e cultura pop per esplorare esperienze collettive di perdita, processi di alienazione e ricerca di appartenenza. Nel suo lavoro artistico, Maeller intreccia la realtà con la finzione, rivelando non solo contraddizioni, ma anche confuse nozioni di convenzioni sociali e, a volte, riferendosi a persone che, in virtù della propria identità, si vedono disconnesse dal mondo. Le sue sculture funzionano come espressioni di strano dolore, traendo forma e contenuto da processi di commemorazione non conformi. Attraverso l’uso di materiali organici e industriali, e l’alterazione e la reinterpretazione di oggetti di uso quotidiano, collega cose che, a prima vista, sembrano non appartenere l’una all’altra. Le opere di Maeller appaiono lisce e ridotte; e allo stesso tempo sono anche intimi e intuitivi: i tubi di gomma termoretraibile ricordano rami senza vita, i vasi con elementi figurativi assomigliano a vasi di mummificazione, i cubi stampati in vetro acrilico evocano reliquiari.
Nella sua mostra, Maeller raccoglie mondi interiori ambivalenti – tra malinconia e repressione, affetto e cura – e, nel processo, fa emergere nuove forme di esperienza personale. Le sue opere sembrano frammenti di un cupo mondo di pensiero, come scenografie poetiche che contrastano con il mondo fisico. La mostra “Nervous Dust” apre prospettive alternative e pone l’accento su temi che esistono ai margini del discorso sociale.

Vincenzo Schier

a Kunstverein Gottinga
fino al 28 agosto 2022



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“TEXTURES” di “The New Black Vanguard”: uno sguardo all’intersezione di artisti che meditano sui capelli neri | di Cleveland Museum of Art | Pensatore CMA | Settembre 2022


A cura della dott.ssa Tameka Ellington, relatrice, autrice e co-curatrice di “TEXTURES: la storia e l’arte dei capelli neri”

Le persone di origine africana hanno capelli che non assomigliano a nessun’altra razza di persone. È l’identificatore razziale numero uno, il tono della pelle è il secondo. I capelli afro o neri crescono dalla testa come un alone e possono essere modellati, intrecciati, attorcigliati e avvolti in varie forme come quelle del Tribù Fulani dell’Africa occidentale o il Tribù Mangbetu della Repubblica Democratica del Congo. La distinzione strutturale dei capelli neri è stata alterata negativamente a causa del colonialismo e della tratta degli schiavi dell’Atlantico.

Nonostante più di 400 anni di sofferenza a causa della discriminazione razziale e dei capelli e la necessità di assimilarsi alle idee di bellezza dominanti della società, che richiedevano che i neri si lisciassero i capelli, molti neri hanno trovato il modo di amare se stessi e i propri capelli. Durante il movimento Black Is Beautiful degli anni ’60 e ’70, i capelli naturali erano acconciati in modi che evocavano l’attenzione della moda e della cultura popolare, portando all’appropriazione dell’acconciatura tra i non neri, come il cantante Barbara Streisand e l’attrice Bo Derek. Tuttavia, la discriminazione dei capelli neri è continuata. Negli anni ’80 e ’90 non era più di moda indossare acconciature nere naturali e presto svanirono, fino al loro riemergere negli anni 2000. Oggi, i capelli neri sono questa icona alla moda a volte entrata e altre volte fuori che può essere vista nelle strade urbane di tutto il mondo. Grazie alla popolarità di abbigliamento di strada, l’alta moda è diventata accessibile ai neri poveri. Così, le acconciature hanno continuato a diventare più creative con l’essenza di un mix tra stile moderno e tradizionale.

Nella mostra della Kent State University che ho co-curato con il dottor Joseph Underwood dal titolo TEXTURES: la storia e l’arte dei capelli neri, le tecniche di styling tradizionali sono evidenti nei manufatti, così come i modi moderni di acconciature. La filettatura dell’Africa occidentale, ad esempio, si ottiene sezionando i capelli in scatole piccole o grandi, applicando olio e/o pomata, quindi avvolgendo ciascuna sezione della scatola con un filo sottile creando un lungo oggetto simile a un ramo che indica la testa che può essere manipolata in qualsiasi forma desideri chi lo indossa. Come descritto in TEXTUREdi Joseph Eze Pomata Stella è un ottimo esempio di tradizionale incontro di design moderno nell’immagine che ritrae i classici capelli nigeriani abbinati a un moderno blazer e ascot Louis Vuitton. Questa acconciatura, risalente a centinaia di anni fa, era quasi persa. Ma è stato ripreso, grazie a creativi come La nuova avanguardia neraS Jamal Nxedlana e il suo pezzo alla moda intitolato Johannesburgdove la modella sfoggia un’acconciatura a fili verdi disposta in spirali selvagge!

Johannesburg, 2019. Jamal Nxedlana (sudafricano, nato nel 1985). Immagine per gentile concessione di Aperture, New York, 2019. © Jamal Nxedlana

Le acconciature intrecciate hanno una lunga storia nella cultura nera. Secondo la leggenda, le prime trecce furono fatte sul capo della dea Iside mentre piangeva al pozzo per la perdita del marito. Le fanciulle vicine videro che era in lutto e vennero a confortarla, e così facendo le intrecciarono i capelli. L’acconciatura denominata treccine negli Stati Uniti, o canarie nei Caraibi, risale già al 550 aC, a antica Nok manufatti raffiguranti uomini che indossano la tradizionale acconciatura. Intrecciato dalle Radici di Lebohang Motaung, in mostra TEXTURE, presenta un’incredibile pettinatura intrecciata che è divisa in file sottili intrecciate strettamente alla tela. La corona della testa illustrata è strutturata a forma di cono intrecciato, che ricorda molto le tradizionali acconciature nigeriane. Anche Shani Crowe, artista dell’intrecciatura di celebrità, è stata ispirata da questa forma nel suo lavoro intitolato Agitareche presenta un cono dal guscio di ciprea apposto sulla testa di una bella donna di colore. La nuova avanguardia nera‘S Sarah, Lagos, Nigeria di Namsa Leuba ritrae una donna con i capelli alla moda color treccia giallo e nero. Questi pezzi sono meravigliosi esempi di come la moda moderna e gli elementi tradizionali come le trecce e i tessuti Ankara si amalgamano per creare un insieme unico di colore, forma e linea.

Sarah, Lagos, Nigeria, 2015. Namsa Leuba (svizzera, nata nel 1982). Immagine per gentile concessione di Aperture, New York, 2019. © Namsa Leuba

Colore, forma e linea sono parti integranti di ogni buon design, incluso il design degli ornamenti per capelli. Per secoli, i capelli neri sono stati adornati con oro, argento e altri ciondoli come perline e conchiglie di ciprea per creare acconciature che sono state una rappresentazione di status, personalità e stile. Ricordo che ero una bambina e mia madre mi pettinava i capelli in piccole code di cavallo su tutta la testa. Alla fine di ogni coda di cavallo, ha apposto un ornamento di plastica: una molletta. Queste mollette sono state create mediante una fustella sagomata tagliata a forma di fiori, fiocchi, uccelli e altri animali. Ricordo di aver oscillato la testa da un lato all’altro solo per sentire le mollette sfiorarmi le spalle. Althea Murphy-Price’s mollette numero 2mostrato nel TEXTURE mostra, porta un senso di nostalgia di cui solo le bambine hanno il privilegio. Il rosa, il blu, l’arancione e il verde mare riportano alla memoria i pagliaccetti e le gonne abbinati che oscillano nel vento. La nuova avanguardia nera‘S Adeline in mollette di Micaiah Carter è una fotografia che cattura l’innovazione della cantante francese Adeline e il modo in cui rinfresca un ornamento pensato per i bambini piccoli e gli conferisce un tocco sofisticato e di alta moda.

Adeline in Barrettes, 2018. Micaiah Carter (americana, nata nel 1995). Immagine per gentile concessione di Aperture, New York, 2019. © Micaiah Carter

Le opere di Quil Lemons e Devan Shimoyama descrivono una parte della cultura nera che spesso non viene discussa. La stranezza nera continua a creare proverbiali pecore nere in tutte le comunità di tutto il mondo. La musica audace di Lil Nas X aiuta a portare avanti un argomento che continua ad essere nascosto sotto il tappeto e rinchiuso nell’armadio. New Yorkda Ragazzo glitteratouna serie fotografica di La nuova avanguardia neraLimoni e Shimoyama Eliain TEXTURE, entrambi usano lo scintillio e le sfumature del rosa come un modo per rappresentare l’essenza della femminilità in figure maschili queer. La serie di Shimoyama ha chiamato piagnucolone raffigura uomini e ragazzi in un barbiere impreziosito da lacrime di cristallo che rappresentano il dolore che spesso provano i maschi queer che entrano in spazi ipermascolini da barbiere. Mentre un barbiere è un ambiente in cui la maggior parte degli uomini neri eterosessuali comunica e si connette con la propria comunità, gli uomini omosessuali hanno un’esperienza opposta. Le opere di entrambi gli artisti mettono in discussione l’idea della società su cosa dovrebbe essere la mascolinità nera.

New York, 2017. Quil Lemons (americano, nato nel 1997). Immagine per gentile concessione di Aperture, New York, 2019 e De Buck Gallery. © Quil Limoni

Da infilare a trecce, mollette e scintillii di gioia “strana”, i capelli neri in sé e per sé sono una forma d’arte, una forma d’arte che è stata allo stesso tempo celebrata e disprezzata. Continua ad essere oggetto di ispirazione di molti artisti a causa del suo legame con la lotta culturale e l’accettazione di sé, la moda e le controversie. I capelli neri rimarranno la musa ispiratrice dei futuri artisti a venire. Tra qualche anno, vedrai che la mia profezia era giusta. I capelli neri non muoiono mai!



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L’elenco completo dei medici convenienti in America » Design You Trust


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Gli Stati Uniti hanno uno dei costi sanitari più alti al mondo. Il sistema sanitario statunitense è complesso e la maggior parte dei costi è determinata dal mercato.

I costi elevati e non regolamentati dei farmaci da prescrizione e gli stipendi degli operatori sanitari sono più alti che in altre nazioni occidentali. Anche i regolamenti amministrativi in ​​materia di fatturazione e codifica si aggiungono al costo di un individuo. Ecco perché abbiamo deciso di compilare un elenco di medici a prezzi accessibili in America.

Scorri verso il basso e scegli il tuo medico!

h/t: triste e inutile

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Le superbe sculture figurative stimolanti di Antony Gormley » Design You Trust


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Antony Gormley è ampiamente acclamato per le sue sculture, installazioni e opere d’arte pubbliche che indagano il rapporto del corpo umano con lo spazio.

Il suo lavoro ha sviluppato il potenziale aperto dalla scultura dagli anni ’60 attraverso un impegno critico sia con il proprio corpo che con quello degli altri in un modo che affronta le questioni fondamentali di dove gli esseri umani si trovano in relazione alla natura e al cosmo. Gormley cerca continuamente di identificare lo spazio dell’arte come un luogo del divenire in cui possono sorgere nuovi comportamenti, pensieri e sentimenti. Gormley cerca continuamente di identificare lo spazio dell’arte come un luogo del divenire in cui possono sorgere nuovi comportamenti, pensieri e sentimenti .

Di più: Antony Gormley, Amazon

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“John Craxton: A Greek Soul” al Benaki Museum of Greek, Atene


Questa edificante saga personale, riflessa in immagini brillanti, traccia un viaggio dall’oscurità alla luce. Craxton ha vissuto un’esistenza incantata. Superbamente talentuoso ed estremamente fortunato, era un eroico edonista, che viveva per il piacere e anche dipingendolo. Cosmopolita e nomade, trovò presto la fama di artista nella Londra del periodo di guerra con il suo migliore amico Lucian Freud. Ma ha sempre desiderato la Grecia.

Proveniente da una famiglia bohémien numerosa, musicale e ben collegata, era uno spirito anarchico che voleva solo disegnare e dipingere, e ha imparato guardando. Una volta introdotto al lavoro di El Greco e Picasso da adolescente, e scoprendo l’amore per l’arte greca antica mentre esplorava i musei, desiderava ardentemente vivere al sole. Disegnando a Parigi nel 1939, come primo passo in un viaggio verso sud, fu costretto a tornare in Inghilterra dall’incombente seconda guerra mondiale, e poi si fece un nome come un selvaggio prodigio artistico durante sei lunghi anni di intrappolamento.

Affascinandosi su un bombardiere preso in prestito dalla moglie dell’ambasciatore britannico, sbarcò ad Atene nella primavera del 1946. Una gioia duratura colorò le sue immagini che ne seguirono. Esplorando l’Egeo per decenni felici, i suoi sensi furono completamente sedotti. Era perfettamente vivo in ogni momento squisito. Da quel momento di arrivo estatico fino alla sua morte, praticamente ogni quadro di Craxton ha elogiato la vita, la luce ei paesaggi della Grecia.

Con gran parte del suo lavoro mai esposto in precedenza, solo ora può essere riconosciuto come un ritrattista senza rivali di volti e luoghi greci della metà del XX secolo. Con molte opere sconosciute della Craxton Estate, la rivelazione del Museo Benaki comprenderà 90 opere d’arte che coprono ogni periodo della carriera dell’artista. L’esposizione spazia da stampe e disegni a dipinti e un vasto arazzo omaggio, oltre a foto ed effetti personali.

Poco prima del turismo di massa, John Craxton assaporava la persistenza del mito nelle vite rurali apparentemente immutate dai tempi omerici. Aveva molti amici famosi, disegnando meravigliose copertine di libri per Paddy Leigh Fermor e un balletto per Margot Fonteyn. Ma preferiva ritrarre la gente comune: pastori e le loro famiglie, marinai e soldati: la compagnia che amava di più.

Dopo molto vagabondare – e soggiornare per lunghi periodi nella dimora ancestrale del suo più caro amico pittore, Nikos Ghika, sull’Hydra – si trasferì in una vecchia casa sul porto di Chania, molto vicino alla Pinacoteca Municipale che ospiterà la mostra in autunno.
Spirito famoso sia che parlasse in inglese o in greco, una volta disse: “Non avere una moto mi faceva sentire come un centauro che si trasforma in un cavallo a dondolo”. Nonostante tutta la sua erudizione da autodidatta, era essenzialmente un innocente all’estero. Un grande coraggio, o incoscienza, lo ha messo nei guai. Quando esiliato dalla Grecia sotto i colonnelli, si diceva che le sue battute fossero scappate con lui, un’autorità beffarda una volta di troppo.

Durante quasi un decennio di irrequieto esilio, si stabilì a Edimburgo, l’Atene del Nord, per progettare e supervisionare un arazzo che rendesse omaggio alla tradizionale tessitura cretese e alla mitologia, al clima, ai paesaggi e alla sensualità della Grecia. Mai prestato prima, l’arazzo Paesaggio con gli Elementi sarà il fulcro della mostra del centenario.

Il ritorno in Grecia è stato il dono più grande della fortunata vita di John Craxton. Tornato a casa a Chania, la sua arte in continua evoluzione godette di una rinascita. A poco a poco ha assorbito tutti gli strati della storia creativa greca – scultura dell’antichità, mosaici bizantini, iconografia cretese – per abbracciare antico e moderno all’interno dello stesso ambizioso quadro. Esprimeva giocosamente un profondo amore per le persone, capre e gatti.

John Craxton disprezzava la reputazione del mondo dell’arte. Non gli è mai importato di finire i suoi dipinti, per non parlare di venderli. Il loro messaggio è che preferiva di gran lunga la vita all’arte: la vita greca soprattutto. Dopo la sua morte, in un ospedale di Londra nel 2009, le sue ceneri sono state sparse nel porto di Chania. Ora fa parte del quadro.

a Museo Benaki del Greco, Atene
fino all’11 settembre 2022



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Aaron Gilbert presso Sant’Andrea de Scaphis, Roma


Proveniente da una lunga serie di antecedenti, Gilbert è un pittore della nostra nuova inesorabile vita moderna, come quella vissuta da chi è ai margini. È un pittore del mistico e dell’ordinario, dello spirituale nascosto nel quotidiano. I suoi sudditi possiedono una forza e una grazia resiliente sotto pressione.

“I corpi che dipingo sono sotto il peso del capitalismo. Voglio che quella forza sia molto presente. Voglio che sia dominante nel lavoro come lo è nelle nostre vite. Hai la presenza di queste forze ma poi mi interessa trovare dove possiamo accedere al potere che può aggirare le regole del gioco”.

“Il sacro è ciò in cui sono investito. Decifrare come accediamo a un potere che trascende tutta la struttura materiale di questo mondo. Direi che opero sull’idea che nessuno di noi sa quanto siamo potenti. Nessuno di noi sa cosa siamo in grado di fare o perché siamo qui e, per me, la cosa più interessante nell’essere vivi è cercare di decifrarlo e sbloccarlo ed essere una forza di trasformazione nel mondo”.

“Mi piacciono i momenti della storia della pittura che vivono su un ponte tra due modi di pensare, ci sono queste rotture di logica tra Giotto per esempio e poi Trecento, Quattrocento. Come Beato Angelico, sei ancora in questo mondo di magia, ma poi sei anche a metà strada in questo mondo di logica e ragione”.

a Sant’Andrea de Scaphis, Roma
fino al 17 settembre 2022



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Queste inquietanti fotografie vintage dell’inizio del XX secolo ti faranno accapponare la pelle » Design di cui ti fidi


Istantanea del costume di Halloween vintage
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Nel mondo di oggi, è facile dimenticare che la vita di tutti i giorni era molto diversa. Le persone indossavano abiti diversi, leggevano enciclopedie e usavano telefoni rotanti.

Oh, e tutto era inquietante da morire, o almeno lo era secondo il contenuto di queste 50 foto d’epoca. Forse è tutta la fotografia in bianco e nero, ma c’è solo qualcosa in queste foto della vecchia scuola che ti fa accapponare la pelle.

h/t: vintag.es

L’infermiera dà da mangiare a un paziente mentre Gesù osserva. Saint-Hyacinthe, Quebec, Canada, anni ’20 circa.
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Bambola raccapricciante seduta da sola su una sedia per bambini, 20 aprile 1930
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Una donna raccapricciante sale le scale, intorno agli anni ’30
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L’orso terrorizza il bambino
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Due ragazze in maschere di Halloween su un portico
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Il ragazzino si siede in un carro. “Mark Connelly”, 1968.
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Contadini in costumi di Halloween fatti in casa
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Un gruppo di persone spettrali
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Foto del bambino ammuffito
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Costume di Halloween Blackface
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Donna sorpresa la notte di Natale
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Madre e bambino spettrali
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Madre e bambino spettrali
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Ritratto di ragazza sgangherata della scuola
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Nonna e nonno posano con una leggera perdita
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Una piccola anziana si siede sulla sua sedia a dondolo sotto il portico
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Quattro donne spettrali in posa davanti a una casa
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La donna in abito scozzese fissa la telecamera
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Ritratto in latta di un giovane ragazzo intenso
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Ritratto in latta di una giovane ragazza intensa
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La bambina triste tiene la sua bambola
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Donna e bambino senza occhi che indossano un cappello
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Donna di grido legata a un albero
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Casa spettrale doppia esposizione
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L’uomo seduto tiene un’ascia
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Ritratto di ragazza dagli occhi morti
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Bambino con padre nascosto
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Due ragazze posano con un inquietante Babbo Natale
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Ragazza inquietante dai capelli lunghi
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Due bambine terrorizzate sulla strada
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Il ragazzino inquietante tiene il suo gatto davanti a uno specchio, 1910
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La donna posa con una bambola inquietante
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La donna in un vestito si china nella sua camera da letto
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Famiglia raccapricciante che canta in salotto
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La bambina triste si tiene per mano con sua sorella scalfita, Lincoln, Illinois
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Grande gruppo di festaioli travestiti
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Donna sdraiata a letto con il vaiolo
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Ragazza inquietante con i capelli lunghi
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Ragazzino inquietante che indossa una maschera antigas
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Ragazza dalla faccia sfocata con la sua bambola e l’orso di peluche
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L’uomo sta accanto a un’altra persona che indossa una maschera inquietante
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Bambina che legge un libro in una foresta bruciata
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Persone sfocate davanti a un’auto
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Festa di Halloween da brividi con la tavola Ouija
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Bambina che esamina una grande bambola a Natale
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Bambina che spinge un passeggino in una foresta nebbiosa
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Donna inquietante che striscia giù dal divano
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La bambola sta da sola su una sedia alla luce del sole, 1934
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Babbo Natale in visita a una donna, 24 dicembre 1958
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