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Antwerp has its own museum of the future: after 11 years the KMSKA returns to the city – World


World – Resembling a giant of light, nestled in the vibrant Zuid district, the new KMSKA invites you to browse its seven centuries of art on a captivating journey between ancient and modern guided by form and color.
The experience in the new Musée royal des Beaux-Arts d’Anvers, which reopened its doors to the city last September 24, already begins outside, in the silent public garden, an antechamber populated with statues that anticipate what the visitor will see this crossed the threshold wunderkammer polite that stretches from the beginning of the fourteenth century to today, in a path to be enjoyed without haste.
The wonder effect lights up once you enter the monumental entrance with the double staircase that accompanies towards the great masters. For the more traditionalist visitors, it will be enough to disengage from the expectation of chronological set-up, and here the new Koninklijk Museum voor Schone Kunsten will really show to all those who return to visit it after 11 years of closure and restoration, by the Dutch studio KAAN Architecten, his surprising face of the art treasure chest of the future.


KMSKA | Photo: © Karin Borghouts

The largest collection in Flanders
Thus entering the largest and richest collection in Flanders, with its 8400 objects, of which over 650 are exhibited, it could happen, for example, in the room dedicated to Sufferingto see the Calvary by Antonello da Messina in dialogue with The Man of Sorrows by Bill Viola and with Holy Trinity by Peter Paul Rubens. As in the room dedicated to “Color” – a dazzling white polyurethane floor that activates a play of shadows and reflections – it is white, undermined
the chronology, to act as a connecting element between The census in Bethlehem by Pieter Brueghel e The Spiral by Günther Uecker (1967), The extreme unction by Albert Servaes (1910) o The temptation of St. Anthony by James Ensor (1927).
And it is precisely the painter from Ostend, of which the KAMSKA boasts the largest collection in the worldto act as a hinge between the old masters, who live on the second floor of the museum with works made before 1880, and modern colleagues, post 1880, on floor 1.

A journey between ancient and modern
“We have definitely opted for a presentation in two great periods – explains Carmen Willems, director of KMSKA -. The old masters are gathered in the historical part, the modern artists in the more recent one. James Ensor is the cornerstone. An entire wing is dedicated to him ”.
That of KMSKA is a collection that reflects the times, the eclectic tastes of collectors from different eras, of the collective consciousness of the Flemish community.
“The opening of KMSKA – comments Jan Jambon, minister president of Flanders – is the cultural event that defines 2022. Museums not only represent the memory of the generations that preceded us, but also places that anticipate social changes. Museums top the list as beacons of hope and trust. In these uncertain times, they play an increasingly important role ”.
And it is perhaps for this reason that after the absence for eleven years from the city scene, the return of KMSKA with its exhibition space increased by 40% thanks to the interventions of KAAN Architecten, for a total of 21,000 square meters of museum space, and a total expenditure amounting to one hundred million euros, truly embodies the flagship cultural event of the city in which Rubens died.


KMSKA | Photo: © Karin Borghouts

Rubens and the KMSKA
But let’s come to the landlord to whom the KMSKA has reserved its elegant lounge. The Museum houses 27 paintings by Rubens and about 600 engravings that allow guests to follow the Flemish artist’s career, from the first period in Italy to the last years of his life. In the large room dedicated to him the Baptism of Christcommissioned by Duke Vincenzo Gonzaga for the Jesuit Church of Mantua, talks with The Adoration of the Magi, one of the flagships of the museum, the monumental panel that the artist painted in 1626 in just two weeks. The dromedary that peeks out in the work has been reproduced in the museum room in the form of a comfortable sofa, a fun idea designed especially for the little ones.
In 1794, during the great dispossession of works by the French, The Adoration of the Magi was partially cut to be moved to Paris and it is therefore a miracle that it can still be admired today in all its splendor.

The largest collection in the world of Ensor and Rik Wouters
Despite some taste in room 4, it is on the first floor of the new KMSKA that the skeletons, the grinning masks, the demons, with which Ensor translates the most typical aspects of the bourgeois world into satire, forcefully assault the viewer, overwhelming him in a whirlwind of sensations. . From the Carnaval de Binche to The baths of Ostendfrom the famous Intrigue to Skeletons fighting over a hanged manthe collection dedicated to Ensor, which alone is worth the trip to Antwerp, enchants with its grotesque vein that oscillates between irony and restlessness, in a sort of nightmare in which dream and reality merge.

In Large View over the Rooftops of Ostend the masks give way to a sky that threatens storm. Between the thick layers of paint and the delicate use of color, the painter represents the landscape he sees from his studio in the attic, while the gaze, from the city, sweeps over the small farms with red roofs in the polders.

Another powerful KMSKA workhorse is the Antwerp artist’s collection Rik Wouters, the largest in the world, donated in 1989 by Baron Ludo van Bogaert and his wife Marie-Louise Sheid. On the other hand, this new temple of art in the heart of the city could not miss the artist who created portraits, landscapes, still lifes with light at heart.


KMSKA, Outfitting | Photo: © Karin Borghouts

A bold staging
The unconventional choice of combinations, the calibrated restyling with which the museum has gradually acquired a new DNA, among the colors of the walls that change according to the room, from Pompeian red to olive green. We like that illuminating dialogue between ancient and modern, between the languages ​​that intertwine, while painting leaves room for multimedia that literally invites you to enter the creations of the “old masters”. Thus the public is now invited to follow the movement of an enormous rotating red hand that hangs from above, now to immerse themselves in the rustle of feathers of the great masters, to scrutinize details, to capture the essence of painting. Speaking of multimedia, a small applause goes to Rubens’ virtual atelier, which relives in augmented reality, reconstructed on the basis of the sources, the fun (and interesting) apparatus of touch screens that helps the public to explore some works in the rooms, connecting them to the present.
An example? Just follow the in-depth study dedicated to The woman who irones “ by Rik Wouters to learn all the secrets of the perfect style.
Very useful is the museum’s app, which allows you to learn more, in multiple languages ​​and in real time, about the works and their arrangement in the rooms.

The museum experience stimulates multiple senses. In the room “Sky” the artists shape the invisible in a triumph of messenger angels and extraterrestrial forces. The tools of Hans Memling’s angelic creatures come out of the work to become tangible tools on the walls.
In short, the museum’s objective of arousing the “Sentiment le plus Gracieux” in the course of a 360-degree experience seems to have been achieved.


KMSKA, Sala Cielo set-up | Photo: © Karin Borghouts

A little bit of Italy
A little patriotism pushes you to rummage through the halls in search of Italian style. And here Jacopo Pesaro presented to St. Peter by Pope Alexander VIthe first known work of a Titian in his early twenties, or a Seated nude by Amedeo Modigliani, the Calvary by Antonello da Messina, the Orsini Polyptych by Simone Martini, a Space Concept by Lucio Fontana, Dance by Fausto Melotti and a luminous Tribute to the cosmonaut by Arnaldo Pomodoro.
But, beyond the tricolor pride, there are many other masterpieces that remain hooked to the eye, from Judith by Jan Massijs to the intriguing Santa barbara by Jan van Eych and more Cleopatra by Alaxandre Cabanel or the seductive Woman resting by Wouters, a monumental Dali and the fleeting beauty of Madame Recamier imprisoned in a coffin by Magritte.

A collection still in progress
The museum’s collection, which is still evolving, is the result of donations, bequests, acquisitions that took place over the years, starting from 1382 when the Guild of San Luca was active, which brought together painters of the caliber of Jan Brueghel. When this corporation was dissolved the art collection passed to the academy that David Teniers the Younger had founded in the meantime to offer a full course in science and plastic arts to young artists. On May 5, 1810, the creation of the Antwerp museum by Napoleon’s imperial decree, in 1815 the return by the French of a large number of looted works.
In 1841, the knight Florent van Ertborn bequeathed to the museum 144 works of art from the 14th to the 16th century, including the masterpiece of Jean Fouquet, Madonna surrounded by Seraphim and Cherubimauthentic masterpiece of the KAMSKA. Between one purchase and another, in 1875 the decision was made to build a new museum in the district of Zuid, which opened its doors on 11 August 1890. The rest is a story that challenges the two world wars, in an attempt (fortunately successful) to save the works in hatches specially built in the basement.


Jean Fouquet, Madonna surrounded by seraphs and cherubs, ca 1450, Oil on panel, 83.5 x 92 cm

A museum for everyone
“In rethinking the setting – explains one of the curators – we followed the criterion of quality, but not only. We thought about the artists’ stories we wanted to tell. In the thematic choice we wanted to take into account the fact that a part of our audience is made up not only of experts, but of people without an artistic background. We would like visitors without a prior knowledge of art to feel welcomed and at ease, as well as guests with a non-Christian background. Public attention, as we know, is limited. We have favored an attractive path that acts as a guide and allows you to discover and grasp the details that we believe are the most interesting “.

A restoration workshop open to visitors
In addition to a scientific library and an archive documenting the museum’s activity since 1816, a cabinet for the graphic arts, the KMSKA also houses its own restoration workshop overlooking the rooftops of Antwerp. Established in April 1999, the workshop, which initially focused on the restoration of paintings, now also deals with sculptures, frames and works on paper and will be open to the public, offering a glimpse into the restorers’ activities.

A little gem before leaving
During your walk at KMSKA you will come across a curious one Inn scene by the Dutch painter Adriaen van Ostade. The picture is definitely wrong. It is not an oversight of the curators, and you absolutely do not try to straighten it, even if you will be tempted.
Perhaps this unusual position will help you to better grasp a detail. And you fell even more in love with this jewel, a small island of water and light, with the pearl on the Scheldt.


KMSKA | Photo: © Karin Borghouts





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On the thread of gold and grace. In the Marche the “wonderful relationships” of Carlo Crivelli – Macerata



Carlo Crivelli, Madonna with the Childo, 1482-1483, 33.5 x 46 cm, Bergamo, Carrara Academy

Macerata – A thread of light lit by grace and mystery runs from Macerata to Belforte del Chienti in the sign of Carlo Crivelli.
Gold is the color that intertwines the wonders of the painting of this restless master experimenter, Venetian by birth, who moved from the lagoon to Zadar and landed in the Marche, on the routes of merchants and artists to definitively influence the history of art of this region. with his always different inventions, full of technique.
Unknown for decades, rediscovered by the English Pre-Raphaelite artists who found extraordinary references to him, disputed by collectors around the world, Carlo Crivelli is today an independent figure, one of the most singular, precious, experimental talents of the fifteenth century.
If in the nineteenth century one part of the history of art was concerned with him, on the other the market misunderstood him, scattering many of his masterpieces. In addition to the Napoleonic suppressions that transferred many works to Milan at the Pinacoteca di Brera, the great migration took place towards Great Britain to the point that, to date, the National Gallery in London preserves the most important corpus of his paintings in the world.
From 7 October to 12 February a project entitled Carlo Crivelli. Wonderful relationships invites the public on a journey of discovery through the wonders of the painting of one of the masters of the Renaissance, combining his language with the beauties of the Marche.


Carlo Crivelli, Madonna with Child, PRE RESTORATION, Tempera on canvas transported from the table, 40 x 59 cm, Macerata, Civic Museums of Palazzo Buonaccorsi

The pretext of this trip curated by Francesca Coltrinari and Giuliana Pascucci is offered by the important restoration work carried out in favor of the Madonna and Child by Crivelli, kept in Palazzo Bonaccorsi, in Macerata, and presented for the first time in its full legibility.
For this reason, the first stop on the journey in the artist’s footsteps will be Macerata, home of the exhibition, inside Palazzo Buonaccorsi. The tour will then continue in eight municipalities of the Marche Region that hold works created by the artist or in some way connected to him, inviting travelers to grasp, as the title suggests, the series of “wonderful relationships”.
The one that will be hosted inside Palazzo Buonaccorsi, designed in 1697 by Giovan Battista Contini, a pupil of Gian Lorenzo Bernini, will be the first monographic dedicated to the artist and will complete the series of exhibition projects dedicated to him at an international level starting from the 2000, from the Brera Art Gallery in Boston, from the Vatican Museums in Birmingham.

Visitors will be able to admire the exhibition seven paintingscoming from Italian museums and beyond, selected with the intention of bringing back some of the artist’s works to the territory of origin and to highlight the many “wonderful” relationships existing between the works, the contemporary masters, the museums that welcomed them until today’s visitors.


Carlo Crivelli, Madonna and Child with Saints, 1481 (after restoration). Courtesy of the Vatican Museums

There Madonna and Child of Macerata will support Madonna of the milk coming from the Parish Gallery of Corridonia, and again the Madonna and Child from the Carrara Academy of Bergamo, the Compassion (Dead Christ lamented by the Virgin, St. John the Evangelist and St. Mary Magdalene) from the Vatican Museums, Saint Francis collecting the blood of Christ from the Poldi Pezzoli Museum in Milan, Blessing Christ from the National Museum of Castel Sant’Angelo in Rome and finally a work by his brother Vittore Crivelli, entitled San Sebastiano and devotees kept in the deposits of the Superintendency at the National Gallery of the Marche in Urbino, which will be returned at the end of the exhibition in Montegiorgio, city of origin.

From Macerata the itinerary to discover the artist ignored by Giorgio Vasari will continue towards Corridonia, San Ginesio, Sarnano, Monte San Martino, San Severino Marche, Serrapetrona, up to Belforte del Chienti, to allow the public to rediscover the work of Crivelli , between large altarpieces and smaller works, intended for private devotion, and the link with the Marche region that welcomed him from 1468 to 1495 and in which the artist created most of his masterpieces.


Carlo Crivelli, Madonna and Child, 1482-1483, 33.5 x 46 cm, Bergamo, Carrara Academy

L‘Crivelli itinerarya project developed thanks to the collaboration with the University of Macerata, the municipalities concerned and the dioceses of Macerata and Camerino, will put some works of the Venetian master in dialogue with the works of artists strongly connected to him, such as his brother Vittore Crivelli, the pupil Pietro Alemanno, the Vivarini, Giovanni Boccati, Lorenzo d’Alessandro da Sanseverino, as well as Antonio Solario, designated heir of the workshop of the last of the Crivellis.

Read also:
• The gold and splendor of Carlo Crivelli in the Vatican Museums





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abstract painting by Merritt Richardson

Dipinti astratti vibranti di Merritt Richardson I Artsy Shark


L’artista Merritt Richardson presenta una collezione di dipinti astratti colorati ed energici. Vedi di più del suo portfolio su di lei sito web.

dipinto astratto di Merritt Richardson

“Foss” (Collezione Flow) acrilico su tela, 60″ x 36″

Ho sempre trovato la magia nel portare qualcosa di nuovo nel mondo con le mie mani.

Sono stato fortunato ad essere nato con un certo dono creativo che si è manifestato nel disegno, nella pittura e nella lavorazione durante tutta la mia infanzia. Nel corso del tempo, ho sviluppato un grande apprezzamento e ammirazione per le persone veramente talentuose che possono immaginare un concetto completamente nuovo o inaspettato e poi manifestarlo in una forma che gli altri possono sperimentare e apprezzare.

dipinto astratto di Merritt Richardson

“Alterna” (Collezione Flow) acrilico su tela, 24″ x 20″

Rispetto la creatività sia come un determinato talento che dovrebbe essere coltivato sia come un’abilità che deve essere sviluppata e praticata. Sono ispirato a coltivare quella capacità dentro di me. Creare e creare mi dà energia e un senso di realizzazione, e… è semplicemente divertente.

dipinto astratto di Merritt Richardson

“Lyric” (Flow Collection) acrilico su tela, 36″ x 36″

Per la maggior parte della mia vita adulta, ho relegato i miei sforzi artistici in hobby o progetti occasionali. Ho scelto di dare la priorità a una vita aziendale e familiare intensa e frenetica rispetto a qualsiasi attività creativa seria. Tuttavia, ho sempre saputo che riconnettermi con la mia creatività innata avrebbe giocato un ruolo significativo nel mio prossimo capitolo.

dipinto astratto di Merritt Richardson

“Riz” (Collezione Flow) acrilico su tela, 16″ x 16″

Molti anni come leader nella strategia aziendale e nella creazione di prodotti per un’azienda sportiva globale mi hanno insegnato il potere del buon design. Dopo il ritiro, sono tornato a fare arte con una comprensione dell’influenza psicologica del colore, dell’importanza della qualità dei materiali e di come la narrazione sia essenziale per innescare una connessione emotiva.

dipinto astratto di Merritt Richardson

Acrilico su tela “Infinitude” (Collezione Blox), 48″ x 48″

La pittura astratta è emersa come la mia passione creativa. Attingo dall’amore per il colore e la trama per creare pezzi vivaci, audaci ed energici.

dipinto astratto di Merritt Richardson

“Galleria” (Collezione Blox) acrilico su tela, 12″ x 24″

Il mio processo artistico è principalmente intuitivo, anche se ho preso una varietà di corsi d’arte e ho studiato teoria e composizione del colore da solo. Imparo principalmente attraverso l’osservazione e molta sperimentazione.

dipinto astratto di Merritt Richardson

Acrilico “Imperial” (Collezione Blox) su tela, 30″ x 30″

Accolgo con favore il feedback e sicuramente influenza dove porto il mio lavoro, ma, onestamente, non penso troppo alla mia arte. Sembra qualcosa che esce da me e l’ho lasciato.

dipinto astratto di Merritt Richardson

“Recinzioni” (Collezione Blox) acrilico su tela, 16″ x 16″

Di solito riesco a percepire quando il risultato è “buono”. Metto i pezzi che mi piacciono nel mondo e lascio agli altri decidere se piace anche a loro. Se lo fanno, fantastico. In caso contrario, lo considero un esperimento divertente e continuo a provare.

dipinto astratto di Merritt Richardson

Acrilico “Gyre” (Loopt Collection) su tela, 30″ x 30″

Ho sempre amato l’arte astratta perché è così aperta alla percezione personale. Spesso non è immediatamente evidente cosa rappresenti l’opera, il che invita a reazioni viscerali e non filtrate da parte dell’osservatore. Sono affascinato dalla varietà di risposte e interpretazioni emotive che la stessa pittura astratta può evocare in persone diverse.

dipinto astratto di Merritt Richardson

“Manifestazione” (Collezione Loop) 48″ x 36″

Con l’astratto, sento possibilità illimitate per la mia arte. Mi permette di esplorare davvero le infinite opzioni per la pura libertà di espressione senza aspettative o regole. Che modo stimolante di trascorrere il mio tempo! In definitiva, voglio continuare ad alimentare la parte istintivamente creativa del mio cervello. Lungo la strada, posso mettere qualcosa di positivo nel mondo per portare gioia alle persone che lo vivono.

L’artista Merritt Richardson ti invita a seguirla Instagram e Tic toc.

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watercolor of a horse

Fiori e ritratti di animali di Teresa Brown I Artsy Shark


L’artista Teresa Brown condivide una colorata collezione di dipinti ispirati dal suo amore per la natura. Scopri di più visitandola sito web.

acquerello di un cavallo

Inchiostro ad alcool “Wild Free”, 28″ x 30″

L’arte è stata un fattore importante nella mia vita da quando ho memoria. Ho usato la creatività in qualche modo per la maggior parte della mia vita.

dipinto con inchiostro ad alcool di una fila di tepee dell'artista Teresa Brown

Inchiostro ad alcool “Teepees of Hope”, 40″ x 20″

Ho sempre sentito che se non avessi fatto qualcosa di creativo almeno una volta alla settimana, avrei cessato di esistere. Sono cresciuto nel Montana e mi sono trasferito un po’ prima di stabilirmi di nuovo nello stato. Nel 2017 ho iniziato a dedicarmi a tempo pieno alla mia arte dopo aver lasciato una lunga carriera nel settore floreale. Ha soddisfatto il mio bisogno di tenermi occupato.

ritratto di cavallo dipinto da Teresa Brown

Acquarello “Majestic Horse”, 14″ x 11″

Poi ho scoperto gli inchiostri ad alcool. Mi sono innamorato della loro vivacità e di come non solo possono essere manipolati, ma funzionano altrettanto bene rimanendo sciolti e liberi.

dipinto floreale di Teresa Brown

“Out of the Darkness” olio e cera fredda, 18″ x 36″

Quando lavoro su un progetto e le cose non vanno come previsto, tendo a usare qualsiasi mezzo o trucco ho per arrivare al punto che sto cercando di raggiungere. Questo è il motivo per cui la maggior parte dei miei dipinti e altre opere d’arte hanno un po’ di media misti. Alcuni dei miei mezzi preferiti sono gli inchiostri ad alcool, l’acquerello Brusho, la cera encaustica e l’olio e la cera fredda.

dipinto floreale di Teresa Brown

Cera encaustica “Montana Point”, 12″ x 24″

Amo sfidare me stesso e provare cose nuove. Quando sento che potrei non essere in grado di fare qualcosa di buono, ci salto dentro con entrambi i piedi e trovo una via d’uscita. Credo che sia allora che creo il mio lavoro migliore. Il mio momento preferito è quando posso vedere le cose che si uniscono e la direzione in cui sta andando il dipinto.

dipinto floreale di Teresa Brown

Olio “Papaveri” e cera fredda, 30″ x 30″

Trovo ispirazione in tante cose, dal mio ambiente ai miei viaggi. A volte passo attraverso fasi in cui cambio i soggetti su cui lavoro. Dipingerò un gruppo di animali e poi passerò ai fiori e tornerò ai ritratti, il tutto in un periodo di un anno.

natura morta e pittura floreale di Teresa Brown

Inchiostri ad alcool “Bison and Flowers”, 20″ x 20″

Attualmente sono nella fase di ritratto del mio viaggio. Cerco sempre di dipingere ciò che mi chiama. Credo fermamente nella sfida di me stesso e cerco e imparo costantemente nuovi modi e nuove cose per mantenere la mia arte fresca e divertente.

dipinto di cavallo di Teresa Brown

Inchiostri ad alcool “Wild Horses”, 18″ x 14″

Sono un collaboratore e un istruttore attraverso The Alcohol Ink Art Community e The Fine Art Cafe, nonché in alcune attività commerciali locali. Condividere ciò che ho imparato mi incoraggia e mi dà fiducia nel mio lavoro. Mi piace davvero quando uno studente trova la sua voce e la sua strada attraverso il processo artistico.

L’artista Teresa Brown ti invita a seguirla Facebook e Instagram.

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"Wild We Roam" pop-up gallery featuring Jennifer Irving

Vendi la tua arte in luoghi alternativi


di Carolyn Edlund

Gli spazi alternativi sono diventati popolari tra gli artisti che cercano di condividere il loro lavoro con il pubblico.

"Selvaggio Vaghiamo" galleria pop-up con la fotografia di Jennifer Irving.

Galleria pop-up “Wild We Roam” con la fotografia di Jennifer Irving.

Man mano che i mercati cambiano e diventano più aperti, gli artisti vendono direttamente ai collezionisti più che mai e attraverso una varietà di luoghi. Questi includono eventi pianificati dall’artista che portano gli acquirenti a fare acquisti e acquistare dalla fonte, nonché sforzi di collaborazione con terze parti.

I metodi tradizionali di vendita, come la spedizione con gallerie o l’esposizione di fiere e festival d’arte, sono buoni modi per raggiungere il pubblico. Ma ci sono altri posti in cui il tuo lavoro può essere visualizzato e venduto. Sfruttare più canali di vendita consente agli artisti di pianificare i propri programmi, diventare proattivi riguardo alla propria esposizione e pubblicità e collaborare con gli altri per aumentare le vendite. Diamo un’occhiata ad alcune opzioni.

Studi aperti

Ospitare un evento in uno studio aperto è un metodo per attirare gli amanti dell’arte a vedere il tuo lavoro e sperimentare il tuo processo creativo. Durante l’evento, concentrati sul coinvolgimento, in modo che i visitatori ti conoscano. Puoi dimostrare la tua tecnica, mostrare il lavoro in corso o parlare della tua ispirazione e del tuo concetto. Questo spesso prende la forma di un cocktail party con vino e formaggio o anche a più celebrazione dell’elaborazione. Alcuni artisti che gestiscono regolari vendite in studio aperto coltivano vaste mailing list locali. Emettono comunicati stampa e fanno in modo che il loro evento venga inserito nei calendari artistici locali. Possono invitare ospiti VIP a partecipare in anticipo per un’anteprima e persino servire pasti a importanti collezionisti. Questo può aiutare a consolidare le amicizie e costruire nuove relazioni.

Se il tuo studio ha a disposizione un’area espositiva, può essere lo spazio perfetto per intrattenere i collezionisti. Crea un look da galleria con una presentazione professionale per stupire i tuoi ospiti. E non dimenticare di chiedere ai visitatori di firmare il tuo libro degli ospiti, al fine di raccogliere i loro nomi, i loro indirizzi e-mail e altre informazioni di contatto. Quindi, continua a rimanere in contatto con loro nel tempo come parte della tua strategia di marketing generale.

Passeggiate d’arte

Le passeggiate d’arte sono eventi programmati che ampliano questo tipo di esperienza. Gli artisti collaborano con un’organizzazione locale per aprire le porte dei loro studi al pubblico in una data pianificata. I partecipanti viaggiano da uno studio all’altro per vedere un’ampia varietà di lavori in vendita. Questa diventa spesso una tradizione annuale anticipata dagli acquirenti e redditizia per gli artisti.

Se hai un home studio e lo apri agli acquirenti di opere d’arte, tieni presente che l’assicurazione del proprietario della casa non coprirà incidenti o lesioni. È necessario disporre di un’assicurazione di responsabilità aziendale a tale scopo. Ottieni preventivi dal tuo agente assicurativo per assicurarti di essere adeguatamente protetto.

Spettacoli di tronchi

Spettacoli di tronco sono un’altra forma di vendita temporanea, che è più appropriata per i designer di abbigliamento, gioielli e accessori. Sebbene a volte i trunk show possano essere nei negozi che acquistano all’ingrosso da artisti, possono anche essere eventi indipendenti. Diversi artisti il ​​cui lavoro si rivolge a un pubblico comune possono collaborare per alcuni giorni in uno spazio affittato per attirare acquirenti desiderosi di acquistare tutte le loro collezioni. Un ambizioso sforzo di marketing spesso dà il via a questo, con annunci sui social media e attraverso la stampa locale, nonché inviti inviati tramite e-mail e direct mail. Tutti gli artisti partecipanti possono spargere la voce ai propri elenchi di clienti e potenziali clienti allo scopo di espandere la portata della pubblicità.

Locali pop-up

Gallerie a comparsa sono un’altra opzione per gli artisti. Questi spazi espositivi temporanei possono trovarsi in vetrine vuote o in altri luoghi accessibili al pubblico. Questo può essere concordato con un padrone di casa che è disposto ad accogliere un inquilino a breve termine e ad affittare per un impegno limitato. Spesso i pop up mostrano il lavoro di diversi artisti che lavorano insieme, ma possono essere uno sforzo da solista. Potresti essere in grado di individuare da solo potenziali spazi pop-up nella tua zona, oppure potresti consultare un sito Web specializzato nell’identificarli. Vetrina è una piattaforma che può semplificare la tua ricerca e aiutarti a gestire gli accordi per te.

Spazi commerciali

Gli uffici aziendali possono essere coinvolti nell’esposizione di mostre a rotazione di arte locale. Questi a volte sono organizzati attraverso organizzazioni artistiche o affari come Gallerie in movimento. Questo tipo di esposizione aiuta non solo gli artisti, ma si riflette favorevolmente anche sull’attività di hosting. Ottiene la credibilità dell’azienda sostenendo la scena artistica locale e mostrando responsabilità civica.

I ristoranti accetteranno spesso di esporre opere d’arte in vendita sulle loro pareti. Se ti viene offerta questa opportunità, assicurati che il luogo sia adatto per il tuo lavoro. Scopri se il ristorante ha una storia di collaborazione con artisti con successo e di vendite. Assicurati di ottenere un contratto scritto con loro che copre il tuo accordo. Scopri se hanno un’assicurazione che coprirà la tua arte in caso di danneggiamento o furto. Chiedi se il loro staff capisce che l’arte esposta è in vendita e può indirizzare richieste a te come artista. Assicurati che tutto sia a posto per ottenere i migliori risultati.

I luoghi alternativi sono vari quanto gli artisti che li usano e sono limitati solo a ciò che puoi immaginare. Alcuni artisti fanno dimostrazioni di pittura dal vivo. Altri espongono lavori nei resort o sulle navi da crociera o partecipano a conferenze con il loro lavoro. Il tuo lavoro come artista autodiretto è determinare quali opportunità sono adatte al tuo lavoro e si riveleranno efficaci, quindi perseguile.

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Anna Zemánková “Pollen” presso Sophie Tappeiner, Vienna


Anna Zemánková ha detto che creava esclusivamente fiori: a quanto pare sentiva un’affinità naturale con loro, circondandosi non solo della flora fresca ma anche delle sue controparti di plastica. Il suo ricco e colorato straripamento di disegni, dipinti e collage travolge e può persino provocare una nausea delirante nel fortuito curatore che esamina il suo considerevole archivio. Ciò che rende la sua storia così affascinante è che è iniziata piuttosto tardi, intorno all’anno 1958, quando aveva circa 50 anni. All’epoca i suoi figli trovarono in soffitta una piccola valigia piena di semplici dipinti. Quando hanno saputo che li aveva dipinti, molti decenni fa, l’hanno persuasa a riprendere il lavoro su carta, per divertimento. La loro madre stava attraversando una crisi personale e sperimentava un malcontento a lungo termine; i suoi figli avevano abbandonato da tempo il nido e non avevano più bisogno delle sue cure, mentre il rapporto con il marito era disarmonico. Stava trattenendo una quantità eccessiva di energia che doveva esplodere.

Il suo desiderio di realizzazione creativa è arrivato all’improvviso ed è iniziato solo come mezzo di autoconservazione e piacere: il meticoloso lavoro le ha portato soddisfazione e un potenziale più profondo per diventare “la sua stessa persona”. Ben presto, il diversivo divenne una necessità. Si svegliava verso le quattro del mattino e iniziava a dipingere ascoltando musica classica, incapace di creare in silenzio. La sua mano ha prima coperto i contorni dei volumi più grandi, poi si è girata per modellare le unità più piccole e, infine, è arrivata all’intreccio di piccoli dettagli. La sua precedente pratica di dentista si è manifestata nella sua meticolosità, nelle otturazioni in filigrana e negli arabeschi delle sue opere.

L’impulso creativo di Anna ha avuto origine da qualche parte nel profondo ed è stato un processo intuitivo, piuttosto che razionale: una volta che la sua mano ha disegnato una forma, quella forma ne ha istantaneamente creata un’altra. L’autore sosteneva di non poter risalire alla fonte esatta della sua immaginazione, tuttavia l’opera la incoraggiava a liberarsi dalla materia e ad armonizzare la sua anima. Sebbene questi fatti possano evocare lo spiritualismo nell’arte – le opere di Hilma af Klint potrebbero affiorare alla mente – non ha mai parlato di alcun potere divino in gioco. Essendo un’artista autodidatta, ha dovuto escogitare il proprio metodo: la fede nel suo ingegno è diventata la sua forza trainante oltre che motivo di orgoglio.

Possiamo presumere che la sua preferenza estetica fosse informata dai costumi popolari della regione di Haná, dagli erbari, dai monumenti, dall’elevata qualità del barocco, o forse anche dalle curve decorative dell’art nouveau. Tuttavia, anche un semplice sguardo ci assicura che queste piante non erano formate da materia terrestre. Spesso vibrano di una mistica minacciosa e nei suoi disegni possiamo occasionalmente osservare corpi e formazioni aliene (credeva fermamente nelle civiltà extraterrestri). A volte non è chiaro se ci troviamo faccia a faccia con oggetti di ordini di grandezza alcune volte inferiori o superiori, assistendo a tessuti e divisione di cellule, alghe, protozoi amorfi o esplosioni planetarie. Questa vegetazione mentale sfida le leggi della fisica e l’unica cosa che la lega alla Terra è che di solito cresce verso l’alto. Altrimenti, esiste nel vuoto piuttosto che nell’aria umida.

Anna era orgogliosa della sua produzione unica e non ricorrente; permutazioni della vegetazione come linguaggio, struttura interiore e soggetto del suo lavoro. Vari autori si sono occupati direttamente dei processi ontologici e del desiderio libidico di autoimpregnazione nelle loro interpretazioni del suo lavoro perché il mondo delle piante invita naturalmente a tale ragionamento. Tuttavia, la materia che ha creato è ultraterrena, più allettante e succulenta della natura stessa, a volte persino peccaminosa.

L’artista ha scoperto, persino inventato le tecniche alle sue condizioni, non avendo ricevuto alcuna educazione artistica formale. Inizialmente ha lavorato con matita e tempera, acquerello, poi con pastello secco, pastello a olio e pastelli. C’è stato un tempo in cui copriva i suoi disegni con olio da cucina per sigillarli e fornire traslucenza: non le veniva in mente che l’olio si sarebbe impregnato e avrebbe lasciato una macchia sgradevole intorno ai contorni. Ha composto collage con ritagli di carta o raso, quindi ha cucito perline e paillettes. Con un ago, ha perforato la carta e l’ha goffrata con rilievi.

Nella sua casa nella Praga dell’era comunista, ha costruito un “regno delle fiabe” privato, circondandosi di cose kitsch. Questo perché, secondo la sua famiglia, preferiva la bellezza convenzionale nel suo spazio vitale. Nella sua pratica artistica, era il contrario: sembra essere più audace nella sua espressione creativa. Spesso doveva esercitare una concentrazione quasi sovrumana per produrre decine di migliaia di punti e linee nei dettagli dei disegni, senza errori e sbavature, con l’abilità e il rigore che sarebbero stati necessari anche per il suo precedente lavoro.

a Sophie Tappeiner, Vienna
fino all’8 ottobre 2022



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Foto di copertina vintage di Popular Mechanics Magazine negli anni ’30 e ’40 » Design You Trust


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Popular Mechanics (a volte PM o PopMech) è una rivista di divulgazione scientifica e tecnologica, con argomenti relativi all’automotive, alla casa, all’outdoor, all’elettronica, alla scienza, al fai-da-te e alla tecnologia. Sono comunemente presenti argomenti militari, aviazione e trasporti di ogni tipo, spazio, strumenti e gadget.

h/t: vintag.es

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È stata fondata nel 1902 da Henry Haven Windsor, che era l’editore e, in quanto proprietario della Popular Mechanics Company, l’editore. Per decenni, lo slogan della rivista mensile è stato “Scritto in modo che tu possa capirlo”. Nel 1958, PM fu acquistata dalla Hearst Corporation, ora Hearst Communications.

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Nel 2013, l’edizione americana è passata da dodici a dieci numeri all’anno e nel 2014 lo slogan è stato cambiato in “Come funziona il tuo mondo”. La rivista ha aggiunto un podcast negli ultimi anni, comprese le funzionalità regolari Podcast più utili di sempre e How Your World Works.

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portrait of a woman by Anne Reboul

Ritrattistica e disegni figurativi di Anne Reboul I Artsy Shark


L’artista francese Anne Reboul presenta una collezione avvincente di ritratti, arte figurativa e scene narrative. Trova più del suo portfolio su di lei sito web.

disegno figurativo di Anne Reboul

“La tenda rossa” punta oro e pastello secco su carta, 18,11″ x 12,59″

Disegno, principalmente in bianco e nero, anche se occasionalmente a colori o con un accento di colore su un disegno altrimenti in bianco e nero. Come sarà evidente dai miei disegni, sono ossessionato dalle persone. Disegno principalmente ritratti, occasionalmente nudi e recentemente scene più complesse in cui sono incluse diverse persone. Le persone spesso reagiscono ai miei disegni dicendo che raccontano una storia. Questo principalmente perché, a meno che uno non sia un artista davvero molto povero, le persone hanno delle storie (si potrebbe quasi dire che sono storie). Disegnandoli, si tocca la loro realtà individuale, permettendo allo spettatore di sentire la storia dietro la persona rappresentata.

disegno in grafite di una donna di Anne Reboul

Grafite “Tamara seduta” su carta, 13,8″ x 17,7″

Un’altra cosa affascinante del disegnare esseri umani è la sensazione che si ha mentre si disegna. Ad esempio, quando disegno un’immagine come “Macro”, ho la sensazione di toccare la sua pelle. Il disegno diventa non solo un’impresa intima (presumibilmente lo è sempre), ma uno dei modi più intimi per entrare in contatto con un’altra realtà interiore.

ritratto di donna di Anne Reboul

Carboncino “Macro” su carta, 9,25″ x 11,81″

Sono stato a lungo affascinato dai graffiti urbani, che spesso mi sembrano l’espressione di una profonda disperazione. I graffiti urbani ne sono un esempio.

disegno figurativo a carboncino di Anne Reboul

Carboncino “Graffiti urbani” su carta, 19,7″ x 25,7″

Anche se faccio molto raramente disegni di paesaggi, sono affascinato dal mare e dalla trama delle onde. Quindi ho disegnato il paesaggio marino occasionale.

disegno di un paesaggio marino in grafite di Anne Reboul

Grafite “Seascape” su carta, 11,75″ x 16,5″

Non ho mai pensato che un artista dovrebbe essere impermeabile alla realtà del mondo. Gli ultimi anni sono stati ricchi di eventi spiacevoli. Innanzitutto, il Covid è arrivato con una sensazione di impotenza che all’inizio ci ha riportato indietro a un’epoca in cui la medicina era sostanzialmente inutile. Ciò è illustrato in “Uccelli Covid” che è un’allusione ai medici della pestilenza del medioevo.

disegni figurativi di uomini di Anne Reboul

“Uccelli Covid” punto oro e punto argento su carta, 28,34″ x 40,15″

Il Covid praticamente ci ha impedito di viaggiare. Ho cercato di alleviare la mia frustrazione disegnando avatar in luoghi diversi. “Becca a Venezia” è il mio disegno preferito di questa serie.

ritratto di donna di Anne Reboul

“Becca a Venezia” punta oro su carta, 12,59″ x 17,72″

E proprio quando il Covid sembrava diminuire, la guerra in Ucraina è arrivata come una marea nera contro il mondo occidentale. Il ritorno di una guerra territoriale in Europa nel 21° secolo è un oscuro presagio. Ho illustrato i miei sentimenti nei suoi confronti in una serie di disegni.

disegno figurativo a grafite di Anne Reboul

“Tides of war 3″ grafite su carta, 13,8″ x 17,7”

Infine, come un altro colpo contro l’idea di libertà, è arrivata la decisione della Corte Suprema degli Stati Uniti di rovesciare Roe v. Wade. Ciò ha aperto le porte a una forte regressione dei diritti delle donne, con potenziali conseguenze ben oltre gli stati. I disegni della serie Maree di regressione sono un grido di rabbia.

disegni figurativi in ​​grafite di Anne Reboul

(Sinistra) “Tides of Regression: Rebellion” grafite su carta, 16.5″ x 11.75″ (Destra) “Tides of Regression: Punishment” grafite su carta, 16.5″ x 11.75″

La rabbia può anche essere una manifestazione di impotenza. Ho appena iniziato una serie narrativa di potenziamento in cui un piccolo gruppo di donne combatte per la libertà in un paese fantastico patriarcale, guidato da un colibrì, chiamato Hummie.

disegno figurativo a grafite di Anne Reboul

“Amazons in Fantasyland: On the road” grafite su carta, 11.75″ x 16.5″

Quindi, questo si conclude con una nota di speranza.

L’artista Anne Reboul ti invita a seguirla Facebook.

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L’artista crea superbe opere d’arte di narrazione surreale e fantasy » Design di cui ti fidi


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L’illustratore e artista russo Andrew Ferez crea arte narrativa surreale e fantasy. Andrew crea sogni fantasiosi e sbalorditivi come opere piene di simbolismo e strane narrazioni oscure. Figure si fondono con l’architettura, draghi fumano pipe e gigantesche macchine da scrivere a cattedrale bruciano in lontananza, non ne abbiamo mai abbastanza di queste creazioni fantasy.

Di più: Andrea Ferez, DeviantArt, Facebook h/t: 121 clic

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Frida Kahlo style icon. In Paris a journey beyond appearances – World


World – What is it that Frida Kahlo has in common with designers like Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier, Karl Lagerfeld, Maria Grazia Chiuri for Dior?
In addition to being an icon for twentieth-century painting, the Mexican artist was a source of inspiration for haute couture with her unconventional clothes, traditional Mexican garments, a unique hybrid style that intertwined elements from different regions and eras, identifying with women and the matriarchal culture of Tehuantepec, adopting their embroidered blouses, long skirts, elaborate hairstyles and rebozos (woven shawls) in a fascinating yet personal interpretation of mexcanidad.

Until March 5 Palais Galliera celebrates Frida Kahlo inviting visitors to explore the private side of the artist’s life, to understand how he built his identity through his way of presenting and representing himself. For the first time in France, and in close collaboration with the Frida Kahlo Museum, the exhibition entitled Frida Kahlo, au-delà des apparences he urges to move away from commonplaces, letting oneself be guided by the over 200 objects from the Casa Azul, where Frida was born and raised, including clothing, accessories, letters, cosmetics, medicines and orthopedic aids.


Frida Kahlo, au-delà des apparences, Staging | Photo: © Laurent Julliand

His parents built the house in 1904 to decorate it in the European style, which was in vogue at the time. Frida Kahlo and her husband Diego Rivera renovated it in the 1930s, repainting the walls in a bright blue and adorning it with objects that reflected their attachment to Mexican tradition, to pre-Hispanic sculptures, to votive paintings. Thus Casa Azul became a cultural center attracting prominent personalities from Mexico and beyond.
When, in 1954, Frida died, her personal effects were literally sealed by Rivera, only to be discovered 50 years later, in 2004. The public will be able to browse this precious collection that includes traditional Tehuana dresses, pre-Columbian necklaces that Frida he collected and hand-painted corsets, but also prostheses, films and photographs of the artist, to compose a visual narration of his extraordinary life.


Frida Kahlo, au-delà des apparences, Staging | Photo: © Laurent Julliand

On the other hand, after the serious accident at the age of 18, Frida used her appearance as a means of expressing doubts and feelings. Traditional clothing was meant to be a declaration of her Mexican identity of hers, but also a way to cope with her state of hers. The exhibition follows the path through which Frida has cultivated her image of her, an image that becomes a manifesto, becoming an expression of her cultural heritage, but also an example of coexistence with disability.
In shaping the image of her disabled body, Frida Kahlo perhaps played a pioneering role, building a visual vocabulary with which she expressed her physical and emotional suffering, while describing her own ability to create meaning, joy, art, beauty.


Frida Kahlo, au-delà des apparences, Staging | Photo: © Laurent Julliand

The path, biographical and thematic at the same time, follows Frida during her short stay in Paris, examines her relationship with the surrealist group. The public is invited to follow the artist to “Gringolandia” – as Frida called the United States, where she accompanied her husband Diego Rivera when he was commissioned to paint murals in San Francisco, New York and Detroit – and then to Paris. The short stay in the French capital coincided with her illness. Taking care of her were Marcel Duchamp and his partner Mary Reynolds. Yet in Paris Kahlo enjoyed spending time with Dora Maar, Jacqueline Lamba and Alice Rahon, exploring the city, flea markets and its fashion trends.

The seventh and last section of the exhibition at the Palais Galliera will finally present a world-famous cultural icon Frida Kahlo, the muse of designers such as Jean Paul Gaultier, Yohji Yamamoto, Alexander McQueen.


Frida Kahlo, au-delà des apparences, Staging | Photo: © Laurent Julliand





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