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“Insolvency, my friend” alla Charim Galerie, Vienna


Questa mostra è iniziata con il saggio di Pierre Klossowski “Living Currency” come punto di interesse, con la premessa che il corpo ei suoi desideri che lo accompagnano agiscono come unità di scambio. È partito in una serie di associazioni tra artisti e opere che include brani di Olga Balema, Dora Budor, Georg Herold, Pierre Klossowski, Guy Mees, Josephine Pryde, Rosemarie Trockel, Camilla Wills e un film di Guillaume Dustan. Queste opere portano e allo stesso tempo sconvolgono le tracce materiali dei sistemi economici e libidici, senza perdere di vista la posizione dell’artista, dell’opera e del suo spettatore rispetto ad esse. Ci chiedono di guardare cosa governa i rapporti di produzione e riproduzione, quali logiche sono in gioco e cosa non viene assimilato nei loro sistemi. Da qui potremmo vedere ciò che classificano come inutili, esauriti, così come la loro erotismo, i loro sprechi, le loro lacune, la loro stanchezza, la loro ubiquità, la loro onnipotenza, la loro invisibilità.

a Charim Galerie, Vienna
fino al 10 ottobre 2022



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Annuncio di NYCC 2022!  |  Ha parlato l'art

Annuncio di NYCC 2022! | Ha parlato l’art


Mappa espositori NYCC 2022

Spoke Art è entusiasta di tornare al Javits Center questo fine settimana per il NYCC 2022! Come sempre, avremo una nuova selezione di stampe e oggetti da collezione in edizione limitata, oltre a grandi firme ed eventi di artisti! Unisciti a noi per tutto il fine settimana per uscite esclusive, una proiezione di film e altro ancora!

Proiezione del film Akira:
Venerdì 7 ottobre alle 23:00
Roxy Cinema New York
(acquista qui i tuoi biglietti)

Incontri e saluti dell’artista:
Sabato 8 ottobre:
Felicia Chiao firma del libro e rilascio di poster @ 12:00
Murugia, Doaly & James Hobson Firma del libro “Film su tela”. @ 1 pm
Matt Taylor firma dell’artista e meet & greet @ 14:00

Galleria d’arte parlata
Stand 1479

Orari di New York:
Giovedì: 10:00 – 19:00
Venerdì: 10:00 – 19:00
Sabato: 10:00 – 19:00
Domenica: 10:00 – 17:00

COMUNICAZIONE ON LINE:
Giovedì 13 ottobre alle 13:00 EST
Ha parlato l’art negozio online

Un disegno di un piccione con gli occhiali con la scritta FUCK sopra, di Felicia Chiao

Felicia Chiao – Piccione educato
Stampa d’archivio a pigmenti, firmata e datata dall’artista
Disponibile di persona al NYCC 2022 (Stand 1479) e online a partire dal 13/10/22

Poster illustrato per il film, The Fly, dell'artista Doaly.
Doaly – La mosca (da Raoul Hausmann)
Serigrafia in edizione limitata, firmata e numerata dall’artista

Disponibile per il preordine al NYCC 2022 (Stand 1479) e online a partire dal 13/10/22

Poster ispirato a Caravaggio per il film A24, The Lighthouse, dell'artista Juan Ramos.

Juan Ramos – Il Faro (da Caravaggio)

Serigrafia in edizione limitata, firmata e numerata dall’artista

Disponibile per il preordine presso lo stand NYCC 1479 e online a partire dal 13/10/22

Adorabile figura in vinile di un cassonetto di fuoco

100% morbido – cassonetto fantasma fuoco

Figura in vinile da collezione

Disponibile di persona allo stand NYCC 1479 e online a partire dal 13/10/22

Poster di Pulp Fiction serigrafato ispirato a Keith Haring
James Hobson – Pulp Fiction (dopo Keith Haring)
Serigrafia in edizione limitata, firmata e numerata dall’artista

A disposizione di persona al NYCC 2022 (Stand 1479) e online a partire dal 13/10/22

Locandina del film Alla ricerca di Nemo ispirata alla Notte stellata di Vincent Van Gogh, illustrata da Bella Grace.

Bella Grace – Alla ricerca di Nemo (da Vincent van Gogh)

Stampa a pigmenti d’archivio in edizione limitata, firmata e numerata dall’artista

A disposizione di persona al NYCC 2022 (Stand 1479) e online a partire dal 13/10/22


Una locandina del film JAWS, ispirato al dipinto di Hokusai della Grande Onda.

Mark Bell – JAWS (dopo Hokusai)

Serigrafia in edizione limitata, firmata e numerata dall’artista.

Disponibile per il preordine presso lo stand NYCC 1479 e online a partire dal 13/10/22

Fotografia di un libro su un tavolo di legno

Film su tela

Libro d’arte del tavolino da caffè in edizione limitata

Artista che firma con Murugia, Doaly e James Hobson allo stand NYCC 1479 in poi Sabato 8 ottobre alle 14.



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Le foto d’epoca mostrano cosa indossavano gli adolescenti negli anni ’70 » Design You Trust


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La moda negli anni ’70 riguardava l’individualità. Gli articoli comuni includevano minigonne, pantaloni a zampa di elefante resi popolari dagli hippy, abiti vintage degli anni ’50 e precedenti e gli stili androgini glam rock e disco che hanno introdotto scarpe con plateau, colori vivaci, glitter e raso.

h/t: vintag.es

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Generalmente la silhouette più famosa della metà e della fine degli anni ’70 per entrambi i sessi era quella aderente sopra e sciolta sotto. Gli anni ’70 vedono anche la nascita dell’approccio casual chic indifferente e anticonformista alla moda, che consisteva in maglioni, t-shirt, jeans e sneakers.

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In Naples, winter belongs to Artemisia – Naples



Artemisia Gentileschi, Samson and Delilah1630 ca, Naples, Intesa Sanpaolo Collection, Gallerie d’Italia – Naples

Naples – It was the summer of 1630 when Artemisia moved to Naples: at 37, after an adventurous existence and a successful career, she found a new home in the capital of the Spanish viceroyalty. Second European metropolis by population after Paris, Naples offered a rather lively cultural life: the memory of Caravaggio was still fresh, while masters such as Josè de Ribera and Massimo Stanzione were busy embellishing the city with valuable works. The painter did not lack patrons – from Don Antonio Ruffo of Sicily to King Philip IV of Spain – or exchanges with the best artists present on the square. For the first time Artemisia found herself painting three canvases for the same church, the Cathedral of Pozzuoli in the Rione Terra, and she showed that she was able to renew her art by responding to the transformations of taste with new subjects.

The lady of seventeenth-century painting found the Bourbon capital so congenial to her spirit that, except for a brief stay in England, she decided to stay there forever. A story that so far no exhibition has ever told and that in December will finally be staged in the heart of Naples, at the Gallerie d’Italia in via Toledo. Made in special collaboration with the National Gallery of London, the project sees the director of the British museum Gabriele Finaldi in the role of specialist advisor and is curated by Antonio Ernesto Denunzio and Giuseppe Porzio, while other valuable collaborations come from the Museum and Real Bosco di Capodimonte and from the State Archives of Naples.

From 3 December to 20 March 2023 Artemisia Gentileschi in Naples will present a careful selection of works from Italian and international public and private collections, with a special space reserved for the most recent research. Themes and subjects dear to the painter in the last twenty years of her life will chase each other along the path of the exhibition, which will explore the enormous success met by Artemisia in the city and reconstruct the vibrant context of her work in Naples.

Following the thread of the paintings chosen by the curators, we can imagine the artist in his flourishing workshop, working with renowned masters in the city such as Stanzione, Onofrio Palumbo, Bernardo Cavallino. And we will discover how her iconographies and her subjects soon became popular with the Neapolitan public: from Cleopatra to Giuditta, the female heroines loved by Artemisia were taken with countless variations and successfully placed on the market, highlighting the painter’s influence on the environment. artistic Neapolitan. Here some of the most interesting ideas of the project are born, which we will discover thanks to a vast research campaign conducted for the occasion.

Read also:
Found in Austria the Roman Caritas by Artemisia Gentileschi





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Membranes and monsters. The new art rituals by Yuval Avital for the Reggio Parma Festival – Reggio Emilia



Yuval Avital, MembranesInstallation view, Foreign Bodies n.1, Cloisters of San Pietro Reggio Emilia, 2022 | Photo: © Andrea Mazzoni

Reggio Emilia – Return to the earth as a primal element, skin to skin. Penetrate into ancestral memories, to descend into a darkness full of doubts, fears, sometimes violence, and then go up again, purified, establishing a different contact with oneself and with others.
In the great epic of life translated into art by the artist Yuval Avital, the search for identity takes place which, in adulthood, proceeds backwards towards the origins.
The Bestiary of the earththe great art ritual that the Israeli multimedia artist, composer and guitarist conceived as the project of the year of Reggio Parma Festival – one of the most prestigious artistic associations in Italy, which since 2001, with the support of the Ministry of Culture, has been carrying out cultural promotion activities in the Parma and Reggio Emilia area – goes on inviting the public to new appointments scheduled until December.
The Bestiary of the Earththe great choral monograph, or meta-work in many stages as the artist himself defined it, which began last June 9, interwoven with dozens of unpublished works, including sculptures, scores, installations that assist the meeting (perfectly successful ) between theater and contemporary art, continues with two new appointments that invite the two cities, Reggio Emilia and Parma, to huddle in unison with Yuval’s song punctuated by multiple languages.
The exhibition Membranesin progress until November 13, concludes the first chapter of the project The Bestiary of the Earthan unconventional investigation focused on the sense of incompleteness felt by man, a feeling that becomes a driving force to search and discover the innermost folds of the ego, in a hybridization or contamination with the animal nested in each of us.


Yuval Avital, Membrane, Installation view, Cloisters of San Pietro, Reggio Emilia, 2022 | Photo: © Andrea Mazzoni

In Reggio Emilia, inside the Benedictine Cloisters of San Pietro, Yuval’s itinerary, curated by Marina Dacci, becomes an itinerary in seven stages in the many frescoed rooms of the historic building. On the ground floor there is a focus on painting and drawing, on the upper floor there is the project Foreign Bodies. The latter embraces a selection of photographic images of the three stages, developed from 2017 to today, in different European territories (Switzerland, Germany and now in Emilia exhibited here in preview) and a monumental multimedia installation in which moving images are accompanied from the sounds created by Yuval Avital in the long sleeve of the Cloisters.
With this determined, sometimes difficult nature, some dancers are called to measure themselves by seeking a deep contact between their body and the environment that surrounds them.


Yuval Avital, Membrane, Installation view Foreign Bodies n.3, Cloisters of San Pietro Reggio Emilia, 2022 | Photo: © Andrea Mazzoni

To enrich and simplify the reading of Foreign bodies in one room, the charcoal drawings sketched by Avital directly on the floor, reproducing the archetypal postures that involved the performers during the different sessions. A room is instead dedicated to listening to the dancers’ interviews on the lived experience.
On the ground floor, the environment of the painting and drawing section is confronted with the important decorations of the rooms, now moving away from them, now recalling them in a different key. The visitor’s journey is thus charged, from room to room, with the energy moved by the movement of color and sign, which marries the sound vibrations emitted by the Singing tubes.

Despite the different stylistic figures and the media used, the two floors of the Cloisters of San Pietro are ideally united by the development of common lines, which simulate a path that proceeds backwards towards the origins.


Yuval Avital, Membrane, Installation view Foreign Bodies n.3, Cloisters of San Pietro Reggio Emilia, 2022 | Photo: © Andrea Mazzoni

Avital transforms the theaters of Parma and Reggio into dreamlike spaces
Putting adulthood under the lens and developing topical themes of this phase of life, Membranes anticipates the three chapters of Monstrousan extraordinary multidisciplinary event that for three weekends, between November 18 and December 11will burst into the cities of Parma and Reggio Emilia, transforming the main theaters of the two cities – the Teatro Regio di Parma, the Teatro Due in Parma, and the Teatro Valli of Fondazione I Teatri Reggio Emilia – into dreamlike exhibition spaces.
The study of the symbolism of medieval bestiaries led Avital to create a collection of twenty bestial scenes. These unprecedented settings rework traditional iconography in a contemporary key, generating a living and relational laboratory that attempts to grasp the animal nature inherent in the human one. Actors, singers, performers, dancers, puppeteers will transform the spaces of theaters, even those usually not accessible to the public, into surprising live performances.

Membranes and the three chapters of Monstrous they are added to the interpretation on the equation of man and his animality in the here and now conducted by Avital for the Reggio Parma Festival and which has its roots in the tradition of bestiaries, the typical medieval treatises that have always been an iconographic source for artists , which collect descriptions of real and fantastic animals.


The Bestiary of the Earth by Yuval Avital | Photo: © Andrea Mazzoni

The current exhibitions at the Reggio Parma Festival
Next to Membranes, which opened its doors on October 1st, the exhibitions and installations already open in various locations in the city will continue throughout the autumn. Until November 27 at the Civic Museums of Reggio Emilia you can float in the huge wunderkammer of Exquisite anatomiesan artist exhibition that investigates the anatomical and poetic bodies in dialogue with the museum collections and, in particular, with the famous Spallanzani Collection.
Six more days, until 9 October, to let oneself be enveloped in the Casa del Suono in Parma, by the magnetic Song of the Zoophore, an unprecedented icon-sound installation by Yuval Avital which, using over 200 speakers, invites the public to get lost in a metaphysical womb. If until 30 October at Palazzo Marchi, in Parma, Persona multimedia exhibition created by Parma 360 in collaboration with Reggio Parma Festival, weaves site specific dialogues with the historical collections of the building, opening a reflection on the theme of the mask and our most intimate layers, until 16 October APE Parma Museum invites to decode Animal Lexicon. Prologue. This singular exhibition, curated by Cristiano Leone, brings together photography, performance, sound, video, installation, sculpture, painting, theater in a single vision, following a possible transformation of man into animal.
Finally, the permanent work performed by Simone Ferrarini, entitled Corpse Exquisa mural eighty meters long by ten high, definitively places Avital’s hybrid and fantastic beings at the Magazzino Farmacie Comunali Riunite in Reggio Emilia.


Il Canto dello Zooforo by Yuval Avital, Icon-sound installation, Parma, Casa del Suono, 10 June-9 October as part of the Reggio Parma Festival | Photo: © Samantha De Martin for ARTE.it

Read also
• Yuval Avital: I’ll tell you about my Bestiary of the Earth, a choral journey into the human fabric and its history
The Bestiary of the Earth by Yuval Avital: a hymn to the arts between Reggio Emilia and Parma on the edge of talent





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L’artista giapponese crea sculture di animali fatte di fiori metallici » Design di cui ti fidi


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L’artista giapponese Taiichiro Yoshida crea sculture di animali fatte di fiori metallici. Yoshida crea queste delicate sculture di uccelli e altri animali usando bronzo, rame o argento. La lavorazione dei metalli decorativi in ​​Giappone ha una lunga storia iniziata tra il quarto e il quinto secolo con abilità tramandate di generazione in generazione.

Di più: Taichiro Yoshida, Instagram h/t: 121 clic

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Koula Savvidou “Il tempo. And Time Again” a Rodeo, Pireo


Chi è Koula Savvidou?

Scherzavamo in galleria: “Koula Savvidou for President!” quando questo nome non significava altro che due parole e un mare infinito di emoji entusiasti sui nostri account di social media.

Chi è Koula Savvidou?

Un giorno, mentre ero seduto sul grande tavolo da pranzo di legno di Apostolos Georgiou, un piccolo oggetto di latta attirò la mia attenzione. Era una via di mezzo tra una classica cassetta delle lettere americana e il tipo di rubinetti che usavano un tempo per conservare l’acqua e lavarsi le mani e il viso con un piccolo rubinetto di ottone che gira e forse lascia scorrere il liquido.

Aveva quattro zampe corte che lo facevano sembrare un mammifero e un piccolo secchio che aspettava di essere riempito con… con cosa?

Poiché il padrone di quella casa non è del tipo ad accumulare oggetti, ho osato chiedere qual è lo scopo di questo contenitore e chi l’ha realizzato?

Dice Koula; Koula Savvidou.

Una specie di elettricità mi è passata attraverso, incanalata in modo errato. Sono rimasto perplesso su come questo nome possa essere collegato a questa cosa essenziale, primordiale e bella.

Chi è Koula Savvidou?

ho detto.

Sono passati tre anni e mi sono assicurato di conoscere chi è e cosa fa.

Quando ho viaggiato a Cipro, le sono stato ufficialmente presentato tramiteChristodoulos Panayiotou.

Tutte le donne che mostro sono straordinariamente belle e anche lei è nata una star.

Nella mia prima visita a casa sua, era impossibile non essere indiscreti.

Il suo appartamento, situato nelle peculiari ma estremamente familiari Tower Mansions di Nicosia in via Tennedou, è agesamtkunstwerk; e il tempo si è fermato lì.

Una combinazione di soffici divani imbottiti in cotone Artifort nei colori rossi, gialli e neri, e dal soffitto non così alto pendono luci Artemide basse a corde lunghe in blu Klein, in tinta con i telai delle finestre; un pianoforte laccato nero (il suo pedigree è pieno di musica e genialità) galleggia su un tappeto bianco sporco.

Tutto quanto sopra, e molto altro, mescolato con grandi sculture e disegni a matita incorniciati da spesse cornici di legno e pezzi da parete realizzati con filo e fili e legno di diversi decenni della sua vita. Un enorme corallo bianco domina il tavolino da caffè, una prova d’amore ma anche di uno stato tra sogno e realtà, vita e aldilà, e scultura. Una sinfonia di materiali e colori perfettamente combinati, molto rilassante per chi è cresciuto negli anni ’80 nel sud dell’Europa.

Il suo castello, isolato, è ancora il luogo in cui tutto accade, in solitudine e circondato da una poesia che si manifesta nelle disposizioni interiori. Ed è la Regina solitaria e errante, con alcune visite molto speciali e rare.

È stata una gioia e un onore entrare nel suo universo.

Non c’è niente di più toccante e serio di grandi artisti che danno spazio alla vita e ne sono definiti e fanno del loro genio uno sfondo per se stessi per affrontare la quotidianità.

Koula Savvidou è una di quelle persone straordinarie, come lo sono la maggior parte dei grandi artisti, almeno da questa parte del mondo; specialmente le donne. La cura e la guarigione sono stati elementi centrali della sua costituzione, una vera alchimista nella vita e nel lavoro che ha sempre combinato i materiali per risolvere gli enigmi e per il bene dell’equilibrio.

L’opera che realizza è definita dall’accostamento di elementi o materiali delicati che producono creature epiche, mitologiche, se è in gioco la figurazione, o proprio il contrario; produce opere di alta sensibilità da oggetti pesanti, taglienti e violenti.

Poiché è bloccata tra il corpo di un uccello esotico e una ninfa dell’acqua, così è il suo lavoro.

E se qualcuno lo chiamasse surrealista, non sarebbe un errore.

Pur mettendo insieme elementi disparati e carichi, parla di miti, antiche storie femminili di trasformazione, maternità e gravidanza ma anche molto dell’impossibilità di una società da riconoscere, e assegna all’artista un mezzo responsabile per catalizzare la ‘frenesia sensoriale’ di i nostri tempi.

“In una società in cui nessuno è adeguatamente riconosciuto dagli altri, ciascuno diventa incapace di riconoscere la propria realtà”.

Per la sua prima mostra al Rodeo, Koula Savvidou presenta un corpus di opere scultoree del periodo 1987-2021 insieme ad alcuni pezzi da parete. Alcune delle opere qui esposte provengono da “Sulla traversata solitaria di passaggi impraticabili,” la sua mostra personale che ha avuto luogo al Diaspro Art Center di Nicosia nel 1995.

Formatosi per diventare pittrice, e praticata in uno studio di grande architetto in Francia, il suo linguaggio è diventato scultura. Non ha mai smesso di dipingere, anche se non usa più la tela, con alcune eccezioni.

Le sue sculture sono per lo più sempre disegnate con toni terrosi, della terra bagnata dalla luce estrema del sole, della luna e della luce delle stelle.

La metamorfosi di Savvidou avviene isolatamente ed è ciò che dà forma a quelle figure, che stanno in piedi e aspettano una nuova vita. Come profughi in fuga queste anime perdute, corpi che cambiano pelle, identità e finalmente si trasformano.

a Rodeo Pireo, Pireo
fino al 3 settembre 2022



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A masterpiece in its place of origin: the “Birth of the Baptist” returns to the Oratorio dei Fiorentini – Bologna



The Oratory of the Florentines with the Birth of the Baptist by Sebastiano Ricci I Courtesy Banca di Bologna

Bologna – It doesn’t happen that often to be able to admire a work in the environment for which it was created. Especially if the place in question is part of a deconsecrated church for over 200 years, which ended up in private hands and then became the location of a bank. This is the case with the altarpiece of the Birth of the Baptista seventeenth-century masterpiece painted by Sebastiano Ricci for the Oratory of San Giovanni Battista dei Fiorentini. Removed from its seat in 1798, when Napoleonic officials closed the church for worship and used it for commercial use, the canvas is now kept in the National Art Gallery of Bologna together with other jewels from the same era.

Restored with respect for history by the Bank of Bologna, the Oratory of San Giovanni is now ready to welcome the altarpiece for eight months: on the occasion of the European Heritage Days, starting from Saturday 24 September and until 29 May 2023, the public you will be able to admire it in its place of origin thanks to a program of free guided tours that can be booked on the bank’s website (https://bit.ly/3QipPsr), in collaboration with the National Picture Gallery and the Alma Mater Studiorum University of Bologna.

The eventful representation of the Birth of the Baptist orchestrated by Ricci will thus return to dialogue with the magnificent frescoes created by the seventeenth-century masters Domenico Baroni, Mauro Aldrovandini, Giuseppe Rolli and Paolo Guidi for the vault and walls of the Oratory. Baroque jewel unknown to most, the cult building is located in Corte de ‘Galluzzi, a historic corner of the center of Bologna, on the upper floor of the ancient Church of Santa Maria also known as “Rotonda dei Galluzzi”, which the homonymous family aristocracy made at the foot of the thirteenth-century tower owned. After the family’s abandonment, the church was used by the Company of San Giovanni Battista dei Fiorentini, a congregation of velvet weavers devoted to prayer and penance, who restored it and built the Oratory.


Baroque decorations at the Oratorio dei Fiorentini (detail) I Courtesy Banca di Bologna

In short, the place itself will be a discovery for many: “The Oratory is an extraordinary Baroque symphony, refined and brilliant, unique in the Bolognese artistic heritage”, explain Dr. Mirella Cavalli of the National Art Gallery and Professor Luca Ciancabilla of the Alma Mater , curators of the initiative: “The aim of the project is the critical reinterpretation of this magnificent corner of the Corte de ‘Galluzzi in the light of the temporary relocation of the altarpiece, an event that we think could initiate an experimental approach and give new impulses to studies. The visitor will be accompanied inside the environment by the necessary explanatory apparatuses, useful for understanding the critical and historical reasons pursued by the new layout, as well as for the correct use of the place “.


Frescoes of the Oratory of the Florentines (detail) I Courtesy Banca di Bologna





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Sfaccettature: il designer ha creato una fantastica raccolta di “loghi eroi”, combinando la tipografia con personaggi popolari


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Secondo Sergey Kirmanov: “Vi presento una raccolta di loghi eroici. Presenta 20 eroi di diversi universi. È stato interessante per me combinare le immagini dei personaggi con la loro scrittura del testo. La risultante simbiosi di volti e lettere è stata nominata.

Di più: Behance, Instagram

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Brenda McMahon Art gallery in Gulfport, FL

Strategie per punti di prezzo per aumentare le vendite di opere d’arte


di Carolyn Edlund

Raggiungi una quota di mercato maggiore con una gamma di prezzi più ampia.

Galleria d'arte Brenda McMahon a Gulfport, FL

Per gentile concessione della Galleria Brenda McMahon

La maggior parte o tutti i prezzi della tua opera d’arte sono nella fascia più alta della scala? O il tuo portafoglio ha per lo più un prezzo più basso? Forse mantieni i prezzi moderati, ma entro un intervallo abbastanza ristretto. In ogni caso, considera di strutturare la tua collezione in modo da offrire una più ampia diffusione dei punti di prezzo. Questo ti aiuterà a fare appello a un pubblico più ampio e ai rispettivi portafogli.

In un’economia difficile, è facile credere di dover abbassare i prezzi per poter vendere. E non è una cattiva idea includere opere sotto i 100 dollari nella tua offerta. Ma rimanere in fondo alla scala dei prezzi può anche limitare le tue entrate. Nonostante le notizie di persone che tagliano le spese, ci sono ancora molti clienti che apprezzano la buona arte e sono disposti a spendere ciò che serve per acquistare e possedere qualcosa che amano.

Dai un’occhiata a ciò che hai attualmente e poi guarda come espanderti.

Prezzo di fascia media

Questo livello intermedio rappresenta probabilmente la maggior parte del tuo lavoro. Nel tempo, impari a stabilire il prezzo in base alla cronologia delle vendite e a riconoscere il Punto dolce. Questa è la tua fascia di prezzo più venduta, dove puoi effettuare vendite regolari e ripetere le vendite senza difficoltà. È facile rimanere in quella zona di comfort, ma puoi aumentare le vendite scegliendo una gamma più ampia che attiri i nuovi acquirenti.

Estremità inferiore

I clienti più giovani o più recenti potrebbero non essere in grado di acquistare uno dei tuoi originali, quindi questa fascia di prezzo consente loro di “acquistare” e possedere subito alcuni dei tuoi lavori. Man mano che le loro entrate aumentano, o se amano collezionare e sono disposti a risparmiare per il pezzo giusto, possono fare acquisizioni più costose in futuro. Assicurati di rimanere in contatto con questi nuovi clienti e coltivarli come collezionisti del tuo lavoro. E, considera l’idea di offrire piani di pagamento per aiutarli ad acquistare una straordinaria opera d’arte ora se si innamorano.

Dipinto di un orso di Kimberly Santini

“Honeysuckle” 24”x30”, dipinto acrilico di Kimberly Santini

La vendita di riproduzioni è una buona strategia per integrare la tua fascia più bassa. Pittore Kimberly Santini attende che gli originali siano stati venduti, quindi vende le riproduzioni e altri prodotti come un modo non solo per consentire gli acquisti da una base di acquirenti diversa, ma per mantenere un’immagine nel suo portafoglio dopo che è stata effettuata la vendita iniziale.

Prezzi ambiziosi

Man mano che diffondi i tuoi prezzi per acquisire più potenziali clienti, aumenta di livello i tuoi prezzi più alti per raggiungere un altro livello. Questo potrebbe essere considerato ambizioso per un collezionista, ma lo è anche per te come artista quando entri in un nuovo spazio nel mercato.

Se valuti il ​​tuo lavoro per pollice quadrato o per pollice lineare, potresti mantenere quella velocità costante e lavorare di più, oppure creare dittici o trittici da vendere solo come set. Oppure, disegna una collezione di fascia alta che sia notevolmente diversa o significativamente più complessa e diretta ai collezionisti più facoltosi. Questo può aiutarti a entrare in un nuovo mercato, potenzialmente attraente per un pubblico completamente nuovo che fa acquisti a un livello diverso.

Un lavoro più costoso può fare il doppio del dovere, fungendo da attrazione per coinvolgere tutti i tipi di clienti. Un artista che ha creato gioielli d’arte ha combinato le fasce di prezzo per creare un’esposizione molto efficace. Una collana da esposizione spiccava su un tavolo nel suo stand, attirando l’attenzione di acquirenti incuriositi interessati a possedere uno dei suoi modelli. Esposti intorno al costoso pezzo forte c’erano orecchini, collane e bracciali più piccoli, meno complessi e più convenienti della sua linea. I clienti potevano ancora acquistare pezzi originali fatti a mano dei suoi gioielli a un prezzo che non superava il loro budget.

Funziona bene anche per l’arte 2D. Le opere di prezzo più alto possono fungere da ancoraggi che conducono alla tua esposizione, dove è disponibile una gamma di opere di dimensioni e prezzi diversi. Controlla questo articolo per le tecniche espositive

Lavoro su commissione

Offerta commissioni è un altro modo per aumentare il tuo spread di prezzo. A meno che tu non stia aggiungendo una semplice personalizzazione, avrai più tempo ed energia investiti in questi progetti. È certamente opportuno addebitare dal 20% al 30% in più per commissioni speciali. Questo dovrebbe essere chiaramente indicato sul tuo sito web, nei materiali sui prezzi e nelle conversazioni con i clienti.

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