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All’interno di una fabbrica Porsche dei primi anni ’70 » Design You Trust


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La carrozzeria della Porsche 356 è stata prodotta manualmente presso la carrozzeria Reutter. La copertura della carrozzeria stessa è stata fissata al telaio del telaio saldato in più parti. I giunti sono stati riempiti con schiuma morbida (che era un processo molto noioso e che richiedeva molto tempo) e quindi levigati. Nel 1965 terminò la produzione della Porsche 356. Alla fine stavano già realizzando 25 body al giorno.

h/t: vintag.es

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Nel 1964, con l’introduzione della Porsche 911, Porsche ruppe con i metodi di produzione del passato. Da quel momento in poi le diverse unità strutturali vengono preventivamente assemblate e poi realizzate mediante saldatura o avvitamento della scocca.

Nel 1973, Porsche è stata la prima nel settore automobilistico a saldare la lamiera zincata alla carrozzeria. Questa è stata una pietra miliare per la protezione dalla corrosione delle auto. Nel 1979, nella produzione della Porsche 928, fu attivata la seconda linea di produzione.

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Questa è stata la prima volta che un sistema di sospensione è stato utilizzato per montare il telaio, che è stato poi ripreso brevemente quando è stata assemblata la Porsche 911. All’inizio degli anni ’80, Porsche passa all’utilizzo di stoccatori a rulli al secondo piano. L’assemblaggio è stato effettuato su vettura ferma, ma alla fine di ogni ciclo le vetture si sono spostate automaticamente all’interno della stessa operazione di produzione. Allo stesso tempo, Porsche ha continuato a sviluppare la tecnologia di produzione. Di conseguenza, i modelli Boxster e 911 sono ora assemblati insieme su una catena di montaggio in continuo movimento in un sistema di mix di modelli.

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Dal 1987, le carrozzerie precedentemente imballate sono state trasferite da una carrozzeria di nuova costruzione a un’officina di lucidatura e quindi alla sala di montaggio.

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mixed media cuff bracelet by Suzanne Valeriano

Gioielli di ispirazione vintage di Suzanne Valeriano I Artsy Shark


L’artista Suzanne Valeriano crea gioielli insoliti con materiali riproposti, vintage e di recupero. Visualizza più della sua collezione su di lei sito web.

gioielli fatti a mano da Suzanne Valeriano

“Collana di perle e strass vintage Vignette” ottone con catena di perle riproposta, spilla di strass, orecchino di strass e perle e colore acrilico, 9″L x 6″W

Sono un artista di gioielleria mixed media autodidatta che cura e disegna gioielli di moda fatti a mano. I miei gioielli hanno significato e sentimento e sono ispirati dalla storia della gioielleria della moda, dalle tendenze della gioielleria alla moda, da designer e innovatori famosi in tutto il settore.

gioielli fatti a mano da Suzanne Valeriano

Gioielli vintage e riproposti “Desert Sunset Cuff”, pelle e pizzo rigenerati, catena vintage, perline, inchiostro ad alcool e smalto, 7″L x 3″W

Ho provato la mia mano creativa in molte cose nel corso degli anni. Di recente mi sono innamorato della creazione di gioielli di ispirazione vintage. È iniziato con alcuni componenti di un gioiello vintage rotto a cui mi sono aggrappato dai tempi in cui possedevo e gestivo un negozio di rivendita con mia sorella e mia madre. Ho sentito che questi pezzi erano speciali. Sapevo che un giorno volevo creare qualcosa con loro.

gioielli fatti a mano da Suzanne Valeriano

“Sì! Madamoiselle Cuff Bracelet” fibbia vintage riproposta, orecchini di strass, perline di cristallo, filigrana di ottone, polsino riproposto e pizzo vintage, 7″L x 2.5″W

Avanti veloce fino a pochi anni fa. Ho iniziato a giocare con questi bellissimi elementi di gioielleria vintage. Non ci è voluto molto: avevo una catena vintage, alcuni anelli di salto e fili per le orecchie da un precedente lavoro di artigianato. In basso ed ecco, è emersa una bellissima collana e poi orecchini abbinati!

gioielli fatti a mano da Suzanne Valeriano

Spilla vintage e riproposta “Collana da giardino d’oro”, catena, francobolli, perle di vetro e nappa, cabochon di strass, catena di cristallo e colore acrilico, 13″L x 5″W

Queste sono state le mie prime creazioni di gioielli fatti a mano. Pensavo fossero abbastanza buoni e volevo farne di più. Inizia così il mio viaggio nella gioielleria artigianale. Sono sempre alla ricerca di componenti unici, provando nuove tecniche, assorbendo quante più informazioni dagli altri, sperimentando e insegnando me stesso lungo il percorso.

bracciale a polsini mixed media di Suzanne Valeriano

“Bracciale Pizzaz Cuff” in ottone riproposto, orecchino di cristallo austriaco vintage e perle di vetro, filigrana placcata oro, filo, strass e perle e smalto, 8″L x 3″W

I miei gioielli sono creati con parti e pezzi di gioielli vintage riproposti. Uso bottoni vintage, stampe, filigrana, pietre, perline, catene, accessori, pizzi di recupero, tessuti e rifiniture, nonché vecchi componenti di stock e riproduzione.

gioielli fatti a mano da Suzanne Valeriano

“All That Jazz Necklace” finiture in ottone vintage e riproposte, rose, stampe, frange di strass e catena in ottone, 14″L x 5″W

Inoltre, cerco perline e componenti unici realizzati a mano da altri artisti e creatori di talento, come il vetro lavorato a lume con fiori dipinti a mano. Amo supportare altri artisti. Occasionalmente acquisterò i loro lavori come una sorta di collaborazione e li includerò nei miei progetti e nelle mie collezioni di gioielli. Io do sempre credito dove il credito è dovuto.

gioielli fatti a mano da Suzanne Valeriano

Bracciale vintage “Floral Fantasy Bracelet” vuoto, ciondoli placcati oro, cabochon in lucite, strass, filigrana in ottone, perline di vetro ceche e inchiostro ad alcool, 7,5″L x 1,5″W

Ogni pezzo è concepito individualmente, curato e creato a mano. Uso abilità di base nella creazione di gioielli, materiali, varie tecniche e/o una varietà di media misti come vernice, inchiostro, patina, adesivi, resina, cera, smalto a freddo, glitter di vetro, mica, torcia, carta e pelle.

gioielli fatti a mano da Suzanne Valeriano

Spilla vintage con strass “Sun Kissed Magnolia Lucite & Rhinestone”, perline di ottone, vetro acrilico e lampwork, catena, resina, argilla e pigmento, 18,5″L x 4″W

I miei progetti iniziano con un punto focale e/o una combinazione coesa di uno o più elementi vintage o artigianali. Li costruisco con colori, trame e materiali complementari. Gli elementi sono disposti ad arte e assemblati fisicamente in modo intuitivo e strategico. Utilizzerò tutti gli strumenti, le tecniche e i media necessari per ottenere il risultato finale desiderato fai accadere la magia come mi piace definirlo.

gioielli fatti a mano da Suzanne Valeriano

Spilla floreale vintage “Floral Elegance Cuff”, cabochon vintage, perline, ottone filigranato e strass, 7″L x 2.5″W

La storia della gioielleria vintage, degli stilisti e della moda mi fornisce spunti creativi. Ispirano l’innovazione con colori, trame, materiali e temi. Ogni componente e processo agisce come un personaggio che gioca un ruolo nel risveglio di una nostalgia ricca di orgoglio e patina vintage.

gioielli fatti a mano da Suzanne Valeriano

Collana “Celebration Confetti Lucite Necklace” riproposta e vintage, cabochon in lucite e perle di vetro ceche, filo, catena, vernice patinata e smalto, 13″L x 6″W

Man mano che mi evolvo come artista di gioielli misti, continuo a imparare e crescere con ogni nuovo design o esperimento di gioielli. Sono sempre alla ricerca del prossimo nuovo mezzo, tecnica o abilità migliorata. Soprattutto, mi sforzo di realizzare favolosi ornamenti unici nel loro genere per qualcuno da vedere, sperimentare e amare.

L’artista Suzanne Valeriano vi invita a seguirla Facebook, Instagram e Tic toc.

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From Letizia Battaglia for “Being MAXXI” to Marina Abramović, the week on TV



Letizia Battaglia, The girl with the balloon, La Cala district, Palermo, 1980 | © Letizia Battaglia

“Photographing is like making love”. Letizia Battaglia was convinced of this and she devoted her whole life to telling a different Palermo from the one bent by the mafia, a “child Palermo”, as she herself defined it.
The moving journey through the story of the first Italian female photojournalist, an extraordinary and acute visual witness of the Italian life and society of the last 50 years, in particular of her Sicily, is the first of the five stages of the series. Being Maxxi. Born from the dialogue between Fremantle and MAXXI, in collaboration with Rai Cultura, the series offers a cycle of masterclasses which – in the spaces of the Roman museum designed by Zaha Hadid – will feature five undisputed masters of Italian arts and culture in the world, ready to reveal themselves on Rai 5 from 14 September to 12 October.
Among the female appearances of the week ready to tell art on TV from 12 to 18 September, Marina Abramović stands out, with the traveling retrospective in which the artist reflects on her life and on her 50-year career using the system of re -performance.
This and much more on the agenda of art on the small screen.


Marina Abramović | Courtesy Sky Arte

On Sky Arte with Van Gogh and Marina Abramović
The first appointment of the week with art on Sky takes us to Mantua. Tuesday 13 September at 1.15 pm at the Gonzaga court we will meet Andrea Mantegna, a master capable of creating absolute masterpieces, becoming one of the greatest painters of the Renaissance. The series “The great masters” will lead the public from home to discover the omnivorous artist, intellectual thinker and passionate lover of the classical tradition. Born into a family of modest conditions, he ended up in the shop of Squarcione who used him in the first part of his career. Freed of his master torturer, Andrea managed to create absolute masterpieces establishing himself as one of the greatest painters of the Renaissance, enchanting the Gonzaga family in Mantua with superb masterpieces such as the Wedding room.

The journey into art on the small screen continues from Mantua to Urbino. We meet on Thursday 15 September at 9.15 pm Raffaello. The Young Prodigy, following the extraordinary adventure of the Renaissance painter, with his eyes focused on a less usual aspect of his production, female portraits, timeless emblems of absolute beauty, constantly sought after. Valeria Golino’s voice will guide the viewer through a dreamlike journey into the magical enchantment of art.

A 400-year time jump accompanies us in the footsteps of Van Gogh. Saturday 17th September at 1.15pm Van Gogh – Sunflowers he will guide us between Amsterdam, Tokyo, London, Munich and Philadelphia, to investigate the mysteries behind Van Gogh’s iconic Sunflowers. Vincent created five paintings that show the same subject, now housed in the National Gallery in London, at the Van Gogh Museum in Amsterdam, the Neue Pinakothek in Munich, the Philadelphia Museum of Art and the Sompo Museum in Tokyo.


Vincent Van Gogh, Vase with twelve sunflowers, 72 x 91 cm, Oil on canvas, Munich, Neue Pinakothek

The week of Sky ends, Sunday 18 September at 9.15 pm, with a first vision entitled Homecoming – Marina Abramović. The Cleaner is the traveling retrospective in which the Serbian performer reflects on her life and her 50-year career using the re-performance system.

Being Maxxi: 5 masters of art meet on Rai 5
Wednesday, September 14, remote control aimed at Rai 5 which, on the occasion of the new season, will see the art programming move to prime time on Wednesday. The first appointment is for Wednesday 14 September with “Being Maxxi”, the series born from the alliance between Fremantle and MAXXI, in collaboration with Rai Cultura. This is a cycle of masterclasses that will see five undisputed masters of Italian arts and culture in the world as protagonists in the spaces of the Roman museum designed by Zaha Hadid. Thanks to the first-person story of Letizia Battaglia, Mario Cucinella, Piero Lissoni, Nicola Piovani and Michelangelo Pistoletto, the public from home will discover the secrets of the trade and the creative process that accompanies the creation of each work. To guide the story of the five protagonists, intimate and at the same time formative, will be six points: the beginnings, the family, the meetings, the study, the work, the success.
The first voice to tell the public, in one of his latest interviews, through fragments of memory, unpublished anecdotes, episodes and personal memories that make up a single story, the artist and the person, will be, on Wednesday 14 September, at 9.15 pm, Letizia Battaglia. The life of the artist for whom “photographing is like making love” was a continuous commitment to also tell a Palermo different from the one bent by the mafia, a “child Palermo”, as she herself defined it. The story is therefore a moving journey through the story of the first Italian female photojournalist, known throughout the world for her shots of the Mafia, an extraordinary and acute visual witness of Italian life and society in the last 50 years.
“Being MAXXI” is a Fremantle – MAXXI co-production and is made by Scarlett, from an idea by Ernesto Assante. Written by Chiara Salvo, Sabrina Bacalini, Virman Cusenza with the direction of Alessandro Galluzzi.


MAXXI National Museum of XXI Century Arts, Rome

On Arte tv Donatello, pop star of the Renaissance
There is an artist, a precursor of the High Renaissance, who, with his innovative vision of space, has influenced the art of sculpture over the centuries. His name is Donatello, protagonist of the documentary “Donatello: the pop star of the Rianscimento” broadcast until 2 December on Arte tv. Gifted with an out of the ordinary sense of observation, the Florentine master scrutinized the world like no other before him, approaching proportions and perspectives in a completely new way. He is also responsible for the great turning point that led colleagues of the caliber of Raphael, Leonardo da Vinci and Michelangelo to follow in his footsteps.
The documentary on Arte tv tells about his life, the relationship with the patron Como de ‘Medici and the great friendship with the architect Filippo Brunelleschi.


Roman Villa del Casale, Piazza Armerina

The many souls of Sicily light up on Rai Storia
Rai Storia Monday takes us to Sicily. For “It’s Italy, beauty!” let’s start to discover the island of many souls, Roman, Byzantine, Arab, Norman. These different civilizations, whose artistic and architectural styles have overlapped and then assimilated each other, have given life to a unique example in the world of “cultural exchange”. From the Roman Villa of the farmhouse in Piazza Armerina, in the province of Enna, we will move to Palermo, Panormos for the Greeks, Panormus for the Romans, Balaarm for the Arabs, Balermus for the Normans who wrote the most beautiful and original pages of medieval architecture Sicilian, bringing together the Greek East, the Latin West and Islamic art.





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La rana di Budgett sembra che qualcuno abbia provato a disegnare una rana normale dalla memoria » Progetta di cui ti fidi


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La rana di Budgett sembra così strana che ha acquisito una serie di soprannomi popolari, tra cui rana ippopotamo e rana Freddy Krueger. Hanno una testa grande che costituisce fino a 1/3 del corpo, con una bocca particolarmente ampia e arti corti e tozzi.

Di più: Wiki h/t: triste e inutile

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Questa specie è generalmente molto aggressiva e si gonfia quando minaccia di apparire più grande. Se questo comportamento non scoraggia l’intruso, emetterà uno strillo acuto, morderà e metterà all’angolo il bersaglio. Le rane di Budgett si nutrono di altre rane (hanno la reputazione di essere cannibalistiche), insetti e lumache.

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Puoi incontrarli allo stato brado in Paraguay e Bolivia, ma è un animale domestico popolare grazie al suo aspetto piatto e comico che sembra che qualcuno abbia cercato di disegnare una rana normale a memoria.

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Vanessa Disler “Light Sleeper” presso Damien & The Love Guru, Zurigo


EPISODI IN RICHIAMO EUFORICO

Nella formazione di un dipinto o di una scultura Vanessa Disler attinge da una moltitudine di fonti; un brano musicale; un estratto dell’autofiction degli anni ’70; l’atmosfera di un film Questi frammenti diventano stimoli per coltivare un linguaggio visivo utilizzato per comunicare gli stati psicologici suscitati dall’esperienza vissuta. Questa mostra da Damien & The Love Guru prende il titolo dal neo-noir del 1992 diretto da Paul Schrader, in cui Willem Dafoe interpreta uno spacciatore che ha una crisi esistenziale di mezza età. Il nostro protagonista alienato attraversa la città della notte, vendendo merci a yuppie e devianti benestanti come ‘Tis’ (un personaggio che ricorda Patrick Bateman) che è descritto nella sceneggiatura come “trentacinque, svizzero, giacca di lino, corno… cerchi, Cerruti Euro-swank”1. Elegantemente girato in tenebre crepuscolari, Persona con un sonno leggero ha una qualità distintamente onirica; è pieno di simbolismo visivo e i dipinti sono in primo piano. In una scena di sesso particolarmente artificiosa, una riproduzione ingrandita della merlettaia di Vermeer incombe sui due amanti.

di Schrader Persona con un sonno leggero affronta idee che da tempo preoccupano Vanessa Disler; kismet, incontri casuali, corrispondenze inquietanti e possibilità di comunicazione psichica. In un momento memorabile del film, il nostro protagonista John la Tour conversa con un ex amante e un tempo compagno tossicodipendente e riflette sull’edonismo della loro vita precedente. Rispondendo alle sue visioni rosee del passato, afferma che “la memoria conveniente è un dono di Dio: un richiamo euforico. Ricordi solo gli alti, mai i bassi”. Il termine ricordo euforico è usato dagli psicologi per descrivere una tendenza per cui i tossicodipendenti in via di guarigione si fissano su episodi del loro passato quando cercavano attivamente la stimolazione psicotropa. Questo trascende la semplice nostalgia; perché l’evocazione di tali ricordi può riattivare i percorsi di ricompensa neurologica nel cervello; i centri del piacere sono inondati di serotonina e vengono indotti picchi di informazioni estatiche.

Sebbene il termine abbia origine in psichiatria, il richiamo euforico può essere applicato anche ad altre sfere per descrivere il fenomeno per cui episodi del passato diventano catalizzatori del potenziale creativo. Il richiamo euforico può essere usato per descrivere Vanessa Disler che evoca l’anima artistica di Martin Disler (1949–1996), l’artista svizzero la cui eredità è stata per lei una pietra miliare per diversi anni. Ora ricordato principalmente come un sostenitore della Neue Wilde, il lavoro di Martin Disler rappresenta il modo in cui molti artisti nei primi anni ’80 tentarono di eludere quello che consideravano un approccio eccessivamente cerebrale ed eziologico alla creazione d’arte. Un outsider autoproclamato, Disler credeva che l’arte dovesse essere intensa, intima e spontanea. Vanessa attinge al vocabolario visivo di Martin condividendo la sua aspirazione a realizzare dipinti intrisi di significato personale, storico e archetipico. Anche lei è attratta dall’immediatezza viscerale dell’espressionismo e il suo impegno con la pittura è esuberante e sensuale. C’è un palpabile godimento nell’applicazione della pittura di Vanessa; le opere sono caratterizzate da pennellate rapide e vigorose create con gesti spontanei. Come il suo predecessore, Vanessa usa simboli archetipici nel suo lavoro, mostrati qui nelle immagini su ciascun lato della struttura dipinta; le raffigurazioni del giorno e della notte; il ciclo dell’eternità; la spirale quadrata e il motivo che ricorda una recinzione di cotta di maglia arrugginita. Entrambi condividono una propensione all’uso del linguaggio nel loro lavoro, come qui evidenziato nei tre ‘cancelli’ in acciaio installati nel giardino.

Il lavoro di Martin Disler particolarmente significativo per questa mostra da Damien & The Love Guru lo è Die Umgebung der Liebe, che risale al 1981 e può essere descritto come il suo opus magnum. Eseguito in quattro notti al Württembergischer Kunstverein di Stoccarda, dove è stato poi esposto, questo monumentale dipinto è lungo quasi 35 metri. Poche persone hanno visto Die Umgebung der Liebe di persona quando fu esposto nel 1981 ma divenne noto attraverso il passaparola e le riproduzioni su riviste e fu uno dei fattori che spinse Martin Disler a essere invitato a partecipare a Documenta 7 l’anno successivo. Ricordato soprattutto per Joseph Beuys’ 7000 querce, questa iterazione di Documenta è stata curata da Rudi Fuchs che, parlando della sua visione per la mostra, ha affermato di voler liberare l’arte dai “vari vincoli e parodie sociali in cui è coinvolta”. L’ambiente pittorico di Vanessa Disler, in cui lo spettatore deve entrare direttamente, riecheggia Die Umgebung der Liebe e un dettaglio del capolavoro di Martin Disler si trova nel poster della mostra “Light Sleeper”.

Oltre ad evocare Die Umgebung der Liebe la struttura che Vanessa Disler ha costruito all’interno della galleria ricorda un rifugio, un santuario o una camera di panico. Tale lettura è inevitabile in questo contesto, poiché la Svizzera è una nazione rinomata per i suoi rifugi antiatomici. La propensione per la costruzione di bunker iniziò sul serio all’inizio degli anni ’60, quando l’escalation delle tensioni della Guerra Fredda portò alla paranoia riguardo all’olocausto nucleare. Nel 1963 il governo ha emanato leggi che stabiliscono che tutte le case devono essere dotate di adeguati spazi di ricovero. Negli anni in cui molte di queste zone sono state adattate a cantine o studi musicali o semplicemente utilizzate come deposito. Eppure gli eventi degli ultimi anni hanno visto questi spazi riattivarsi e tornare alla loro funzione originaria. Il disastro nucleare di Fukushima e, più recentemente, l’invasione dell’Ucraina hanno riacceso i timori che molti pensavano fossero sepolti per sempre in passato.

A pochi chilometri dalla Zollikerstrasse 249, dove ora si trova l’ambiente di Disler, si trova l’Urania Bunker, uno dei più grandi bunker della protezione civile della Svizzera. I piani superiori di questo vasto complesso attualmente funzionano come un parcheggio multipiano noto come Urania Parking. Il bunker è stato costruito all’inizio degli anni ’70 sul sito di un rifugio antiaereo della seconda guerra mondiale esistente. Ma prima che iniziasse la costruzione del bunker nucleare Urania, il regno sotterraneo fu occupato da un gruppo di giovani controculturali che lo dichiarò fuori dalla giurisdizione svizzera e lo ribattezzò “Bunker della Repubblica Autonoma”. Nel 1971 il governo locale fece irruzione nel bunker e sfrattò gli abitanti. Le foto scattate prima della repressione catturano l’atmosfera inebriante di questa comune di breve durata. Queste immagini mostrano una massa di giovani seduti sul pavimento, che guardano ribelli alla telecamera. Sono circondati da murales che hanno dipinto sui muri di cemento; una serie di glifi; spirali; losanghe, ankh, un lemniscate e un occhio wedjat.

Padraic E. Moore

a Damien & The Love Guru, Zurigo
fino al 17 settembre 2022

1 Vanessa Disler non è la prima artista a realizzare opere che rispondano al film di Schrader. Nel 1992 David Salle ha prodotto dodici litografie che illustrano scene della sceneggiatura.



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L’artista illustra famosi film thriller come cartoni vintage » Design di cui ti fidi


Il brillante
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Sarah Sumeray è un’artista digitale che lavora su Procreate, specializzata in illustrazioni di fumetti vintage e pezzi ispirati ai cartoni animati con tubi di gomma retrò.

“Sono un artista con sede a Londra che crea arte e cultura pop ispirate ai fumetti retrò, reinventate come cartoni vintage. Il mio lavoro mira a presentare tutto ciò che ti aspetteresti dai fumetti per bambini invecchiati, inclusi mezzitoni sbiaditi, pieghe di carta e strappi. Tutto il mio lavoro è creato digitalmente ed è influenzato dai tanti fumetti che si sono impadroniti della mia casa”. – Sarah Sumeray

Di più: Sarah Sumeray, Instagram, Etsy h/t: noirpanda

Incubo su via Elm
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“Nel corso degli anni ho esplorato una serie di mezzi e stili: dal disegno dal vero con il carboncino, all’arte surrealista usando acrilici e oli. Ho sempre avuto un’ammirazione per gli stili artistici vintage ed è stato solo negli ultimi anni, quando ho scoperto il disegno digitale, che sono stato davvero in grado di esplorarlo ulteriormente. L’arte creata digitalmente ottiene un brutto colpo nel mondo dell’arte, ma ti permette di portare la tua immaginazione molto oltre… senza disordine!

Un fatto divertente su di me non correlato alla mia arte: ero un mago!

Grido
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“Quando si tratta di influenze, prendo ispirazione principalmente dai vecchi fumetti. Un illustratore in particolare su cui molti dei miei pezzi sono stati influenzati è Dan Decarlo, un fantastico fumettista che ha sviluppato il look iconico degli Archie Comics. Mi ispiro anche ai vecchi cartoni animati di tubi di gomma, in particolare quelli creati dal leggendario Max Fleischer. Come puoi vedere, adoro i film horror e alcuni dei suoi cartoni animati degli anni ’20 e ’30 erano come fantastici sogni febbrili. Guarda Betty Boop: Biancaneve e capirai cosa intendo!

Carrie
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“La parte più impegnativa del processo creativo per me è riuscire a catturare l’essenza di ciò che sto ricreando, producendolo in uno stile completamente nuovo… ma lo adoro! Quello che mi piace di più è lavorare sui dettagli per far sembrare la mia arte il più autenticamente invecchiata possibile”.

Esso
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“È gratificante poter ricreare qualcosa di un’era passata e dargli una svolta completamente nuova che è rilevante per l’era moderna. Penso che le persone si divertano a vedere un segmento della loro infanzia portato in vita in quel modo. Ho alcune commissioni private in programma e anche un progetto divertente con cui ho aiutato per una band che amo, quindi è eccitante!

Noi
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Sega
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Mezzogiorno
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Donnie Darko
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Spettacolo inquientante
10

Un lupo mannaro americano a Londra
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Mezzogiorno
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L’esorcista
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Cime gemelle
14

Fargo
15

Il telefono nero
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No
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Cime gemelle
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Archivio 81
19

Cime gemelle
20

Cime gemelle
21





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black and white circus photograph by Judy M King

Fotografia drammatica in bianco e nero di Judy M King I Artsy Shark


La fotografa Judy M. King presenta una raccolta di immagini in bianco e nero che illuminano gli abbaglianti artisti circensi. Trova più dei suoi diversi lavori su di lei sito web.

fotografia del circo in bianco e nero di Judy M King

Fotografia “Pushing the Boundary”, varie dimensioni

Il circo mi ha sempre riempito di meraviglia. Gli animatori si emozionano con costumi accattivanti, forza, coraggio e grazia. Mio Sotto il tendone portfolio presenta artisti circensi in bianco e nero su sfondi neri. L’uso del bianco e nero dirige l’attenzione sugli artisti. Unifica e semplifica le immagini. È meno previsto che mantenere gli abiti colorati e l’illuminazione.

Realizzo fotografie digitali eclettiche e non convenzionali. C’è gioia nello scegliere l’obiettivo, la tecnica, la prospettiva e il ritaglio. Mi sforzo per un design di grande impatto e pulito e fresco.

fotografia del circo in bianco e nero di Judy M King

“Custodito!” fotografia, varie dimensioni

Per me, la fotografia è la fusione di serendipità, intuizione, preparazione e abilità. La posizione selezionata del soggetto influenza la narrazione. Essere racchiuso e nascosto in un angolo inferiore è isolante e messo a terra. Tuttavia, guardare attraverso l’inquadratura suggerisce la libertà di sognare. Come un cucciolo, l’apripista sembra emergere e testare la sua ala fuori dal cerchio.

Sono felice quando posso registrare un momento decisivo o un evento fugace. Ad esempio, catturare il movimento solo con la finta spada frusciante e la mano tremante, ma da nessun’altra parte.

fotografia del circo in bianco e nero di Judy M King

Fotografia “Sella laterale”, varie dimensioni

Preferisco le diagonali dinamiche rispetto alle immagini statiche. Lo spazio negativo (vuoto) fornisce spazio. Qui, il soggetto può potenzialmente oscillare nel contorno nero come l’inchiostro.

fotografia del circo in bianco e nero di Judy M King

Fotografia “Forza, Equilibrio e Grazia”, varie dimensioni

Un’immagine simmetrica è perfettamente bilanciata. Tuttavia, preferisco le immagini asimmetriche; hanno meno prevedibilità, più tensione visiva e incoraggiano un maggiore controllo.

fotografia del circo in bianco e nero di Judy M King

Fotografia “King of Rings”, varie dimensioni

Una bassa velocità dell’otturatore può rivelare sorprese su ciò che è in movimento (sfocato) o fermo (nitido).

fotografia del circo in bianco e nero di Judy M King

Fotografia “Malia, il Mangiafuoco”, varie dimensioni

Il movimento radiale e una curva a S migliorano la composizione seguente. La combinazione di linee parallele errate (opposte) e armoniose aggiunge interesse.

fotografia del circo in bianco e nero di Judy M King

Fotografia “At Crossed Purposes”, varie dimensioni

Molte delle mie immagini hanno un simbolismo, una componente psicologica o spirituale, o fanno un commento sociale. Idealmente, decodifichi questi messaggi o hai le tue interpretazioni. Per me, l’immagine successiva simboleggia il conflitto, la guerra dei sessi. È grande e a fuoco. È minuscola e morbida. Vediamo una cattiva direzione delle loro linee verticali e orizzontali.

fotografia del circo in bianco e nero di Judy M King

Fotografia “Hooper”, varie dimensioni

Il ballerino attraversa con grazia il palco; le sue mani svolazzanti e le rivoluzioni sincronizzate del telaio sono evidenti. Il movimento arrestato contribuisce a una qualità 3D.

fotografia del circo in bianco e nero di Judy M King

Fotografia “Strong Man and Light Beams”, varie dimensioni

In una composizione equilibrata, i pesi visivi dei soggetti o delle forze opposte combaciano. Questo crea una sensazione di armonia. A volte l’equilibrio avviene attraverso il rispecchiamento o la simmetria. Le linee diagonali conferiscono dinamismo alle foto. Le immagini atmosferiche (con fumo, nebbia, pioggia, ecc.) hanno una morbidezza interessante.

fotografia del circo in bianco e nero di Judy M King

Fotografia “La Signora e l’Elefante”, varie dimensioni

Un’insolita angolazione della fotocamera e la giustapposizione di soggetti dissimili e mal indirizzati possono rendere una foto distintiva.

Le mie fotografie premiate appaiono in mostre personali e collettive, libri e riviste negli Stati Uniti e in Europa. Sono disponibile per critiche e presentazioni. La mia ispirazione viene da Dio e da una lunga lista di fotografi, artisti digitali, architetti, stilisti, pittori, poeti e comici.

Sul mio sito Web e sui social media, puoi vedere la varietà del mio lavoro. Include colori tenui e vividi, abstract e foto a più pannelli (dittici e trittici). Ho un portfolio che documenta la pandemia di COVID-19 e molto altro ancora.

L’artista Judy M. King ti invita a seguirla Instagram.

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Secondo Kwaku Amprako, grafico indipendente e specialista in design del logo: “Sono un grafico con sede a Londra, la mia casa da oltre 20 anni. Dall’inizio della mia carriera, ho fornito servizi di design del logo e identità. Ho una profonda passione per tutte le cose semplici e moderne. Sono orgoglioso di produrre lavori di qualità per i miei clienti.

Mi sono laureata all’Università dell’Hertfordshire e negli ultimi 5 anni ho lavorato con clienti straordinari tra cui Float, Snow-globe Exchange e Gameblok. Ho anche collaborato con agenzie per lavorare su progetti di alto profilo come FIFA, BET e Space Force. Il mio lavoro è stato premiato da Adobe Behance, con oltre 11 premi per il design del logo e i progetti di identità”.

Di più: Instagram, Behance

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Foto rare di una Marylin Monroe giovane e ancora sconosciuta che fa un’escursione nei boschi, 1950 » Design You Trust


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Ed Clark/The LIFE Picture Collection/Getty Images/Mashable/Wikimedia Commons

Queste foto sono state scattate nel 1950 dal fotografo di Life Magazine Ed Clark che ha ricevuto una telefonata da un amico della 20th Century Fox su un “pomodoro piccante” che lo studio aveva appena firmato.

Le sue foto di Marilyn offrono uno sguardo raro sui primi giorni della carriera di un’eventuale icona della cultura pop, quando una giovane attrice non era a conoscenza di ciò che gli anni a venire avrebbero portato.

h/t: foto storiche rare

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Ed Clark/The LIFE Picture Collection/Getty Images/Mashable/Wikimedia Commons

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Ed Clark/The LIFE Picture Collection/Getty Images/Mashable/Wikimedia Commons

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Ed Clark/The LIFE Picture Collection/Getty Images/Mashable/Wikimedia Commons

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A new painting by Artemisia Gentileschi enters the collection of the National Museum in Oslo



Artemisia Gentileschi, Judith and her handmaid with the head of Holofernes, 1639-1640, Oslo, National Museum | Courtesy National Museum

The head of Holofernes in the foreground, lying on a tray supported by the handmaid Abra, the left fist of Judith to grip the general’s hair, the right hand to stop the scimitar, while the gaze of the two women runs away, in the same direction .
One of the favorite scenes from Artemisia Gentileschi’s brush, in which the biblical heroine is portrayed with the severed head of the enemy general arrives at the National Museum of Art, Architecture and Design in Oslo to stay there forever thanks to the purchase by DNB Savings Bank Foundation, the independent Norwegian foundation that contributes to philanthropic causes in Norway and that since 2005 has bought works of art deposited in various Norwegian art museums with long-term agreements.


Artemisia Gentileschi, Judith and her handmaid with the head of Holofernes, 1639-1640, Oslo, National Museum | Courtesy National Museum

But let’s get to the new entry of the museum, Judith and the servant with the head of Holofernes, a rare work considering that Artemisia’s works usually show many uncertainties about attribution and dating. Instead in this painting, the name of the Baroque artist is clearly visible on the sword held by Judith, on the left side of the picture.
The work was carried out between 1639 and 1640, probably during the artist’s stay at the London court, where his father, the painter Orazio Gentileschi, active in the court of King Charles I was also located.

In London the artist lived a poorly documented period, from the end of 1638 to 1640, the year of his return to Naples.


Artemisia Gentileschi under the lens at the National Museum in Oslo | Courtesy National Museum

“We are proud to have another painting by Artemisia Gentileschi at the National Museum – explains director Karin Hindsbo. She was a monumental figure in her day and is an example of how artists have not always been neglected ”.

The new acquisition will make the National Museum of Art, Architecture and Design in Oslo the museum with the largest number of works by Artemisia Gentileschi outside Italy. In fact, the largest museum in Scandinavia, which reopened its doors completely renovated last June 11, houses two other masterpieces by the artist: the early work Saint Catherine of Alexandria (1614–15), and Penitent Mary Magdaleneas well as an older version of Judith and the handmaid with the head of Holofernes made by Orazio Gentileschi and on which Artemisia must have worked while in training at her father’s studio.


Artemisia Gentileschi at the National Museum in Oslo | Courtesy National Museum

“We are delighted that this masterpiece will now be on display at the National Museum in Oslo which will now boast four paintings by Artemisia Gentileschi, which is rare in any other museum,” says Anders Bjørnsen, manager for Art and Culture at the DNB Cassa Foundation in Savings.

The painting will be exhibited at the National Museum of Oslo before flying to Italy, on the occasion of the next exhibition dedicated to the Baroque painter, expected from 1 December 2022 to 20 March 2023 at the Gallerie d’Italia in Naples, at the end of which will return home.

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