Di Katie Rovito, stagista del terzo anno in Conservazione dei dipinti
Passeggiando per le gallerie d’arte britanniche, potresti notare un motivo screpolato o persino una trama simile a una pelle di alligatore sulla superficie di alcuni dipinti. Queste crepe si sono formate quando gli strati di vernice si sono asciugati in modo non uniforme. I pittori britannici della fine del 1700 erano notoriamente sperimentali, provando diversi materiali per imitare il…
Max Ernst, Edipus Rex, 1922. Oil on canvas, 93 x 102 cm. Private collection, Switzerland Album / Fine Arts Images / Mondadori Portfolio © Max Ernst by SIAE 2022
Ernst did not even think about promoting himself. At the Venice Biennale of ’54, for example, an usher did not recognize him and blocked him at the entrance, preventing him from participating in the ceremony for the delivery of the first prize for painting that had been assigned to him. The artist did not insist and went around the churches of the Serenissima, looking for a Tintoretto whom he wanted to admire since his arrival in the city.
Max Ernst, Men Will Know Nothing, 1923. Oil on canvas, 80.3 x 63.8 cm Tate, acquired in 1960 © Tate, London, 2022 © Max Ernst by SIAE 2022
“Ernst’s work”, Pech and Mazzotta affirm, “is extremely varied and multiform, it escapes any tangible definition, but it is always play, curiosity, wonder”. We will discover it at Palazzo Reale from 4 October to 23 February, in a full-bodied itinerary along 70 years of 20th century history, including paintings, sculptures, drawings, collages, photographs, illustrated books, some of which have been far from the exhibition scenes for several decades. On stage the story of a rich and adventurous creative parable, of illustrious friendships and extraordinary loves (Peggy Guggenheim, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, the ménage-a-trois with Gala and the poet Paul Elouard), of war and imprisonment from “Degenerate artist” sought after by the Nazis, until he moved to the United States for a new season of experimentation.
Max Ernst, Pietà or The revolution at night, 1923. Oil on canvas, 116.2 x 88.9 cm. Tate, acquired in 1981 © Tate, London, 2022 © Max Ernst by SIAE 2022
In nine chapters, the exhibition promises visitors a complete walk in Ernst’s universe between references and correspondences, with a multidisciplinary approach like his art. Here presented as a “neo-renaissance humanist”, as well as an extraordinarily multifaceted artist, Ernst was a profound connoisseur and visionary interpreter of the history of art, philosophy, science and alchemy. His work opens up to the public like a gigantic wunderkammer, inviting him to dive into a world of intriguing puzzles and amazing games of perception. “The life and work of Ernst – conclude the curators – represent an extraordinary journey through the twentieth century and offer ingenious ways to make poetry what is banal, to look with courage at the dark as at the light, to extend the gaze to the limits of the visible – yesterday as today ”.
Max Ernst, L’Ange du Foyer, 1937. Oil on canvas, 54×74 cm. Private Collection
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Simón Prades è un illustratore con sede in Germania che lavora principalmente su supporti analogici come inchiostro, matita e acquerello. Quindi utilizza i media digitali come strumento per ripulire e finalizzare le sue intricate creazioni.
“Lavoro e vivo con mia moglie e mio figlio a Saarbrücken, in Germania. Come illustratrice lavoro principalmente per clienti in ambito editoriale, ma anche editoriale, pubblicitario e cinematografico. Il mio processo di solito prevede il disegno con matita o inchiostro su carta e la colorazione digitale”.
Di più: Simone Prades, Instagram, Behance h/t: la griglia di ispirazione
Eliza Thornberry di Wild Thornberrys
Quanti di voi hanno visto cartoni animati con personaggi che non invecchiano e hanno desiderato di poter essere come loro e rimanere giovani per sempre? Serie dopo serie, i nostri amati personaggi vivono tante avventure senza preoccuparsi di invecchiare. Bene, almeno fino a quando Jorn Siberian non arriverà a loro!
Jorn è un artista che ha deciso di creare illustrazioni che mostrano come apparirebbero alcuni famosi personaggi dei cartoni animati da adulti. Crediamo che tu sia molto curioso di vedere i risultati, quindi non ti faremo aspettare.
Di più: Stazione artistica, DeviantArt, Instagram, Patreon h/t: noirpanda
Mabel Pines da Gravity Falls
Avatar Aang da Avatar L’ultimo dominatore dell’aria
Dipper Pines Da Gravity Falls
Wirt da oltre il muro del giardino
Ash Ketchum da Pokemon
Steven Quartz Universe di Steven Universe
Jimmy Neutron Da Jimmy Neutron: Boy Genius
Arnold Shortman di Hey Arnold
Yoh Asakura di Shaman King
Stewie Griffin di I Griffin
La pratica di Taguchi prevede la scoperta di presenze metafisiche nel tempo e nello spazio attraverso opere monocromatiche con strutture multistrato. Ad esempio, nelle opere create sovrapponendo fotografie a esposizione multipla dei propri dipinti e sculture, disegnando a olio sulle fotografie stampate e poi rifotografandole, esplora lo stesso territorio e opera allo stesso livello di una pittrice che trascorre molto tempo ore davanti a una tela, nonostante il mezzo sia la fotografia.
Il lavoro di Taguchi include spesso anche riferimenti a opere d’arte passate e l’applicazione di immagini preesistenti, come foto trovate anonime e ritagli di riviste. L’atto di cercare di interpretare il simbolismo delle immagini raccolte dal passato è informato dal Mnemosine Atlas di Aby Warburg. L’artista raccoglie i significanti degli spazi costellati della memoria da molteplici cornici temporali e frammenti di corpo in queste immagini ritrovate, a volte restaurandole, a volte reintroducendole nelle proprie opere, con l’obiettivo di moderare e incorporare il caso nello spazio-immagine.
“A Quiet Sun” è composto da un corpo di opere d’arte create per questa mostra e da fotografie trovate raccolte da Taguchi. Miti e ricordi anonimi prendono vita attraverso le azioni e le sensazioni tattili di varie presenze corporee conservate nella gelatina d’argento. Un approccio audace ma delicato al layout della mostra, che utilizza una forte luce naturale che inonda la galleria, al fine di rivelarne l’architettura, riallineare lo spazio e impregnarlo di più strati, è in parte uno sforzo di Taguchi per interpretare i problemi nella produzione fotografica da diverse angolazioni. Che tipo di luce emergerà dall’immobilità, quando questo corpus di fotografie forma un caleidoscopio di immagini nel diluvio di un sole tranquillo?
a Ginza Maison Hermès Le Forum, Tokyo
fino al 30 settembre 2022
Antonio Canova, Sleeping Endymion, 1819-1822, plaster and wooden base. Ravenna, Academy of Fine Arts
A key figure in an era marked by great historical and political upheavals that changed the face of Europe, Canova really taught the world hope in the future by bringing man closer to myth, inspiring, with the delicacy of his kind faces, feelings of harmony and peace.
But the Magdalene lying will not be the only precious presence in this long-awaited journey among the over 140 works, curated by Giuseppe Pavanello and Mario Guderzo, with the scientific direction of Barbara Guidi, organized by the Civic Museums of Bassano del Grappa in collaboration with Villaggio Globale International, the patronage and contribution of the “National Committee for the celebrations of the bicentenary of the death of Antonio Canova”.
An evocative story will combine the rich artistic and documentary heritage of Canova present in Bassano with masterpieces such as the marble of Princess Leopoldina Esterhazy Liechtensteinthe large plaster of the Religion of the Vatican Museums, the grandiose Mars and Venus from the Gypsotheca of Possagno, and again theSleeping endymion from the Academy of Fine Arts of Ravenna or the Dancer with her finger to her chin of the Pinacoteca Agnelli, just to name a few.
Antonio Canova, Notes on the journey to England, around 1815, Bassano del Grappa, Civic Library
These will be joined by the works that will allow us to reconstruct the context in which Canova lived, from Portrait of Senator Abbondio Rezzonico by Batoni, to works such as the Deposition by Paolo Veronese, Luck by Guido Reni, works that the sculptor himself brought back to Italy in 1815 thanks to a courageous diplomatic mission.
The route will help the public to reconstruct some important commissions, such as the Damossenus And Creugant, the funerary monument for Horace Nelson and that for Pope Clement XIII, the equestrian monument to Ferdinand IV of Bourbon and that for Napoleon. But he will also tell about the relationships with popes, nobles and patrons, evoking the relationships that Canova had with artists and writers of his time, from Angelika Kauffmann to Anton Raphael Mengs.
Paolo Caliari known as Paolo Veronese, Deposition of Christ, c. 1546-1549, Oil on canvas, 119 x 76 cm, Verona, Castelvecchio Museum
Signed by Studio Antonio Ravalli Architects as part of a larger redevelopment project for the entire Civic Museum of Bassano, the itinerary will unfold in three chapters: The man and the artist, Canova and Europe, Canova in History.
The great absentees on this journey – which promises to be rigorous but compelling, thanks also to the generosity and trust of many museums, institutions and collectors who have lent works of great delicacy, some of which have never been exhibited before in Italy – will instead be some famous marbles, officially on loan from the State Hermitage Museum in St. Petersburg, and then the Peace from the National Museum of Kiev, a splendid allegory in marble, of a shocking topicality. At the outbreak of the Russian-Ukrainian conflict, the renunciation of these loans was inevitable and convinced.
The hope is that the works of Canova, a man and diplomat of peace, may one day meet again from Russia and Ukraine, as a testimony to renewed times of serenity and dialogue.
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Per tutta l’estate si svolge silenziosamente una protesta subacquea nelle acque del mare intorno a Bergen. È pensato per essere vissuto in privato, in un momento di resistenza immersiva nello scambio delle merci, lontano dall’inquinamento sociale quotidiano. Offre invece un luogo per la meditazione e la guarigione dove ci si può confrontare con il sé e l’abisso o l’abisso nel sé. In questo luogo sopraffatto dalla natura, gli esseri umani vengono detronizzati e portati a un ruolo subordinato. L’antropocentrismo egocentrico della dialettica ordinaria è qui piuttosto sovvertito, e lascia spazio a una contemplazione senza peso.
I luoghi per i lavori mentre erano sommersi dal mare sono stati fuori dall’Ubåt Press a Laksevåg, dalla Bergen Architect School e dal Norway Fisheries Museum a Sandviken.
a Antipasto, Bergen
fino al 28 agosto 2022
Peter Paul Rubens, Violante Maria Spinola SerraC.1606-1607, Oil on canvas, 105 x 150 cm © The Faringdon Collection Trust, Buscot Park, Oxfordshire
Flemish area, late 18th century XVI, Jewel-button Florence, Uffizi Galleries, Treasury of the Grand Dukes, Inv. Treasure of the Grand Dukes Gemme 1921-2507
Among the works by Rubens who return to Genoa, the city for which the baroque genius created them by executing them for the richest of the Genoese of the time, visitors will appreciate the Portrait of Violante Maria Spinola Serra of the Faringdon Collection Trust, exceptionally detached from the walls of the suggestive Buscot Park mansion in Oxfordshire in England.
Alongside the hitherto unnamed lady, who is now recognizable thanks to studies in preparation for the exhibition, among other “returns home” will be exhibited San Sebastian from a European private collection – never shown in Italy, recently found and attributed to the commission of the famous leader Ambrogio Spinola thanks to an important documentary discovery – and the youth Self portrait of a Rubens about twenty-seven years old.
Offered by a private collector as a long-term loan to the Rubenshuis in Antwerp, the portrait thus exceptionally returns to the country where, around 1604, it was executed.
Next to the nucleus of paintings by the Flemish master, the paintings by authors that Rubens saw and studied, starting from Tintoretto and Luca Cambiasoand again of masters like Sofonisba Anguissola and Bernardo Castello, met in Italy and in particular in Genoa during his stay, or by painters with whom he collaborated, such as Jan Wildens and Frans Snyders.
Peter Paul Rubens, Self-portrait, about 1604. Oil on paper applied on canvas. Private collection, long term loan to the Rubenshuis in Antwerp
The grandeur of one of the major artistic capitals of the time, visited by one of the greatest painters of all time, will be shown to the public through drawings, accessories, tapestries, engravings, furnishings, ancient volumesclothes and jewels that confirm the Superba appellation conferred on Genoa.
The exhibition benefits from the collaboration of the City of Antwerp and the Centrum Rubenianum of Antwerp, the Embassy of Belgium in Italy, the Honorary Consulate of Belgium in Genoa, the City of Mantua, VisitFlanders and the Chamber of Commerce of Genoa.
The Palazzo Ducale appointment will be an opportunity to activate a project entitled Rubens 22. A Network the most important cultural network ever activated in Genoa around a single artist, conceived and curated by Anna Orlando.
From the museum, the tribute to the Flemish painter extends to the city where the visitor can follow a real Rubensian itinerary to discover the masterpieces in their permanent locations, such as the two altarpieces of the Church of the Gesù – The Circumcision of 1605 and The miracles of Blessed Ignatius of Loyola from 1620 – still placed on the original altars.
To indicate the itinerary in the city – which will also touch the sixteenth-century palaces that Rubens certainly visited, coming into direct contact with the owners and reproducing them in his famous book in the 1622 and 1626 editions, both exhibited in the original in the exhibition – they will be real focuses, completing the story that kicks off in the Palazzo Ducale exhibition.
Pieter Paul Rubens, Giovan Carlo Doria, 1606, Oil on canvas, 188 x 265 cm Genoa, National Gallery of Liguria at Palazzo Spinola © By permission of the Ministry of Culture – National Gallery of Liguria at Palazzo Spinola
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Carly headshot: Carly Rector, fondatore e capo architetto di CO2ign Art
Carly Rettore, fondatore di CO2ign artingegnere del software e mecenate di lunga data dell’arte digitale, ha parlato con noi dello stato del mercato per gli artisti che lavorano con i media digitali e dell’evoluzione di questo canale di vendita.
CR: L’arte digitale è qualsiasi arte creata con un computer piuttosto che con i tradizionali supporti fisici. Ciò copre una gamma molto ampia, dal disegno e pittura digitale in cui stai replicando inchiostro e pittura utilizzando una tavoletta e uno stilo, a mezzi esclusivamente digitali come la modellazione 3D e l’animazione, fino all’arte generata interamente da un algoritmo o intelligenza artificiale.
Ultimamente c’è stata molta attenzione su NFT e AI art. Ma penso sia importante ricordare che l’arte digitale esiste da quasi quanto i computer. Il più delle volte c’è un essere umano che lavora in gran parte allo stesso modo in cui gli artisti fanno con i pezzi tradizionali. Stanno ancora creando l’arte; hanno solo il vantaggio di livelli, filtri e un pulsante Annulla. Non c’è meno creatività lì, è semplicemente un mezzo diverso.
Schermata del sito Web: home page di CO2ign Art,. Grafica per gentile concessione di trash_panda_chils
AS: Quali canali ci sono per vendere arte digitale?
CR: Dipende da cosa intendi per “vendere arte digitale”. Arte digitale è fondamentalmente diverso dall’arte fisica. Non c’è un unico pezzo unico creato che l’artista possa trasferire a qualcun altro. Quando dai a qualcuno un file digitale, hai ancora il file. Entrambi potete continuare a condividerlo con tutte le persone che volete. A livello tecnico, su internet non c’è distinzione tra vedendo un’immagine e avendo l’immagine. Quindi, devi ridefinire cosa esattamente stai vendendo. Ci sono una serie di opzioni.
Puoi vendere accesso all’art – gli acquirenti pagano per vedere l’arte o per accedere a una versione completa o di qualità superiore. Le persone potrebbero acquistare un fumetto o un download ad alta risoluzione. Etsy e Gumroad sono modi comuni per gli artisti indipendenti di farlo.
Puoi vendere copie fisiche dell’art – stampandolo tu stesso o tramite i mercati di stampa su richiesta. Questo può includere mettere la tua arte su merce come custodie per telefoni e magliette. Stazione artistica vende stampe, per esempio, e Bolla rossa è popolare sul lato del merchandising.
Puoi vendere il creazione di nuova arte – lavoro commissionato in base alle specifiche del cliente. Questo può essere fatto tramite mercati freelance come Fiverr. Le commissioni vengono spesso offerte anche sui social media dove gli artisti hanno già dei seguaci.
Puoi vendere NFT d’arte, che sono token blockchain che funzionano come un “atto” per l’art. Le NFT rappresentano la proprietà in modo decentralizzato piuttosto che fare affidamento su un’unica autorità. Mare aperto è il più grande mercato NFT.
Finalmente, c’è una nuova opzione sulla mia piattaforma, CO2ign art. Puoi vendere copie digitali dell’art che aiutano a combattere il cambiamento climatico. Ogni copia ha una firma digitale verificabile nei metadati del file. L’immagine è ancora copiabile, ma la firma è una “prova d’acquisto” che identifica un singolo acquirente e uno specifico CO2 progetto di riduzione finanziato dal loro acquisto.
In tutte queste opzioni, l’acquisto può conferire o meno anche i diritti legali di utilizzo dell’art. Dipende dalle condizioni di vendita.
CR: Puoi anche ottenere entrate da patrocinio o donazione. Gli artisti usano spesso piattaforme come Patreon o Ko-fi dove le persone si iscrivono a un abbonamento mensile per supportare la tua arte. Questo tipo di sistema richiama il vecchio “patrono delle arti” in cui le persone facoltose finanzievano gli artisti per fare il loro lavoro senza necessariamente trarne direttamente qualcosa.
In pratica, gli artisti digitali spesso offrono uno o più dei precedenti nei loro livelli Patreon, e anche “bonus” come l’interazione con l’artista, una comunità che moderano, contenuti “dietro le quinte” e così via.
Come funziona CO2ign Art: come funziona: il processo di CO2ign Art per pubblicare e vendere opere d’arte
CR: Vendere l’accesso all’arte è difficile perché è così facile accedere ai contenuti online. È uno sfortunato conflitto. Il grande vantaggio di Internet e dell’arte digitale è che è facile raggiungere un vasto pubblico. In generale, gli artisti si divertono quando molte persone vedono e apprezzano il loro lavoro. Anche gli artisti (ragionevolmente) vogliono che il loro lavoro sia adeguatamente accreditato e pagato per questo. Tuttavia, se la tua arte è dietro un paywall, devi convincere le persone che vale la pena pagare per vederla. Ciò attirerà un pubblico molto più ristretto e devi controllare continuamente il web per assicurarti che nessuno lo renda disponibile gratuitamente. È una corsa agli armamenti di filigrane, script per cercare di interrompere il salvataggio del clic con il pulsante destro del mouse e così via. Sarà sempre una battaglia in salita che cerca di forzare la scarsità su un mezzo che fondamentalmente non funziona in quel modo.
Alcune delle altre opzioni ti consentono di condividere il lavoro liberamente, ma hanno problemi che possono rendere difficile fare soldi veri. Le stampe e il merchandising fisico sono popolari, ma vendono a prezzi bassi poiché si sentono come merci intercambiabili. Hanno margini ancora più bassi per gli artisti dopo i costi di produzione e spedizione. Le commissioni richiedono molto tempo e coordinamento con il cliente e sono difficili da eseguire ad alto volume. Patreon richiede fan molto impegnati e spesso molto lavoro “bonus”.
La visione ideale sia degli NFT che della mia piattaforma, CO2ign Art, è vendere la tua arte in modo veramente digitale senza doverne limitare l’accesso. Ciò richiede concentrarsi su un diverso tipo di valore. Questo non è inaudito. Ad esempio, nel mondo fisico le stampe firmate sono valutate più di quelle prodotte in serie perché le persone apprezzano la quantità limitata e il tocco personale dell’artista. Nel caso degli NFT, il valore è il token unico che rappresenta la tua proprietà sulla blockchain e il consenso collettivo dietro la sua autenticità. Nel caso di CO2ign Art, il valore è sostenere l’artista e combattere il cambiamento climatico. Questo è verificabile tramite firme digitali.
CR: In particolare, le NFT artistiche sono state la categoria delle NFT più resiliente di fronte all’attuale crollo delle criptovalute, il che dimostra che hanno un valore duraturo. Alcuni artisti hanno avuto molto successo nella vendita di NFT. Ci sono persone che credono profondamente in loro come la via del futuro.
Tuttavia, non credo che gli artisti dovrebbero aspettarsi di coniare un NFT e vederlo vendere. Statisticamente, la maggior parte degli NFT non vendee molti altri vendono solo una volta. Lo spazio NFT è molto guidato dal clamore della comunità e dall’aspettativa di ritorni futuri. I progetti NFT che vendono di più sono quelli in cui l’artista ha già un pubblico devoto, o in cui sono in grado di formare una comunità convinti di essere la prossima grande novità. Le collezioni con poche migliaia di varianti sullo stesso tema di base tendono anche a vendere più dei pezzi unici, perché è molto più facile costruire una comunità attorno a questi, e quindi avere un mercato secondario.
Personalmente, penso che gli NFT si stabiliranno per essere più utilizzati dove sono più utili, che è per il tipo di arte in cui l’autenticità e la provenienza sono molto importanti. Si tratterebbe di pezzi di alto profilo o oggetti da collezione che vengono scambiati frequentemente. La maggior parte dell’arte non rientra in quella categoria nemmeno nel mondo dell’arte tradizionale, ed è raro che un pezzo venga venduto più di una volta. Ciò non significa che l’altra arte non abbia valore; chiaramente la gente compra arte anche quando non è un Picasso autentico o una trading card. Semplicemente non è lo stesso tipo di valore.
Illustrazione di Rita Vigovszky: “Connection” di Rita Vigovszky (disponibile su CO2ign Art)
CR: Siamo davvero a un punto di svolta per l’arte digitale in molti modi. L’arte si muove sempre più online. Le persone che sono cresciute facendo arte sul proprio iPad ora sono degli adulti che creano opere straordinarie. C’è un accesso senza precedenti a riferimenti e tutorial online e ogni giorno escono nuovi strumenti che consentono agli artisti di fare cose che prima sarebbero state ardue o impossibili. Un singolo artista con un budget modesto ora può realizzare animazioni impressionanti o truccare un modello 3D per rispecchiare le proprie espressioni facciali. Le persone possono dipingere in live streaming e farsi guardare da migliaia di persone. Ci sono mezzi completamente nuovi che stanno nascendo.
Allo stesso tempo, ci sono sicuramente lotte. La facilità di accesso all’arte online ha portato a molti furti e violazioni del copyright e molte polemiche su ciò che conta come furto e violazione del copyright. Le persone che realizzano questa straordinaria arte spesso non ci guadagnano e si vedono rubare il loro lavoro creativo.
Tuttavia, c’è anche una quantità crescente di attenzione su queste cose e quindi molte persone cercano di affrontarle. Ci sono nuovi modi per valorizzare il lavoro svolto dagli artisti, come Patreon, NFT o CO2ign Art. Ci sono modi per identificare la violazione o tenere traccia di chi ha creato qualcosa, ad esempio DeviantArt Protect o il Iniziativa sull’autenticità dei contenuti.
Sono sicuro che questi sforzi continueranno. In definitiva, gli artisti digitali sono artisti. Ci sono abbastanza persone che credono nel valore del lavoro creativo che gli artisti fanno che le opportunità continueranno a migliorare per gli artisti digitali in futuro.
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Paul Cezanne, Still life with apples1893-1894, Los Angeles, The J. Paul Getty Museum
Paul Cézanne, Bathers, around 1894-1905. Presented by the National Gallery, purchased with a special grant and the aid of the Max Rayne Foundation, 1964
Among the pieces selected by the curators we will find surprising early paintings such as Scipiorecently at the center of a debate related to the change of the original title (The negro Scipio), considered racist by the organizers of the exhibition, and then iconic works rarely seen in Europe such as the Basket of apples or Still life with coffee pot, melon and sugar bowlbut also one of the last paintings, The seated mancompleted a few months after the artist’s death.
Paul Cézanne, Basket of Apples, 1893. Art Institute of Chicago
The famous series of Mont Sainte-Victoire will invite the viewer to appreciate the development of Cézanne’s style through time, while numerous examples of Bathers they will illustrate his love for a subject he returned to throughout his life. Finally, the paintings dedicated to loved ones, from Madame Cézanne in the red armchair to the Portrait of the artist’s son (Musée de l’Orangerie Paris), windows open onto the author’s private life.
Paul Cézanne, Portrait of the Artist’s Son, 1881-2. Paris, Musée de l’Oriangerie, Jean Walter and Paul Guillaume Collection
At the center of the exhibition, the story of an ambitious and highly original painter, but for a long time rejected by the Parisian artistic establishment. We will imagine him as a child in Provence next to little Émile Zola, or as he forms a special friendship with Camille Pissarro and joins the Impressionists, before returning to his own path. Immediately appreciated by Monet – “the greatest of all of us”, said the master of the Water lilies – Cézanne was loved by many by the great masters of the modern, who were the first collectors of his paintings: from Paul Gauguin to Henri Matisse, from Pablo Picasso to Henry Moore.
After the inauguration on October 5th, The EY Exhibition: Cézanne will be open to the public at the Tate Modern until March 12, 2023.
Paul Cezanne, The François Zola Dam (Mountains in Provence), 1877-8. Amgueddfa Cymru – National Museum of Wales
