Ponti

Florence – Is it possible to draw a line between reality and perception? What relationships exist between subjective vision and shared experience? On these questions almost as old as the world Olafur Eliasson builds the contemporary spectacle of his art. The largest exhibition ever dedicated to him in Italy is preparing to go on stage from tomorrow to Strozzi Palace, in a setting that promises surprises. From the colonnaded courtyard of the Pollaiolo to the elegant rooms of the noble floor, the Scandinavian artist transforms the Renaissance building into a means of creating. Along the way, historical installations and newly produced works interact with fifteenth-century architecture in a dynamic process in which windows, ceilings, corners and walls become protagonists thanks to lights, mirrors, screens and colored filters. Eliasson thus presents a plurality of possible narratives of space, challenging the distinctions between reality, perception and representation.

“Olafur Eliasson. In your time”, Palazzo Strozzi © Photo Ela Bialkowska OKNO Studio

“In 2015 Olafur visited the spaces of Palazzo Strozzi for the first time and was struck by the Renaissance architecture, thus starting a long conversation between him and the fifteenth-century palace”, says the director general of the Palazzo Strozzi Foundation Arturo Galansino. Thus was born “the first major exhibition created in Italy on one of the most original and visionary contemporary artists”, with which, after the projects dedicated in recent years to Marina Abramović, Tomàs Saraceno and Jeff Koons, the Florentine exhibition space continues its exploration of the art of the present.

“Olafur Eliasson. In your time”, Palazzo Strozzi © Photo Ela Bialkowska OKNO Studio

“In your time is a meeting between works of art, visitors and Palazzo Strozzi “, explains Eliasson:” This extraordinary Renaissance building has traveled through the centuries to welcome us here, now, in the twenty-first century, not as a simple container but as a co-producer of show. It is not only Palazzo Strozzi that has traveled through time. As a visitor, each of us has lived, with a relationship between body and mind that is always different in an individual way. Each with their own stories and experiences, we meet in the here and now of this exhibition ”.

“Olafur Eliasson. In your time”, Palazzo Strozzi © Photo Ela Bialkowska OKNO Studio

The starting point of the path is the unprecedented site specific installation Under the weatherconceived for the courtyard of the palace: a large 11-meter elliptical structure suspended 8 meters high, which with its moiré effects destabilizes the rigorous orthogonal architectures of Pollaiolo. As visitors move around the courtyard, the work is continually transformed in their eyes into a hypnotic atmosphere, taking on a different aspect as the points of view change. The game has just begun: from this moment on, shapes, lights, colors, curtains of fog and spectacular rainbows will challenge the historic environments of the noble floor between optical illusions and immersive inventions.

Olafur Eliasson, You view matter, 2022 © Photo Ela Bialkowska OKNO Studio

Up to the Strozzina, where the other unpublished piece of the exhibition is presented. You view matter (2022) exploits virtual reality technologies to experience new encounters between digital space and visitors’ bodies: wearing a special viewer, the public will enter the geometric world of platonic solids, also animated by iridescent moiré effects. “The experience of this work is based on unlearning and relearning how to use the sense of sight, involving not only the eyes but also the whole body and our mind”, says the author.

“Olafur Eliasson. In your time”, Palazzo Strozzi © Photo Ela Bialkowska OKNO Studio

Designed by Studio Olafur Eliasson, promoted and organized by the Palazzo Strozzi Foundation, Olafur Eliasson. In your time it will be open to visitors in Florence from tomorrow, Thursday 22 September, until 22 January 2023. The project is part of the initiatives of the Florence Art Week, scheduled from 16 to 24 of this month.

For fans of the Scandinavian artist, the surprises do not end there: from next November 3 to March 3 2023 a new exhibition will be staged at Rivoli Castle. There is great anticipation for Shaking horizonswhich on the occasion of the Turin Art Week will present another unpublished work by Eliasson: an immersive site specific installation that will embrace the entire area of ​​the Manica Lunga of the castle, to play again with the cognitive and cultural dimensions of perception.

Olafur Eliasson, Color spectrum kaleidoscope, 2003. Colored glass filter, stainless steel, 180 x 75 x 200 cm. Private collection I Courtesy of the artist, Galería Elvira González, Madrid, and neugerriemschneider, Berlin. Photo: Sofia Corrales © 2003 Olafur Eliasson

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• In the realm of perception. From Florence to Turin, a double appointment with Olafur Eliasson
• In real life: Olafur Eliasson at the Guggenheim in Bilbao

Di Marissa Maynard

La superba collezione di fotografie del Cleveland Museum of Art (CMA) abbraccia la storia del mezzo e offre una vasta gamma, dalle fotografie con custodia alle stampe su carta salata alle stampe digitali colorate. Per la maggior parte dei processi fotografici, lo strato dell’immagine è composto da particelle d’argento in un’emulsione. Alcuni dei trattamenti di conservazione più complicati per le fotografie sono la pittura interna e la creazione di riempimenti per l’emulsione mancante. È difficile abbinare il colore e la brillantezza che variano da foto a foto e, anche se molto sfumati, queste variazioni sono percepibili dall’occhio umano. Nell’ambito della mia borsa di studio Andrew W. Mellon nel dipartimento di conservazione del CMA, sto conducendo ricerche sull’applicazione di pellicole di nanocellulosa fuse nella conservazione delle fotografie (fig. 1), che ha il potenziale per espandere le opzioni di trattamento per un’ampia varietà di materiali fotografici nella collezione della CMA.

Queste tre fotografie in bianco e nero che seguono illustrano bene la varia gamma tonale che incontriamo con le fotografie. Sebbene non sia stata catturata qui, ogni fotografia varia anche in modo significativo nella lucentezza: la stampa platino (fig. 2) è essenzialmente priva di lucentezza (opaca); la stampa all’albume (fig. 3) porta una lucentezza morbida (semiglossa); la stampa alla gelatina d’argento (fig. 4) ha una finitura lucida (high gloss) associata a una superficie brunita mediante essiccazione su una superficie metallica molto lucida in un processo chiamato ferrotipizzazione. Due delle opere sottostanti (2009.13 e 1976.156) sono attualmente in mostra nella galleria 242B nella rotazione delle collezioni permanenti Testo e immagine nell’Asia meridionale​.

Prima di discutere il nocciolo della questione del mio progetto, diamo un’occhiata più da vicino alla nanocellulosa. Un polimero naturale che deriva dalle piante, la cellulosa è il componente principale della carta. La nanocellulosa è una cellulosa altamente purificata e lavorata composta da minuscoli frammenti di fibre che vengono misurati su scala molecolare. Sviluppato originariamente per l’industria farmaceutica come rivestimento antimicrobico, si è spostato in altri settori, tra cui quello alimentare in sostituzione dei riempitivi di carboidrati e l’industria tecnologica come substrato per i dispositivi elettronici.

La nanocellulosa, che è ancora abbastanza nuova nel campo della conservazione, può essere utilizzata sia per trattamenti strutturali che cosmetici. Ha una struttura definita e può essere colata per formare sottili lastre trasparenti (fig. 5) con proprietà utili sia ai trattamenti fotografici che di conservazione della carta. Esistono diversi tipi di nanocellulosa, ma i conservatori tendono a lavorare con le nanofibrille di cellulosa (CNF), che sono composte da fibrille aggrovigliate (fibre minuscole) e hanno una flessibilità simile alla carta. L’elevata resistenza alla trazione della nanocellulosa la rende un materiale adatto per riparare gli strappi della carta. I conservatori apprezzano anche la nanocellulosa per la sua trasparenza, livelli di brillantezza variabili e capacità di assorbire il colore, tutte caratteristiche che ne estendono l’uso a trattamenti cosmetici come il riempimento e il mascheramento delle perdite nello strato di emulsione e nell’immagine in una fotografia.

Incuriosita dal potenziale del materiale nei trattamenti di conservazione, la mia ricerca è stata progettata per esplorare diverse proprietà della nanocellulosa. Nel contesto della riparazione dello strappo e della compensazione della perdita di immagine su una fotografia, lo spessore e la resistenza alla trazione sono proprietà di lavoro importanti. Lucentezza, trasparenza e colore sono proprietà ottiche importanti per i riempimenti estetici.

La nanocellulosa è abbastanza facile da preparare per la colata, richiedendo solo acqua, qualcosa con cui mescolare e una piastra Petri di plastica o uno stampo in silicone. Per il mio progetto, ho utilizzato una sospensione in acqua di nanocellulosa microfibrillata (MFC) al 2,4%.

Per prima cosa, ho mescolato una piccola quantità della sospensione di nanocellulosa con acqua e l’ho lasciata agitare per 10 minuti. In un becher a parte ho mescolato un materiale colorante con una piccola quantità di acqua. Complessivamente, ho testato quattro diversi materiali coloranti: acquerello, colori QoR o acquerelli solubili sia in etanolo che in acqua, pigmenti Carriage House (colorante usato per colorare la polpa di carta) e acrilici. Quando adeguatamente miscelate, le soluzioni di nanocellulosa e colore sono state combinate e agitate per altri 10 minuti. Una volta ottenuta una dispersione omogenea, ho versato uguali quantità in stampi di silicone da tre pollici e li ho lasciati asciugare all’aria per circa una settimana (fig. 6).

Una volta che il materiale si è asciugato, ho rimosso con cura i fogli dagli stampi e ho scattato foto utilizzando diverse fonti di luce (fig. 7) per documentare i risultati. La luce trasmessa (in basso a destra) utilizza la luce che passa attraverso il foglio ed è ideale per valutare la distribuzione del colore. Ho anche descritto le mie osservazioni sulla distribuzione del colore, il grado di lucentezza (quanto brillante o opaco) su entrambi i lati dei fogli colati, la facilità con cui i fogli sono usciti dallo stampo e se il colore si è trasferito durante la manipolazione. Non vogliamo che il colore si trasferisca alle nostre fotografie! Ho usato tutte queste osservazioni per informare e modificare la mia procedura per migliorare i fogli in ogni prova successiva. L’obiettivo era un foglio intatto, uniformemente spesso con una dispersione uniforme del colore.

L’ostacolo successivo era come applicare o far aderire i fogli di nanocellulosa a una fotografia. Ho provato diversi adesivi tra cui gelatina, metilcellulosa, Klucel G e pasta di amido di frumento, tutti comunemente usati nella conservazione della carta e delle fotografie. Li ho applicati su un pratico pezzo di carta giapponese (fig. 8) e ho preso nota di quale funzionava meglio.

Una volta che le prove e il lavoro di preparazione sono stati completati, il passo successivo è stato quello di esercitarsi utilizzando una varietà dei campioni di maggior successo. Ho ordinato un set di 100 fotografie vintage da eBay che includevano stampe di albume e gelatina d’argento e mostravano una serie di problemi di condizione. Mi sono assicurato di selezionare una varietà di tonalità e lucentezza per i miei trattamenti di pratica.

Per una fotografia con emulsione mancante (fig. 9), ho scelto una nanocellulosa colata con la corrispondenza tonale più vicina. Ho applicato metilcellulosa alla perdita e poi ho posizionato rapidamente il pezzo di nanocellulosa colata sulla perdita usando Mylar come barriera (figg. 10, 11). Grazie alla sua sottigliezza e sensibilità all’umidità, la nanocellulosa può essere facilmente impressa con la consistenza, comprese le impronte digitali, quindi è necessaria la barriera in Mylar. Nessuno vuole impronte digitali extra sulle proprie fotografie!

Questa ricerca continua; per esempio, un’altra proprietà importante da abbinare ai riempimenti in nanocellulosa è la struttura della superficie. I casi di test preliminari mostrano che la nanocellulosa tonica è una possibile soluzione di trattamento per compensare la perdita di immagine in materiali fotografici complessi.

Il fotografo Chang Ki Chung cattura straordinarie fotografie di natura morta di cibo. Chang Ki bilancia sorprendentemente la sua esplorazione visiva in senso figurato e letterale.

Costruisce e fotografa delicate torri di verdure, frutta, piante e pane, riunendo le loro diverse dimensioni e forme per formare straordinarie fotografie di nature morte. Chang Ki Chung inizia come fotografo di moda nei dipartimenti pubblicitari di importanti gruppi coreani come Amore Pacific e Cheil Communication.

Di più: Chang Ki Chung, Instagram h/t: 121 clic

Reggio Emilia – From the San Lazzaro Archives, from the Museum of the History of Psychiatry of Reggio Emilia, what was once the “Asylum” of the city, the unpublished creations made by the former patients come out for the first time to show themselves to the public in an original exhibition dedicated to restless art.
They will be part of the over 140 works through which the great interpreters of the brush, from the twentieth century to today, have wanted to reveal the creative urgency and vitality of the languages ​​of art, necessary to explore the infinite faces and expressions of human identity.
From November 18th to March 12th masters like Paul Klee, Max ErnstAlberto Giacometti, Jean DubuffetAntonio Ligabue, Pietro Ghizzardi, Cesare Zavattini, Maria Lai, Alighiero BoettiEmilio Isgrò will investigate as never before done in an exhibition, “Restless Art”, exploring the theme of a restless identity that questions our time, through paintings, sculptures, graphics, drawings.

Werner Neuhaus, The painter friend Albert Müller, 1925, Oil on canvas, 76 x 128 cm, Museum of Art of Italian Switzerland, Lugano. Canton Ticino Collection

The path, curated by Giorgio Bedoni, Johann Feilacher and Claudio Spadoni, will give expression to the creative impulse of the artists who created unique works that surprise, amaze and still involve the visitor today. There are works from excluded worlds, today considered a precious and necessary archive of the imagination, the languages ​​of Art brut and those of Paul Klee, Max Ernst, of Surrealism.

If “restless art” is considered the daughter of personal and collective events, of research, of that expressive urgency of the artist who returns his feverish activity to the public, the thematic rooms of the exhibition are preparing to become the casket of a dialogue that he compares authors and works in a path that delves into the burning vitality of the artist, in his restless search for identity.

Antonio Ligabue, Self-portrait with tower, 1948, Oil on hardboard, 36 x 52 cm, Private collection

“Art must communicate, send messages using strong, barbaric, violent, vandalic expressions. Art scratches and disturbs, it is screeching, imperfection and invention. This is why we must oppose the rationalism that wants to invade territories that do not belong to it, the territories of the imaginary ”.
This is how the Danish painter Asger Jorn thought, seeing in art a seismograph sensitive to uncertain boundaries, capable of asking questions about the nature of man, about collective dreams and desires.

The exhibition ready to land in Reggio Emilia – promoted by Fondazione Palazzo Magnani together with the Municipality and the Ausl of Reggio Emilia – will be the culminating moment of Restless Identitythe agenda of events, exhibitions and performances promoted by various cultural institutions in the area in order to collect questions and show visions on the infinite nuances of identity.

Keith Haring, Untitled, 11/06/1984, Acrylic on canvas, 100 x 100 cm, Private collection