Action Verbs | Art21 Magazine

Verbi d’azione – Rivista Art21


Richard Serra, veduta dell’installazione al Guggenheim Museum Bilbao, 1999. Produzione still from the Arte nel XXI secolo Episodio della prima stagione, Luogo. © Arte21, Inc. 2001.

Wuando saluto i miei studenti alla porta all’inizio della lezione d’arte, invariabilmente alcune voci impazienti suoneranno: “Cosa facciamo oggi?” Di solito rispondo con qualcosa del tipo: “Entra e scoprilo!” o “Fare arte, ovviamente!” Ma quelle risposte sono troppo semplici. Non chiedono: “Cosa stiamo facendo oggi?” Se lo facessero, la risposta sarebbe probabilmente: un disegno, un dipinto, un collage, una scultura o una stampa. Quel tipo di domanda e risposta rifletterebbe le aspettative superficiali del curriculum della scuola e le idee tradizionali di ciò che accade nell’aula d’arte. La domanda: “Cosa facciamo oggi?” suggerisce che tutto potrebbe accadere nell’aula d’arte: gli studenti varcano la soglia in una stanza di possibilità e domande e risposte aperte con il desiderio di attivare quello spazio.

Nel pensare a questa semantica, mi viene in mente Riccardo Serra‘S Compilazione di elenchi di verbi: azioni per relazionarsi a se stessi, materiale, luogo e processo (1967-1968). “Fare” non è nella lista. Serra delinea azioni molto più specifiche su come sperimentare. Forse anche “insegnare” e “imparare” sono troppo generici. Quali azioni potrei elencare per rispondere alla domanda dei miei studenti? Dalla lista di Serra, potrei rubare questi verbi che potrebbero essere applicati al mio ruolo di insegnante: agganciare, impressionare, sostenere ed espandere. Ai miei studenti, consiglierei di prendere in prestito i suoi verbi d’azione: raccogliere, scavare, unire, mescolare e continuare. Possiamo guardare artisti contemporanei non solo per riprodurre le loro immagini, ma anche per esaminare come agiscono in studio o nel mondo come modelli per come gli studenti possono agire come artisti.

“Recitare come un artista è molto più che fare arte”

Il quadro”Abitudini della mente dello studio”, sviluppato con gli insegnanti attraverso Progetto Zero, della Harvard Graduate School of Education, adotta un approccio attivo all’insegnamento e all’apprendimento dell’arte. Afferma che gli studenti possono agire più come artisti utilizzando otto principali abitudini mentali: osservare, immaginare, esprimere, sviluppare abilità, estendere ed esplorare, impegnarsi e persistere, riflettere e comprendere la comunità artistica. Nella mia classe, io e gli studenti approfondiamo questi verbi: analizziamo l’arte e il mondo che ci circonda, guardiamo video di artisti e discutiamo di come le loro esperienze si collegano alle nostre, ei miei studenti ricercano e pianificano i loro progetti creativi. Pratichiamo tecniche, sperimentiamo con materiali, condividiamo idee e collaboriamo. Falliamo, superiamo le sfide, critichiamo, rivediamo e presentiamo il nostro lavoro. Costruiamo la nostra comunità artistica. Tuttavia, tutti quei verbi si riferiscono ancora principalmente a come fare arte. Agire come un artista è molto più che fare arte. Gli artisti indagano con curiosità sui problemi, sorprendono gli spettatori con nuove prospettive e sfidano le strutture esistenti. Gli artisti ci aiutano ad ascoltare voci inascoltate, a entrare in empatia con altri punti di vista e a interrogarci sui misteri e sulla bellezza del mondo.

Cindy Sherman, veduta dell’installazione presso Metro Pictures, 2008. Still di produzione dal Arte nel XXI secolo episodio della quinta stagione, Trasformazione. © Arte21, Inc. 2001.

“Sentire artisti viventi parlare in prima persona di questioni contemporanee aiuta i miei studenti a iniziare a definire le loro opinioni”

Uno dei motivi per cui amo mostrare video di artisti contemporanei in classe è che i miei studenti spesso sono più attratti dalle parole di un artista che dalle loro opere d’arte. Ascoltare artisti viventi parlare in prima persona di questioni contemporanee aiuta i miei studenti a iniziare a definire le loro opinioni e creare spazi in cui si inseriscono nella società. Ad esempio, sono stati messi a loro agio dal Arte nel XXI secolo episodio caratterizzato Cindy Sherman, mostrando loro che va bene essere strani, vestirsi e sperimentare come mostrare la propria identità. Con l’accesso agli oggetti teatrali della nostra scuola, i miei alunni di seconda media hanno creato autoritratti di alter ego. Alcuni sono diventati maghi, pagliacci e sbirri mentre altri hanno sfruttato l’occasione per intensificare la loro presenza con uno sguardo particolare. La giocosità di Sherman nel suo processo di lavoro ha preparato il terreno affinché gli studenti vedessero se stessi in modi nuovi e sentissero che l’espressione di sé è fluida e in continua evoluzione. Hanno realizzato e modificato fotografie, come Sherman, ma hanno anche giocato, immaginato, preso dei rischi, sfidato le aspettative, condiviso ed eseguito.

Marie Elcin, aula. Immagine fornita dall’autore.

La stanza dell’arte è uno spazio sicuro per sperimentare non solo materiali fisici ed estetica, ma anche opinioni, ruoli ed espressioni personali. Nella stanza dell’arte, non stiamo solo facendo arte, ma stiamo anche diventando esseri umani che possono comunicare, interagire, pensare, sentire e avere prospettive uniche e valide. Nella parte anteriore della mia stanza c’è una lavagna su cui ho affisso delle cartoline con dei messaggi che riassumono come vorrei che gli studenti si comportassero: sii te stesso strano (ma non uno stronzo), non aver paura di provare, commettere errori, preoccuparti degli altri e rivendicare le tue azioni.

Quest’anno aggiungo il mio elenco di verbi d’azione a questa bacheca di arte. Riccardo SerraLa lista di è servita a ispirarlo in studio quando non era sicuro di cosa fare. Gli insegnanti e gli studenti d’arte potrebbero usare suggerimenti simili per ricordarsi di comportarsi come artisti. Quando gli studenti mi chiedono: “Cosa facciamo oggi?” Posso indicarli a questi:

Ascoltando
Contemplando
Credere
Enfatizzare
Esaminando
Indagando
Domandare
Meravigliato
Immaginare
Giocando
Fidarsi
Scegliere
Collaborando
Stimolante
Creare
Amorevole
Divenire

Collaboratore

Marie Elcin è un’artista ed educatrice che insegna agli studenti della scuola materna fino all’ottavo anno presso la Christopher Columbus Charter School di Filadelfia e agli adulti presso il suo centro artistico della comunità locale, il Fleisher Art Memorial. Lavorando all’interno del curriculum artistico della sua scuola che le richiede di coprire periodi storici dell’arte specifici, Marie trova costantemente modi per collegare esempi di arte locale e contemporanea al lavoro dei maestri di storia dell’arte. Ad esempio, ha collegato The Oxbow di Thomas Cole al lavoro dello scultore lego, Sean Kenney, che ha creato e installato una serie di sculture di animali in via di estinzione allo zoo di Filadelfia per criticare il modo in cui gli umani non si sono presi cura del nostro ambiente.



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Tempo colorato – Art21 Magazine


Artista americano. Scaffale del server dati, 2019. Legno, ferramenta, vernice, spago per fieno. Università dell’Iowa, Stanley Museum of Art. Foto per gentile concessione dell’artista.

ioNel 1895 pubblicò HG Wells La macchina del tempo, un libro che ha dato inizio alla sua fama come autore di fantascienza, sebbene abbia scritto in molti generi. Nonostante il successo di Wells sia modellato dall’infedeltà e dalla misoginia – comportamenti che decorano le biografie di molte figure storiche maschili bianche –La macchina del tempo è tuttora considerato il libro che ha introdotto i viaggi nel tempo nel lessico della fantascienza. Molti prodotti di fantascienza sono diventati realtà negli ultimi decenni, ma una macchina come quella di Wells rimane sfuggente. Possiamo fingere di viaggiare nel tempo attraverso un volo internazionale, ma la capacità di viaggiare attraverso i secoli non ha lasciato il regno della fantasia.

Avendo letto il romanzo anni fa, ricordo la sua rappresentazione delle familiarità della civiltà rese superflue, mentre fluttuavano e fluivano contro l’esterno della macchina dell’ingegnere. La capacità di Wells di immaginare specie completamente diverse dagli umani come unici protagonisti per la maggior parte del romanzo è stata per me impressionante. Mi chiedevo se potesse mai materializzarsi una realtà al di là dei vettori su cui gli umani disegnano barriere. Immaginando se stessi come l’ingegnere del romanzo, il fascino di assistere a un mondo al di là del proprio sarebbe abbastanza curioso da indurre l’accettazione della propria conseguente non esistenza? Per dirla in altro modo, se tu sapessi che il prossimo stadio della Terra consiste in giganteschi crostacei che costruiscono comunità tra cieli color tramonto senza alcun concetto di differenza, sarebbe abbastanza fantastico da aiutarti ad accettare la tua fine, in modo che tu possa il nuovo mondo da realizzare? Forse questo è simile alla crisi di legittimità che i custodi istituzionali affrontano oggi, mentre tentano di radicalizzare e razzializzare la loro immagine pubblica impiegando più persone non bianche e queer.

Artista americano. Scaffale del server dati, 2019. Legno, ferramenta, vernice, spago per fieno. Università dell’Iowa, Stanley Museum of Art. Foto per gentile concessione dell’artista.

Ho pensato alla proposta di Wells mentre viaggiavo quest’anno tra Brooklyn e Detroit¹. Come si contendono le previsioni di un disastro climatico Ottavia Maggiordomola premessa apocalittica in Parabola del seminatore, Mi chiedo: se dovessimo presumibilmente salvare il mondo, tutto funzionerebbe ancora allo stesso modo? E se è così, quale mondo verrebbe salvato, e perché dovrei preoccuparmi di salvarlo?

“La cultura che tenta di rappresentare il futuro definisce la possibilità del futuro in quel momento.”

Nell’articolo “La vita sociale della morte sociale”, Jared Sexton usa la trama del film del 1967 Nel calore della notte per citare il concetto di “tempo colorato”, una forma di carcerazione diversa dal “tempo bianco”. Il personaggio principale, Virgil Tibbs, lo descrive come “il momento peggiore che puoi fare”. Sexton prosegue descrivendo il tempo colorato come “tempo interminabile, forse persino incalcolabile, bloccato […] il tempo lento della prigionia, il tempo dilatato dell’orizzonte degli eventi, il tempo eterno dell’inconscio, la temporalità dell’atomizzazione. Questa differenziazione nel tempo come condizione della prigionia dei neri è importante per riconciliare il senso della relatività del tempo all’interno della cornice della socialità. Sebbene Wells abbia suggerito una considerazione su come noi, a singolare umanitàpotrebbe sfondare il tempo, in un altri temporalità, non ha tenuto conto della differenza di temporalità che già esiste tra le persone nello stesso luogo geografico allo stesso tempo letterale, sperimentando diverse epoche di possibilità a causa delle narrazioni lineari in cui sono inscritte. Wells non era a conoscenza del fatto che il tempo si muove in modo diverso per alcune persone…

Alisha B Wormsley. CI SONO PERSONE NERE NEL FUTURO2019. Billboard installato presso Library Street Collective, Detroit, MI.

Il 20 luglio 2019, l’artista Alisha B Wormsley ha debuttato un cartellone pubblicitario nel centro di Detroit: “CI SONO PERSONE NERE NEL FUTURO.” Il testo bianco su sfondo nero è facile da leggere e difficile da confondere. È una proposta chiara che rispecchia la banale insistenza di vitalità presentata dal Le vite dei neri contano movimento diversi anni fa, ma forse per un pubblico di fantascienza. In una dichiarazione sull’opera, Wormsley afferma che si tratta di “una risposta all’assenza di volti non bianchi nei film di fantascienza e nella TV”. il futuro in quel momento. Ci dà uno sguardo al futuro pianificato per noi se continua senza controllo. La mondanità del cartellone pubblicitario di Wormsley è importante da notare perché il movimento Black Lives Matter è stato etichettato come “estremismo dell’identità nera” per aver semplicemente indicato la resilienza della Blackness. Ci sono persone di colore nella versione del futuro di Wells o esistiamo nel tempo colorato? Da quello che ricordo, il romanzo anticipava i sogni irrealizzabili di tecnocrati contemporanei come Elon Musk e Jeff Bezos: l’ingegnere della macchina del tempo era l’unica persona che è uscita viva dal presente.

Artista americano. 2015 (fermo video), 2019. Video HD; 21:38. Foto per gentile concessione dell’artista

Nella mia opera d’arte, giustappongo diverse temporalità per mostrare che i disturbi della fantascienza sono fatti spesso troppo banali per essere registrati come la cosa rappresentata attraverso il cinema. La maggior parte della fantascienza drammatizza la paura della borghesia di diventare l’Altro mentre il vero thriller affronta le paure effettivamente create dalla borghesia. L’artwork intitolato 2015³ caratterizza l’utilizzo da parte del New York Police Department (NYPD) di software di predictive policing, un approccio introdotto al pubblico da film come Minority Report e utilizzato negli Stati Uniti già nel 2012. La scultura intitolata Data Server Rack4 confronta il versamento di capitale di rischio incentrato sulla tecnologia nel Midwest con la lotta degli agricoltori neri per gli insediamenti nella più grande causa per i diritti civili nella storia degli Stati Uniti. Il mio lavoro, come il cartellone pubblicitario di Wormsley, rivela la macchina che non solo rende possibili esiti diversi per vari individui nella stessa inquadratura singolare, ma annuncia anche – con criminale regolarità – le vittime del tempo colorato.


1 Nel corso della stesura di questo saggio, l’autore ha visitato Detroit come insegnante di teoria critica presso la School for Poetic Computation (sfpc.io).

2 Alisha B. Wormsley (sito web), “Ci sono persone di colore nel futuro”, https://alishabwormsley.com/new-page-1.

3 Il video 2015, realizzato nel 2019, contiene un HUD (heads-up display) immaginario, un dispositivo che visualizza informazioni critiche all’interno di un parabrezza o di una finestra della cabina di pilotaggio, una prima forma di realtà aumentata. Un precursore dell’HUD apparve nel 1900 nei mirini dei cannoni antiaerei. Questo è un promemoria del fatto che la maggior parte delle nuove tecnologie è sviluppata e finanziata dal complesso industriale militare. Il NYPD ha annunciato pubblicamente che avrebbe iniziato le prove del software di polizia predittiva il 29 giugno 2015, data in cui si svolge il video.

4 Scaffale del server dati (2019) risponde al fenomeno Silicon Prairie: negli ultimi anni, un numero crescente di imprenditori tecnologici e programmatori di computer di San Jose si è trasferito nel Midwest per opportunità di lavoro paragonabili a quelle della Silicon Valley. Il rapporto tra l’industria high-tech e l’agricoltura ha un precedente nella Santa Clara Valley, in California, dove l’industria della frutta che prosperò all’inizio del XX secolo fu eclissata dal settore tecnologico negli anni ’60.

Nell’arco degli stessi due decenni in cui molti giovani venture capitalist maschi bianchi si sono concentrati sul Midwest, il Dipartimento dell’Agricoltura degli Stati Uniti è stato coinvolto in una battaglia legale per i prestiti negati agli agricoltori neri per oltre un decennio. Dopo aver fallito nel concedere adeguatamente gli accordi agli agricoltori richiedenti nella causa Pigford v. Glickman del 1999, sono stati autorizzati progetti di legge successivi, consentendo ad altri agricoltori di richiedere pagamenti. Il disegno di legge più recente, Pigford II, è stato risolto nel 2010, per il quale gli agricoltori applicabili non hanno ricevuto pagamenti fino al 2013.

Questa scultura traccia un parallelo tra la forma di un rack per server di dati – un modesto dispositivo utilitaristico, solitamente invisibile ai consumatori, che fornisce l’infrastruttura per il cloud di dati – e una macchina per il salvataggio del fieno fatta a mano – uno strumento di nicchia per alleviare i costi per gli agricoltori, realizzato da legno e materiali trovati, al fine di creare balle di fieno standardizzate nel settore.


Collaboratore

American Artist è residente presso l’Abrons Art Center e nel 2018-19 ha ricevuto la Queens Museum Jerome Foundation Fellowship. Hanno esposto al Museum of the African Diaspora, San Francisco; lo Studio Museum di Harlem; Museo di Arte Contemporanea di Chicago e Koenig & Clinton, New York. La mostra, My Blue Window, sarà visibile al Queens Museum dal 6 ottobre 2019 al 16 febbraio 2020. Il lavoro di American Artist è stato presentato su Artforum, ARTnews, Mousse e Huffington Post. Sono il direttore artistico della pubblicazione di arti e politica, unbag. Artista americano vive e lavora a Brooklyn, New York.



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Alla ricerca di una ragazza straniera |  Rivista Art21

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